Lope de Sosa. Glosarios

LA DEVOCIÓN DEL SOSPECHOSO X. Keigo Higashino

2012-02-28T10:39:00.000+01:00

Ladevoción del sospechoso X es unanovela policiaca, y como todas las de este género, fácil de leer pero difícilde comentar más allá de una breve sinopsis si no se quieren desvelar a priori elementos importantes de la trama narrativa. Cualquierdesliz en este sentido puede arruinar eldisfrute de la obra a futuros lectores y eso sería imperdonable.

Hace tiempo que el mundo anglosajón hadejado de tener el monopolio de las buenas narraciones detectivescas, bien alestilo analítico de la escuela inglesa o al de la novela de serie negranorteamericana. Autores como el sueco Stieg Larsson y su trilogía “Millennium” han demostrado lo que digo.Y, en mi opinión, el japonés Keigo Higashino, con esta novela, bien pudiera incluirse en el grupo de maestros de este género narrativo. El relato se localiza en el Tokio actual y esto le aporta uncierto toque exótico porque si bien es cierto que Japón asumió hace mucho la forma de vida occidental, la cultura nipona aúnconserva rasgos diferenciales en cuanto a formas de comportamiento y actitudesmorales que la diferencian claramentede la nuestra. Si hemos de encuadrar la narración en uno de los dos estilos tradicionales diremos que predomina en la misma el análisis deductivo propio dela novela inglesa. Para empezar ya desde el principio conocemos el crimen y asu autor que por tanto dejan de sustentar la intriga. La señora Hanaoka asesina a su ex marido, que laacosa y extorsiona, y su vecino, el profesor de matemáticas Ishigami, se hace voluntariamentecómplice y se presta a ayudarla. Partiendo de los hechos consumados, elsuspense se genera por el acoso policial a la sospechosa y la elaboración deuna coartada perfecta por parte del cómplice. En este juego de sospechas,coartadas, y móviles, el tradicionaldetective está también auxiliado por suamigo, el profesor Yukawa. Entre los personajes se desarrolla un duelo intelectual y lógico salpicado deintuiciones y hechos espontáneos, intrascendentes en apariencia, que actúancomo factores o variables incontroladas dentro de una ecuación supuestamente perfecta. Laintriga se mantiene durante toda la historia que se desarrolla de forma casilineal y sucesiva en el tiempo, con muy escasos flash back indispensables parajustificar desde el pasado las cualidades o emociones actuales de lospersonajes. La acción carece porcompleto de la violencia o detalles escabrosos propios de la novela negra y apesar de esto genera una continuatensión hasta el final que, esta vez sí,es totalmente inesperado para el lector.

Enresumen, se trata de una estupenda novela policiaca que atrapa en la lectura y sorprende en sudesenlace.

EL CEMENTERIO DE PRAGA. Umberto Eco

2012-02-21T16:13:00.003+01:00

Elescritor italiano Umberto Eco(1932) ha editado abundantes ensayos ytratados sobre semiótica, lingüística, estética y ética. Pero ha sido su facetacomo novelista la que le ha dado a conocer entre la mayoría de lectores. Suprimera novela, El nombre de la rosa(1980), lo catapultó a la fama y puso de moda un subgénero de suspense conambientación histórica que ha sido posteriormente imitado hasta la saciedad.Gran aficionado a lo esotérico, su segunda novela dedicada a estos temas, El péndulode Foucault (1988), lo consagró definitivamente como novelista de éxito. Enun periodo de treinta años ha escrito sólo seis novelas, todas ellas decalidad, en las que ha evolucionado desde unos postulados narrativos mástradicionales hasta formas de expresión y temáticas cada vez más personales y libres. Se diríaque a estas alturas el escritor se permite a si mismo decir lo que quiere sinconcesiones a lo políticamente correctoo lo comercial, aunque de ello se derive un cierto espíritu irreverente yprovocador que induce a la polémica, algo que en opinión de muchos es uningrediente básico de la buena literatura.

Y es que su última novela El cementerio de Praga(2010) tiene mucho de original yprovocadora hasta el punto que ha cosechado las críticas de sectores tandispares como la comunidad judía, la masonería, o la iglesia católica. Paraempezar, el escritor ha creado un personaje despreciable, el capitán Simonini,un ser amoral, espía y falsificador, que en sus opiniones se manifiesta comoultraconservador, misógino, racista y en particular antisemita obsesivo, quevierte sus críticas indiscriminadas, simplistas y tópicas, sobre distintospueblos, sobre la masonería, la monarquía, los jesuitas etc. Pero a pesar detodo, el humor negro, la ironía y cierto grado de cinismo del personaje, leaportan un morbo que de alguna forma no termina de hacerlo totalmenteantipático, porque además percibimos que en algunas de sus críticas lleva partede razón.

La estructura narrativa de la obra también es original yaque se alternan tres narradores distintos. El protagonista, Simonini,padece de alteraciones de la memoria y un desdoblamiento de personalidad en otro personaje, el abate dalla Piccola, y escribe un diario de sus recuerdos, en primera persona, en elque se alterna con su alter ego. Hay un tercer narrador que puedeidentificarse con el autor, que escribe en tercera persona y resume parte de losdiarios de los personajes. Este último se muestra neutral respecto a lasopiniones de los protagonistas y de ahí esa ambigüedad ética y la duda de que el antisemitismo de los personajes seao no compartido por el autor. El relato está ambientado en distintos lugares,Turín, Sicilia y París durante la segunda mitad del siglo XIX y lasmemorias recogen distintos momentos de la unificación italiana tales como laexpedición de Garibaldi a Sicilia, también el Segundo Imperio de Napoleón IIIhasta la derrota frente a los prusianos en Sedán, la tercera República francesa, la Comuna de París etc. De la mano del desdoblado personaje asistimos a una época convulsa, rica enintrigas políticas, conspiraciones, terrorismo carbonario, revueltas,escándalos políticos y derrotas militares, también al definitivo ascenso de laburguesía, la aparición del proletariado, el nacimiento del socialismo y elcomunismo, la influencia política de la masonería etc. Aparecen multitud de personajes muchos de ellosconocidos como Garibaldi, Cavour, Thiers, Freud, Charcot, y otros muchosdesconocidos, de vida y hechos tan novelescos que nos parecen ficticios. Por esoquedamos sorprendidos cuando, en el epílogo, el autor nos aclara que la mayoríade estos últimos fueron también personajes reales demostrando así que no sólo la literatura imita a la realidadsino que, en ocasiones, es la realidad la que imita lo literario.

La obra es además un homenaje alfolletín decimonónico. No sólo porque el personaje se inspira en autores deeste género, como Dumas y Sue, para urdir sus falsificaciones sino por elformato narrativo que recuerda las novelas por entregas, con frecuentes saltosen el tiempo (analepsis, elipsis). Aunque la novela tiene distintas lecturas, el trasfondo de la misma, el temacentral es la falsificación de lahistoria. Cómo, a partir de documentos reales sacados de su contexto, y deotros falsificados, a fuerza de ser repetidos en diferentes versiones y conelementos añadidos, se puede convertir la mentira y la ficción en realidad histórica. En concreto aparecen en la trama dos claros ejemplos; el escándaloDreyfus y el documento conocido como “Protocolo de los sabios de Sión” que, añadidoa otros muchos tópicos, ayudó a configurar el mito de la conspiraciónjudeo-masónica que justificó elantisemitismo moderno y culminó de forma dramática con la “solución final” de Hitler.

Setrata pues de una novela rica en matices, de lectura compleja, ambigua ycontrovertida si se analiza de formasuperficial y clara en un análisis más profundo. Reconozco ser un adicto a laliteratura de Umberto Eco y en esta ocasión tampoco me ha defraudado. El cementerio de Praga me parece una desus mejores novelas.

FASTOS. Ovidio

2012-02-14T17:39:00.001+01:00

Publio Ovidio Naso (43a.C.–17 d.C.) fue, junto con Horacio y Virgilio, uno de los poetas protegidospor Mecenas durante la época del emperador Octavio Augusto. Si el último puedeser considerado como el poeta oficial del nuevo régimen imperial, cantor de losorígenes y la gloria de Roma en su poema épico “Eneida”, Ovidio fue dealguna forma el poeta maldito. Adquirió fama y prestigio con sus dos principales obras“Las metamorfosis” y “Arte de amar” pero ésta última le atrajo ladesgracia y la proscripción.

“Fastos”es una de las obras menos conocidas del autor latino. Se trata de lo que losromanos llamaban poesía didáctica, pero naturalmente con la traducción alcastellano el poema pierde la rima y se transforma en prosa. El término latino fastusalude a cualquier división del tiempo, como meses o días. Los fastuseran también los días hábiles en que funcionaban los tribunales y se podíanhacer negocios en el foro. Por contra, los días nec fastus eranlos días que cerraban los tribunales por alguna festividad religiosa. De estosúltimos deriva nuestra palabra “nefasto” cuyo significado actual (triste,funesto) contrasta con el original latino (día festivo).

En estetratado, el poeta mezcló elementos diversosy heterogéneos como astrología, mitología, descripción de fiestas, ceremoniasreligiosas, y algunos episodios de la historia de Roma, todo ello en relación alos meses del año. La obra quedó incompleta y sólo se recogen los seis primerosmeses. Parece que durante su elaboración Ovidio fue desterrado por Augusto alas costas del Mar Negro y después no pudo o no quiso continuarla. No se sabe aciencia cierta el motivo del destierro. Se dice que pudo tener relación con laedición del “Ars amandi” que contravenía claramente las estrictas normas de moralización que pretendía introducirel emperador en la sociedad romana. De nada le sirvió a Ovidio añadir en este poema frecuentes frases que glorifican la estirpe de Augusto, algunas de ellas descaradamente adulatorias.

Decualquier forma, los “Fastos” son de agradable lectura. A pesar de lapérdida de la rima, la poesía trasciende el texto y en ocasiones parece prosapoética. Es interesante además como fuente para elestudio del origen de fiestas, ritos religiosos, tradiciones romanas y, aquí de nuevo, Ovidio hace gala de su enorme erudición mitológica. En cambio,según han demostrado los historiadores que analizaron la obra, susconocimientos astrológicos son bastante más limitados y comete frecuenteserrores. Da la impresión de ser una obra hecha para entretener. En algunosmomentos los relatos tienen cierto toque de ingenuidad y en otras ocasiones loselogios a la familia imperial parecen esconder un punto de ironía. Quizás dejóinacabada su redacción porque ya no se divertía escribiéndola, o quizás, quiensabe, fue su forma de vengarse del emperador. Augusto murió en año 14 d.C. peroel poeta fue olvidado en su exilio y le siguió al Averno (o al Eliseo) tresaños más tarde.

EL SUEÑO DEL CELTA. Mario Vargas Llosa

2012-02-07T18:18:00.001+01:00

En laextensa producción literaria del hispano-peruano Mario Vargas Llosa sonfrecuentes las novelas de tema político entre las cuales destacan algunos desus mejores títulos como La guerra del fin del mundo (1981) o La fiesta del Chivo (2000). Su última novela “El sueño del celta” puedeincluirse por su temática en este mismogrupo aunque yo la calificaría comouna biografía novelada pues se centra enun personaje histórico real, el irlandés Roger Casement (1864-1916), cónsul británicoque a principios del siglo XX fue el primer europeo que denunció la tremenda explotación, los abusos y crueldadescometidos por el sistema colonial en elCongo belga y en las estaciones caucheras del Putumayo, en la Amazonía peruana. Lo que haceatractivo a este personaje, según elautor, son los fuertes contrastes de su peripecia vital que lo convierte en la representación de las grandes contradicciones que están en la esencia del alma humana. En la introducción de la novela se alude aProteo, aquél dios marino de la mitología griega con capacidades proféticas quecambiaba continuamente de forma, lo cual lo hacía inaprensible. De su nombre deriva el término “proteico”referente a quien muda continuamente de opiniones y afectos. Proteo y loproteico simbolizan lo que el ser humano tiene de cambiante, lo que nos hace noser uno sino muchos en uno, a veces de forma sucesiva y llena decontrastes. Desde luego el personajecentral de la novela fue todo un ejemplo de contradicciones y contrastes. Nacido irlandés de padre anglicano unionistay madre católica, fue bautizado en secreto por ésta y educado como anglicano.De formación inglesa y con una visión paternalista del colonialismocivilizador pasó a ser un firmeanticolonialista tras ser testigo de las atrocidades del sistema. Sus informessobre el Congo belga y el Putumayo le dieron fama y reconocimiento enInglaterra pero a continuación abandonó el servicio diplomático de la coronabritánica y abrazó los ideales del nacionalismo irlandés al tiempo queabandonaba el anglicanismo y se hacía católico inducido más por motivospolíticos que por reflexión religiosa. Convertido en independentista radical, su mayor frustración era nodominar el gaélico. Su sentido prácticole indujo a buscar la ayuda de Alemania a una sublevación en Irlanda durante eltrascurso de la Primera Guerra Mundial ypor tal motivo pasó de ser un héroe a un traidor a los ojos de Inglaterra. Tras la sublevaciónindependentista conocida como “de SemanaSanta” o “de Pascua” fue detenido, aunque no participó en la misma, yfinalmente ejecutado. Su fuerte idealismo contrastaba con cierto grado de depravación,y su homosexualidad, entonces un delito, fue utilizada para desacreditarlemediante un supuesto y dudoso diario repleto de obscenidades que parece fuemanipulado.

Casement conoció en sus viajesa personajes como el explorador Henry Morton Stanley, cuya figura quedadesmitificada en la obra, y también al escritor Joseph Conrad que viajó por el río Congo y en su novela “El corazón de las tinieblas” expuso la tesis de que la naturalezaexuberante y salvaje de la selva impone al europeo civilizado unas duras condiciones de vida que loarrastran a la soledad, el miedo a lo desconocido, y finalmente hacia la locura.Nuestro protagonista compartió inicialmente estas ideas pero luego se diocuenta de que era la avaricia de loseuropeos y su afán de enriquecimiento rápido lo que conducía a la pérdida de valores morales, a lacrueldad y la locura.

La novela tiene una estructura doble,es decir, dos líneas narrativas o dos tiempos entrelazados. La primera se desarrolla en los capítulos impares y se localiza en la prisión de Pentonville(Londres) donde Casement pasó los últimos meses antes de serejecutado en la horca en agosto de 1916.La segunda es el relato de su vida centrada en sus etapas en elCongo belga, en el Putumayo, y comonacionalista irlandés. Ambas líneasestán narradas en tercera persona lo cual parece un intento del escritor porenfriar el relato y darle un tono objetivo y desapasionado.

En resumen, el trasfondo de lanovela es la denuncia de los estragosque el colonialismo de finales del XIX y principios del XX provocó en muchospaíses suramericanos y casi todos los africanos. Casi cincuenta años después seprodujo la descolonización e independencia de estos países pero las secuelas deaquél régimen colonial de las potenciaseuropeas aún se dejan sentir.

Una nota final. La obtención del cauchonatural (latex) fue una de las causas deaquella explotación colonial. Era un producto indispensable para el desarrolloeuropeo, principalmente en la incipiente industria de automoción. Ciudades como Manaos en Brasil o Iquitos en Perú se enriquecieron de forma fabulosa en pocos años a costa deeste comercio, pero la fiebre del cauchoduró poco. A finales de la Primera Guerra Mundial, los alemanes, sin un imperiocolonial que explotar y deficitarios en este producto, inventaron el cauchosintético y ese fue el final de aquel espejismo de riqueza y ostentación.

CONCIERTO DE ARANJUEZ. Joaquín Rodrigo

2012-01-31T20:06:00.001+01:00

El pasadosábado hemos asistido en el TeatroInfanta Leonor a un conciertointerpretado por la Banda Sinfónica “Ciudad de Jaén”, una agrupaciónformada por jóvenes músicos, estudiantes, y profesores del Conservatorio de nuestra capital. El programaestaba integrado por piezas musicales muy variadas pero la obra central era el Conciertode Aranjuez de Joaquín Rodrigo, en una adaptación para este tipo de bandas queabundan en instrumentos de viento y percusión pero son deficitarias en los decuerda, con ausencia de violines. La gran popularidad de la obra convocó a mucho público que llenó por completo el aforo. La ejecución fue muy satisfactoria, a pesar de laslimitaciones mencionadas e impuestas porel desequilibrio instrumental. El solista sobresalió naturalmente en unacomposición en la que los solos de guitarra destacan claramente sobre la orquesta. En cuanto al resto de loprogramado, la emotividad de algunas piezas fuertemente inspiradas en latradición musical andaluza y la brillantez y espectacularidad de otras, de autores rusos y americanos, se ganaron el favor del público. Laasociación que patrocina la banda presentó, a modo de inciso o paréntesis en el programa, una banda infantil de iniciación, en una claraapuesta por fomentar la educación musical de la juventudde nuestra provincia. Interpretaron varias piezas cortas que fueroncariñosamente acogidas por el auditorio.

Sobre el Concierto de Aranjuez pocopodemos comentar que no se haya dicho ya. Su fama traspasó nuestras fronteras ylo convirtió en la obra musical española más conocida e interpretada en elextranjero. En mi opinión, lo que hace singular esta composición es su enormepotencial evocador de imágenes y sensaciones. Parece como si elmaestro Rodrigo, con esa hipersensibilidad del resto desentidos tan típica de los ciegos, hubiera captado las texturas, sonidos, y olores de losfamosos jardines y después de modularloscon sus propias emociones los hubiera traducido a lenguaje musical. En nosotros la composición opera de la misma forma,comienza por sugerirnos imágenes y escenas y termina por provocarnos emociones y sentimientos, siempresubjetivos, en ocasiones cambiantes y evolutivos después de muchas audiciones alo largo de nuestra vida. A mí enparticular, el primer movimiento (allegrocon spirito) me traslada al pasado, alamanecer de un nuevo día en Aranjuez, al despertar de los pájaros en lasalamedas, con los labriegos de camino a los campos y los servidores de los palacios iniciando sustareas. El tercer movimiento (allegrogentile) me hace evocar una baile, un minueto barroco con fuerte influenciade las danzas populares, bailado por losnobles cortesanos borbónicos del XIX, vestidos a la moda goyesca. En cuanto alsegundo movimiento, el adagio, sinduda el más popular y conocido, es elpaseo por los jardines, el rumor de la arboleda agitada por la brisa, el sonidode las aguas de sus fuentes y el silencioso fluir de las del Tajo, casi unlago. Antes esta pieza me inspiraba una sensación de romanticismo con un toquede tristeza, como de amores no satisfechos, ahora evoca para mí la nostalgia de la juventudpasada. Todas estas sensaciones forman parte de la magia del Concierto deAranjuez y son, creo yo, el secreto de su éxito. En resumen, una pequeña joyaque por sí sola justifica y engrandece a Joaquín Rodrigo y lo coloca entre losgrandes de la música clásica.

RELATOS CÓMICOS. Edgar Allan Poe

2012-01-24T21:28:00.000+01:00

Sobre la biografía y obra del escritor norteamericano EdgarAllan Poe (1809-1849) se han vertido auténticos “ríos de tinta”. Su corta yagitada vida parece extraída de uno de sus relatos. Su producción literaria esvariada e incluye poesía, crítica, novela, y ensayo; Pero, sin duda,es la genialidad de sus relatos cortos lo que le ha procurado fama universal.En este género fue un renovador de la novela gótica y sus cuentos deterror han adquirido una enorme difusión, pero también se le considera elinventor del relato detectivesco y uno de los iniciadores de la ciencia-ficción.En su obra literaria recibió claras influencias de los poetas románticosy de la novela gótica inglesa, además de otros escritores franceses y alemanesde la época. Su influencia posterior fue enorme en los movimientos literariosfranceses de mediados y finales del XIX, tales como simbolismo, decadentismo, ysurrealismo, además de ser inspirador de grandes escritores posteriores, entreotros muchos Julio Verne y Arthur Conan Doyle.

La mayorparte de sus cuentos fueron de inicio publicados en prensa y posteriormenterecopilados y editados en multitud de antologías y para la confección de lasmismas se agruparon en distintas categorías. Julio Cortázar, admirador ytraductor de Poe, estableció las siguientes: 1.- De terror, 2.- Sobrenaturales,3.- Metafísicos, 4.- Analíticos, 5.- De anticipación y retrospección, 6.- Depaisaje, 7.- Grotescos y satíricos. Los más conocidos son los relatos de terrortales como “El pozo y el péndulo” o “El gato negro” que casitodos hemos leído y hasta releído en distintas antologías, incluyendo versiones cinematográficas de los mismos.

Por serpoco conocidos me llamó la atención esta otra recopilación de cuentos titulada “Relatos cómicos”. Estoy deacuerdo con la clasificación de Cortázar y más que “cómicos” yo los hubieratitulado como “satíricos”. En estos cuentos se reconoce fácilmente laperfección estilística de Poe, encaminada como siempre a causar la impresióndel lector esta vez no por el terror sino por la comicidad. Su objetivo enestos cuentos es fustigar a la sociedad en la que vive. Llevado por un espírituconservador y algo desquiciado, dispara contra todo y contra todos; la forma devida de hombre de negocios americano, los avances en terapia psicológica, elexcesivo racionalismo, el sensacionalismo de la prensa, etc. La técnica de losrelatos es claramente surrealista, impregnada de un humor del absurdo que rayaen lo grotesco y a veces en lo macabro. El lenguaje es siempre irónico y enocasiones la narración es difícil seguir por las frecuentes alusiones apersonajes locales o el abundante recurso a los juegos de palabras y fraseshechas que, traducidas del inglés, pierden parte de su significado. Losrelatos, como suele ocurrir en toda antología, tienen un interés variable.Entre los más entretenidos e interesantes están; “El sistema del doctor Breay el profesor Pluma”, “El ángel de lo extraño” o “El hombre denegocios”.

Paraterminar, en mi opinión estos cuentos no son de los mejores de Poe peroresultan originales por ser casi desconocidos y a fin de cuentas son útilespara lograr una visión unitaria y no sesgada de la producción literaria delautor.

ELOGIO DE LA ESTUPIDEZ. Erasmo de Rotterdam

2012-01-16T19:36:00.000+01:00

Exponercon detalle la figura de Erasmo deRotterdam (1466-1536) excedería conmucho el propósito y la concisión exigibles a estos comentarios. Resumiremosdiciendo que fue ordenado sacerdote y estudió en París donde alcanzó un profundo dominio de laslenguas y cultura clásica grecolatina. Viajero incansable, visitó y residió en varias universidades europeas, entre otras, Londres, Cambridge, París, varias ciudades de Italia, Basilea yalguna más. Se le ofrecieron varias cátedras vitalicias que siempre rechazó. Conoció o tuvo amistad con losprincipales personajes e intelectuales de su tiempo; Carlos V, el papa León X,Martín Lutero, Zwinglio, Tomás Moro y muchos otros menos conocidos. Destacócomo filólogo, filósofo y teólogo. En esta última disciplina fue partidariode recobrar la pureza originaria de lasSagradas Escrituras mediante su traducción desde las fuentes originales en griego o hebreo, ademásde la exégesis de las mismas para depurarlas de añadidos y corrupciones. Sutraducción al latín, por entonces la lengua internacional, de los libros delNuevo Testamento tuvo una enorme difusión gracias a la imprenta, fue traducidaa lenguas vulgares y en ella se inspiraron los reformistas luteranos para sus estudios bíblicos. Erasmo fue muy críticocon la corrupción eclesiástica y mostró públicamente sus simpatías porLutero pero siempre aceptó la ortodoxia católica y a laIglesia como institución. Su intención era más bien aportar ideas para aclarar la doctrina cristiana y depurar la práctica religiosaliberándola del formalismo impuesto por la tradición, y de las prácticassupersticiosas e ignorantes. Rechazó los excesos y la rigidez de lasenseñanza escolástica medieval y fuepartidario de la libertad de pensamiento, la tolerancia y la comprensión. Unade sus convicciones era la educaciónbasada en la duda como motor y acicatedel pensamiento científico. El difícil equilibrio de neutralidad entrecatólicos y luteranos le amargó los últimos años de vida cuando la guerra y lapersecución sustituyeron a la razón y ala controversia teológica. En suma, Erasmo fue el más grande de los humanistas, el primer intelectual y librepensadorque podríamos considerar moderno por sus ideas sobre la educación y la religión, también por su concepción unitariade la cultura europea. Una última curiosidad biográfica; nunca viajó a España ysegún parece manifestó en privado opinionesnegativas sobre la religiosidad fanáticade los españoles.

Entrela extensa e importante obra erasmiana, esta que comentamos, el “Elogio de la locura” o “Elogio de la estupidez” fue calificada por el propio autor como un“librito”, una bufonada satírica, o un divertimento, a pesar de lo cual, y deforma paradójica, fue, tras su edición en 1511, además de un auténtico éxito deventas, una especie de catalizador de la reforma protestante. Por tal motivo esconsiderada como una de las obras más importantes de la literatura occidental.Se trata de un ensayo que por suclaridad en el razonamiento lógico fue a menudo utilizado por los estudiantes del XVI para ejercicios retóricos yadoxográficos (elogio de las cosas sin valor). La obra está inspirada, según el autor, en las antiguas obrassatíricas grecolatinas, en particular las de Luciano de Samosata al cual alude frecuentemente. Lanarración se hace en primera persona mediante el recurso a un personaje, la diosaEstupidez, que relata cómo los humanosparticipan de sus bienes y cuanto tieneque agradecerle el mundo por ello. Enuna primera parte el tono es burlesco se recrea en la sátira de las costumbres yusos sociales, en lo que hay de estúpido e incoherente en nuestra vida. En sucrítica no deja títere con cabeza; a los retóricos pedantes, a los teólogosenvueltos en polémicas bizantinas, a los médicos irreflexivos en su práctica, a los abogadosleguleyos, también a los jóvenes inconscientes, a los viejos dementes. Se ríe de la mitología, de lacultura y hasta de sí mismo. En surepaso no deja al margen los defectos de los distintos pueblos europeos, incluidos sus compatriotas losholandeses. Pero a medida que avanza el ensayo el tono se hace algo másserio y en medio de la crítica a reyes incapaces, malos gobernantes, o al afánde títulos de nobleza, aparecen las primeras a la corrupción de la Iglesia, siempreinsistiendo en que no es general. Sedescribe la ignorancia y suciedad de los monjes, las prácticas supersticiosas,la idolatría del culto a las imágenes, la superficialidad de los predicadores,el exceso en las ofrendas y la falta de caridad, la avaricia de obispos y prelados,la compra de dignidades eclesiásticas y otros aspectos. Aparecen críticasveladas a las bulas e indulgencias, y a los sacramentos de la eucaristía y confesión, al tiempo que se propugna elretorno a la sencillez y pureza original de las doctrinas apostólicas. En elepílogo Erasmo insiste en que se tratade un escrito humorístico y que el lector no intente sacar conclusiones delmismo aunque reconoce que el humor puedeser un medio para manifestar la dolorosa verdad.

Elensayo abunda en juegos de palabra, retruécanos, y muy frecuentes alusionesmitológicas o a los clásicos grecolatinos. Por tal motivo conviene leer estaobra en ediciones bien comentadas y anotadas ya que nuestra cultura alrespecto es, en general, muy inferior ala de los lectores de aquella época, que debían de ser pocos en número pero muy instruidos en estas materias.

Para terminar dos apuntes finales, una anécdota dedudosa veracidad y una triste constatación. La primera; Se dice que por parte de los católicos se acusó a Erasmo con la siguiente frase “ustedpuso el huevo y Lutero lo empolló”,y que el humanista respondió con otra “Sí, pero yo esperaba un pollo deotra clase”. La segunda y conclusiónfinal; Toda la obra de Erasmo de Rotterdam fue censurada e incluida en elÍndice durante el Concilio de Trento. La mayoría de líderes y pensadoresprotestantes también rechazaron sus obras.

EL PUENTE DE LOS ASESINOS. Arturo Pérez-Reverte

2012-01-10T20:16:00.001+01:00

Algunoslectores y la mayoría de los críticos suelen adoptar una postura de toleranciacondescendiente al opinar sobre la literatura que podríamos llamar “deevasión” o “de entretenimiento”. Si además el libro en cuestión se lanza almercado con una buena campaña de marketing y alcanza la categoríade “best seller”, esta opiniónpuede derivar hacia el desprecio y enseguida se le coloca la etiqueta de “comercial”. Pero en esta cuestión, como en casi todo, no es buenogeneralizar ni rasgarse las vestiduras. Por poner algunos ejemplos; la mayoríaconsideramos las telenovelas como “TV basura”, pero más de una vez nos hemosenganchado con una de ellas. En otro sentido, reconocemos el interés de losdocumentales de naturaleza pero amenudo nos dormimos con la grave y monótona voz en off del comentarista. Como admito haber cometidoalguno de estos pecados, no quiero ser puritano ni fariseo al opinar sobre esta clase de literatura en la que bien se puede encuadrar la obra que comento hoy. A fin decuentas aprendí a leer con los tebeosdel Capitán Trueno, y una de misprimeras lecturas de juventud fue “Los tres mosqueteros”, pura literatura de evasión del siglo XIX convertida en un clásico del XX.

“El puente de los asesinos” es, comoaquella de Alejandro Dumas, una novela de aventuras de las de “capa y espada”.La séptima y de momento última entregade una saga dedicada por Arturo Pérez-Reverte al capitán Alatriste, un personaje a medio camino entre héroe y villano, de dudosareputación y probado valor, de rectos principios éticos en un mundo de truhanes. Esta, como las demás de la serie se lee por separado aunque el escritor entrevera a lolargo del relato alusiones y pequeños resúmenes que remiten a lo sucedido en otros títulos, con unatécnica que recuerda en algo a aquellos “vienede” y “continuará” de los antiguos tebeos por entregas, una clara concesión a lo comercial que no merma la calidad de la obra.

Elcapitán Alatriste y su fiel discípulo el joven Iñigo Balboa viven sus aventuras durante el decadente imperioespañol de Felipe IV y su valido el conde-duque de Olivares, en pleno sigloXVII. Unas veces como soldados y otras como sicarios a sueldo recorren distintos escenarios de la Europa de aquel siglo y se ven envueltos enbatallas, conspiraciones políticas y todo tipo de asuntos más o menos turbios. El alter ego deAlatriste, el personaje siniestro que amenudo se le enfrenta, es el malvado Gualterio Malatesta. En esta entrega el escenario es la ciudad deVenecia y el asunto una supuesta conjuración para asesinar al dogo inspirada en otra, estasi real, que ocurrió en 1618 y motivó un grave incidente diplomático entreEspaña y la república veneciana que provocó la caída en desgracia y posteriorprisión del duque de Osuna, virrey de Nápoles y amigo de Francisco de Quevedo.

Aunque no se puede exigir rigorhistórico a este tipo de novela, esta, y toda la serie de Alatriste, goza deuna perfecta ambientación de época que describe costumbres, vestidos, lugares e incluso pretende, en lo posible, imitar ellenguaje de aquellos tiempos. Esto no impide el disfrute de la aventura en si misma pero lo aumenta en aquellos lectores con cierta perspectiva histórica del tiempoen el que se desarrolla la narración.

Podemos destacar por último algún otroaspecto negativo como la presentación y lanzamiento de la novela en Madrid enplan espectáculo, espadachines incluidos, y colocarle las etiquetas de marketingque queramos, pero en mi opinión setrata de buena literatura de evasión y de aventuras, tan amena que engancha alector hasta intentar leerla de untirón.

EL ROJO EMBLEMA DEL VALOR. Stephen Crane

2012-01-04T20:29:00.001+01:00

“El rojo emblema del valor” fue re-editadahace algunos años dentro de una colección de novelas dedicada al subgénero deaventuras. Después de haberla leído no estoy de acuerdo con dichaclasificación. Es cierto que la narraciónse desarrolla durante la Guerra de Secesión norteamericana (1861-1865), unacontienda propicia para ambientar novelas de este tipo, muy explotada tambiénpor Hollywood en multitud de películas. Pero en esta ocasión están ausentes loselementos románticos o melodramáticos, tan frecuentes en los relatos deaventuras, y por el contrario se ofrece una visión tan desmitificadora de estaguerra que permite encuadrar e incluir la obra en el movimiento del realismo literario.

El autor,Stephen Crane (1871-1900), murióde forma prematura víctima de la tuberculosis y por este motivo su producciónliteraria fue reducida. “El rojo emblema del valor” fue su novela más afamada ypor ella se le reconoció como uno de los iniciadores de un nuevo subgénero, la “novelade guerra”. Y es que las descripciones de los combates son minuciosas, de unrealismo crudo que recuerda al naturalista Zola. Tal precisión narrativa es másdestacable si cabe en un escritor que ni vivió la guerra civil ni tuvoexperiencia militar propia.

Pero estanovela no es sólo una desmitificación, realista hasta lo brutal, de la guerra. Esademás un estupendo retrato psicológico del soldado, el protagonista y víctimaprincipal de la misma. Se describen y analizan los sentimientos, a veces contrapuestos, que le asaltan antes, durante,y después de la batalla; patriotismo, valor casi siempre inconsciente y ciego,orgullo, miedo, vergüenza, insensibilidad ante el dolor ajeno.

El relatoestá narrado en tercera persona, por un narrador omnisciente que no sólorefiere los hechos y conoce el desenlace sino que penetra y describe los pensamientosde los protagonistas. En cuanto al lenguaje, se torna poético y lleno delirismo cuando se describen los escenarios naturales o la indiferencia de lanaturaleza frente a los actos humanos, y esto contrasta con el lenguaje frio ycrudo utilizado en la narración de los combates.

En miopinión, la Guerra de Secesión americana, considerada en cuanto a tácticamilitar, fue la última guerra al estilo napoleónico, con batallas de infanteríade línea, descargas de fusilería, artillería en posiciones elevadas deretaguardia y cargas de caballería envolventes. Todos estos ingredientes leotorgaban un matiz romántico y anticuado. Un velo que se rompe, como aquel deltemplo, con la dura realidad que nos transmite esta gran novela. Un efecto muyparecido a la sensación visual que producen dos escenas sucesivas de lapelícula “Lo que el viento se llevó”; la heroica carga de la infantería sudistay la posterior estación de ferrocarril de Atlanta sembrada de cadáveres yheridos agonizantes.

MANUSCRITO ENCONTRADO EN ZARAGOZA. Jan Potocki

2011-12-26T20:37:00.000+01:00

La vida delconde Jan Potocki (1761-1815)fue en sí misma toda una aventura capaz de colmar las expectativas de una buenaobra biográfica. Nacido el seno de una familia de la alta nobleza polacarecibió de desde joven una esmerada educación en Suiza, dominaba varios idiomasademás de las lenguas clásicas. En Francia frecuentó los círculos ilustrados yenciclopedistas y desarrolló su afición por las ciencias. Hizo muchos viajes aTurquía, Egipto, Grecia, Túnez y España y todos le aportaron una cierto sentidocosmopolita. En su mentalidad política se alejó del conservadurismo de la aristocraciay abrazó ideas progresistas y liberales. Era partidario de una especie de revolución pacíficapropiciada desde arriba por la monarquía polaca de Estanislao II, último rey dePolonia de mentalidad ilustrada y liberal. Jan Potocki vivió pues entrelos siglos XVIII y XIX y de acuerdo con las tendencias culturales de aquellaépoca fue una mezcla de racionalista ilustrado y aventurero romántico. Mostró una entusiasta afición por losavances científicos pero también por el esoterismo y las ciencias ocultas. Fueescritor, historiador, etnógrafo, pero sobre todo viajero y aventurero. Su vidaestuvo llena de contradicciones ya que siendo liberal y nacionalista polacosirvió al zar ruso Alejandro I en el preciso momento en que los polacos seunieron a Napoleón para recobrar sus libertades, con el resultado final desobra conocido. Quizás fue también víctima de estas contradicciones cuando pusofin a su vida al estilo romántico, disparándose una bala de plata que el mismofabricó.

El “Manuscrito encontrado en Zaragoza” esla obra más famosa del escritor polaco. Se trata de una novela gótica, un subgénero que se puso de moda a finales del XVIII,a partir de la publicación de “El castillo de Otranto” de HoraceWalpole, considerada la primera de este estilo. Eran novelas de suspenseambientadas en escenarios tales como ruinas de castillos, criptas y sótanos demonasterios, bosques tenebrosos habitados por seres fantásticos, fantasmas,demonios etc. En general mostraban un gusto desmedido por lo medieval (de ahílo de gótico), pero también por lo exótico y oriental. Se ha considerado que lanovela gótica fue el precedente de la novela romántica. Actualmente aúnsobrevive el subgénero gótico aunque muy mermado en calidad literaria y con uncomponente de “terror” sobredimensionado.

En “Manuscritoencontrado en Zaragoza” el autor nos muestra su visión de España, y sobre todode Andalucía que conoció bastante bien en el curso de sus viajes. Antes que losviajeros del XIX como Merimé, fue Potocki el primero en ofrecerla imagen tópica y típica de una España de contrabandistas, bandoleros,toreros, bailaoras, gitanos, brujas,cabalistas, inquisidores etc. En fin, la España de “charanga, pandereta, ysacristía” que tanto ha perdurado en el tiempo.

Lanarración tiene una estructura parecida a “Las mil y una noches” o “ElDecamerón”, es decir, historias y relatos incluidos a su vez dentro deotros relatos. La acción se desarrolla en un marco histórico y temporalconcreto, la España de comienzos del siglo XVIII, durante el reinado del primerBorbón, Felipe V. A partir de ahí, el personaje principal, en viaje por SierraMorena, vive toda una serie de experiencias fantásticas y contacta con otrospersonajes que le cuentan sus historias. A lo largo de la novela el escritordemuestra sus saberes enciclopédicos y su conocimiento de la España de aquellaépoca, la mentalidad popular etc. Algunos relatos son la justificación paraexponer sus ideas en torno a la ciencia y los avances científicos, otrosmuestran su gusto por el esoterismo, en particular por la cábala hispanojudía.La mayoría no obstante reflejan la afición del autor por brujas, demonios, vampiros, muertos vivientesy toda una completa galería de seres fantásticos. En la narración se aprecianademás otros aspectos tales como la concepción nobiliaria del honor y susalvaguarda mediante instituciones como el duelo. En fin, una obra amena y ricaen matices. Como curiosidad destacar que Potocki solo comete un errorgeográfico de bulto cuando considera que Sierra Nevada es la prolongación deSierra Morena.

ANTOLOGÍA DEL CUENTO ESPAÑOL DEL SIGLO XVIII. Marieta Cantos Casenave

2011-12-21T20:59:00.000+01:00

Una muybuena antología recopilada por MarietaCantos Casenave una acreditadadoctora en filología hispánica, especialista en literatura española de lossiglos XVIII y XIX.

Loscuentos seleccionados fueron editados en distintos periódicos y colecciones alo largo de todo el siglo XVIII, muchos de ellos ligados a la tradición oral yotros a la literaria de estilocervantino. En su conjunto resultan interesantes porque nos permiten conocerlos gustos populares de aquella época en cuanto a temática, también por suspeculiaridades referidas al estilo literario, lenguaje etc. Por todo ello lalectura de estos cuentos debe asumirse con una cierta dimensión histórica, esdecir, sin olvidar encuadrarlos en sus coordenadas temporal y espacial, en laEspaña dieciochesca. Los relatos elegidos en este compendio pueden ser agrupados en trestipos claramente diferenciados.

Una primera agrupación de historias que manifiestan una clara intención didáctica, de las que sededuce una lección ética, una especie de moraleja o enseñanza instructiva alestilo de aquellas fábulas morales que en este mismo siglo pusieron de moda elfrancés Jean de la Fontaine y los españoles Tomás de Iriarte y FélixMaría de Samaniego. En su conjunto estos cuentos reflejan bien la ética sociale individual de este siglo.

Unsegundo grupo es de temática oriental, al estilo de los cuentos de “Las mil yuna noches”. Son la expresión de un gusto orientalista compartido por la mayoría de los intelectualesilustrados, españoles y europeos. Y es que en el XVIII, a medida que Europaabandonaba el espíritu de cruzada y conjuraba el miedo al peligro turco desiglos anteriores, comenzó a despertarse la curiosidad por el mundo oriental ylos países islámicos como Persia, Egipto, o el imperio otomano. Algunos autores de la Ilustración utilizaron elrecurso literario del la mirada de un supuesto protagonista oriental paracriticar los usos y costumbres occidentales; tal es el caso de las “Lettrespersanes” de Montesquieu o las “Cartas marruecas” de nuestroJosé Cadalso. Comenzó también en este siglo la literatura de viajes a Egipto y OrienteMedio que culminaría a principios del XIX con los grandes viajeros europeos,entre otros Gustave Flaubert (Viaje a Oriente) o elespañol Domingo Badía (Los viajes de Alí-Bey).

Al tercergrupo de cuentos pertenecen una serie de relatos de amores imposibles y deresultado dramático, generalmente ambientados en un mundo caballeresco medievalhabitado por personajes típicos como el guerrero cristiano, la princesa mora,el bandolero, la gitana; pleno de embrujos, figuras fantasmales etc. Este último tipo o categoría me parece un claro precedente de la literatura romántica que triunfóun siglo más tarde. Quizás algunos de estos cuentos fueron la fuente deinspiración de Gustavo Adolfo Becquer en sus Leyendas.

Paraterminar, la edición de esta antología está muy cuidada para tratarse de unlibro de bolsillo. Como en otros títulos de la colección “Letras Hispánicas” deCátedra, la portada es austera pero la selección de cuentos se precede de unamplio estudio analítico de los mismos en la introducción, frecuentesanotaciones al texto y abundante bibliografía

UN DÍA DE CÓLERA. Arturo Pérez-Reverte

2011-12-14T21:36:00.000+01:00

Arturo Pérez-Reverte comienzala introducción de la obra con esta frase: “Este relato no es ficción nilibro de historia”, y tras su lectura debo decir que estoy totalmente deacuerdo con esta afirmación. Se trata de un relato a medio camino entre lanovela histórica y el ensayo histórico, y en esto precisamente radica su originalidad.Es la narración de unos hechos reales, protagonizados por personajes reales connombre y apellido, pero contados en formanovelesca. En mi opinión es historia con algunos toques de ficción.

Parece queel escritor ha indagado en los archivos históricos y recopilado abundante documentación sobre los sucesos del2 de mayo de 1808 en Madrid, y con este material ha escrito una crónica detalladade los mismos que nos recuerda un reportaje periodístico. Y es que Revertecuenta los principales eventos del levantamiento popular como si estuvieranocurriendo o hubieran ocurrido hace pocas horas, minuto a minuto y conprofusión de detalles. La técnica narrativa utilizada es la del narradoromnisciente, es decir, un narrador que está fuera de la historia y lacuenta en tercera persona, no participa de la acción pero conoce el pasado y elfuturo de los protagonistas de la misma. Este recurso narrativo le sirve parareforzar la sensación de crónica objetiva de los hechos al tiempo que lepermite salir ocasionalmente de la misma y anticiparnos el destino final de algunospersonajes que sobrevivieron a la tragedia.

Ellibro se complementa con un mapa antiguo del Madrid de 1808 en el que podemoslocalizar y seguir el comienzo de la algarada popular, los puntos deresistencia y el despliegue de las tropas francesas. En fin, “Un día de cólera” es la historia vividacomo un relato cercano. Igual que en otras de sus novelas, Pérez Reverte exaltael patriotismo ciego del pueblo español, de los madrileños en esta ocasión,malogrado por políticos corruptos y reyes ineptos. Frente a los afrancesadosadopta una postura neutral; hubieran podido ser un núcleo de regeneración ymodernización del país como portadores de los ideales ilustrados y liberales,pero el devenir histórico los convirtió en traidores.

LO QUE ESCONDE TU NOMBRE. Clara Sánchez

2011-12-04T13:55:00.000+01:00

“Lo que esconde tunombre” es un buen ejemplo de thriller psicológico en el que la intrigay el suspense no están ligados a una gran intensidad de la acción o los efectosimpactantes sino más bien a la inquietud que se genera en el lector ante lo oculto ymisterioso disfrazado de una apariencia de normalidad. El trasfondo argumentales de por sí inquietante, aunque basado en lo real yde sobra conocido; la impunidad de antiguos jefes nazis refugiados en distintospaíses, entre ellos España, donde vivieronmuchos años sin ser molestados bajo la apariencia de una total normalidad. El desarrollo de la trama da pie a laescritora Clara Sánchez para reflexionarsobre las atrocidades del nazismo, la memoria histórica, el sentimiento deresponsabilidad o su ausencia en muchos de los verdugos, la justa necesidad de expiar la culpa, la sed de venganza y laautocompasión de las víctimas.

La estructura del relato estásoportada en dos personajes que son ambos narradores en primera persona. Julián es un octogenario republicano superviviente del campo deexterminio de Mauthausen, antiguocolaborador de una organización que persigue a los nazis ocultos, que acude aun pueblo de la costa alicantina siguiendo a una pareja de ancianos noruegos apaciblemente retirados en una urbanizaciónde lujo, que son en realidad dos antiguos nazis. Sandra es una jovenembarazada, solitaria, con pocos medios económicos, que no sabe bien a dónde dirigir su vida, retirada unatemporada en el mismo pueblo y que traba amistad con la pareja de noruegos y seofrece a prestarles cuidados y hacer deacompañante por un sueldo. Este es elnexo de unión de los dos personajes principales que entran a su vez encontacto. Sus relatos se yuxtaponen y alternan permitiendo de esta forma contraponer dos visiones distintas de los hechos basada en la distancia generacional; laexperiencia de la maldad en uno, frente a la ingenuidad y eldistanciamiento de quién ni vivió ni guarda memoria de lo ocurrido. A medidaque Julián pone a Sandra en contacto conla cruda realidad del pasado se produce en ella un cambio gradual, desde la incredulidad y la duda hasta la madurezy una asunción de responsabilidad que la pone en situación de peligro. A partir de un cierto momento se entra en unjuego de sospechas y de apariencias engañosas en el que los personajes son a la vez perseguidores y perseguidos. Latensión y la intriga se dosifican sabiamente para mantener el suspense durantetoda la novela.

En algunos momentos se aprecian en elargumento influencias cinematográficas, en particular de las películas “Encadenados” de Hitchcok y “La semilla deldiablo” de Polanski, lo cual no es deextrañar si consideramos que la autora fue durante un tiempo crítica de cine. El estilo de la narración es sencillo y directo, sin veladasinsinuaciones la trama se va revelando progresivamente. El lenguaje esfuncional y correcto aunque con algunasimperfecciones evidentes para un lector medio. La novela consigue atrapar laatención aunque es cierto que ha recibido críticas por el desenlacede la trama que algunos consideran algofrustrante y poco expeditivo. Hubieranpreferido quizás un final de justicia ejecutiva o venganza plenamentesatisfecha. Yo disiento de esta opinión porque hay que considerar que tantoverdugos como víctima se encuentran, por la edad, a un paso de la muerte que en alguna medida supone unaliberación. La forma de venganza delprotagonista es más sutil, pretende mantenerse con vida el tiempo suficientepara desequilibrar por el miedo y la sospecha las mentes criminales de sus verdugos al tiempo que obliga a enfrentarse con su pasado a aquellos que aparentemente carecende sentimiento de culpa.

Se ha dicho que Clara Sánchez ha recibido cartas amenazantes por esta novela. No ignoro que este hecho se hacepúblico con claras intenciones de marketingy que puede aumentar un éxito de ventas. No obstante he podido leer bastantescríticas negativas en Internet, algunas claramente ideológicas, otras criticando elestilo literario o los déficit de la trama argumental con tal radicalidad quehacen sospechar otras razones menos claras. Esto me lleva a una pregunta: ¿qué tiene la memoria que ofende tanto, no solo a los protagonistas de la historia,casi desaparecidos, sino a sus descendientes biológicos o ideológicos?. Estáclaro que es una pregunta retórica que no necesita contestación.

Para resumir, una novela con algunos defectosformales pero interesante y que atrapa en la lectura.

MÚSICA POLICORAL DE JUAN MANUEL DE LA PUENTE

2011-11-27T20:24:00.002+01:00

Acabamos de asistir y disfrutar de un conciertocoral incluido en la programación del XVFestival de Música Antigua de Úbeda y Baeza que este año ha superado el marco de sus sedes habitualespara distribuir las actuaciones por distintas localidades de la provincia,incluida ésta en la capital. El concierto que nos ocupa puede considerarseoriginal y único en muchos aspectos. En primer lugar las obras interpretadasson inéditas y resultado de lo que podemos llamar “arqueología musical”concretada en el Proyecto Atalaya, promocionado por las universidadesandaluzas, cuya finalidad es investigar y rescatar del olvido parte delpatrimonio musical andaluz oculto en distintos archivos históricos. Uno de losfrutos de este proyecto cultural ha sido el rescate de la obra musical de unautor hasta ahora desconocido, Juan Manuel de la Puente, compuesta en laprimera mitad del siglo XVIII. Es ademásla primera vez que parte de la obra de este autor se interpreta en el mismoespacio para el que fue concebida hace ya 300 años, el Coro de la Catedral deJaén y sus aledaños; y esto tiene especial importancia si se considera que su músicatiene una especial dimensión espacial y arquitectónica ligada a la sonoridad naturalde las catedrales.

Juan Manuel García de la Puente (1692-1753) era natural deGuadalajara, se formó como clérigo y músico en la Catedral deToledo y en 1711, a la temprana edad de 19 años, fue elegido maestro de capilla de la nuestra, cargo que desempeñó hasta su muerte. Durante más de 40 años fue maestro de músicos y compuso en torno a unmillar de obras que reunió en varios volúmenes; parte de la misma es laque ha sido encontrada e investigada en los archivos diocesanos. La sede episcopalde Jaén seguía siendo rica a principiosdel siglo XVIII, pero la ciudad habíaperdido ya importancia estratégica desde la caída del reino de Granada y a partirdel siglo XVII inició un lento declinar económico que la alejó también de los grandes centros artísticos y de poder. Quizás poreste motivo la fama de nuestro músico no traspaso la barrera local a pesar deque su obra presenta ciertos rasgos originales. En la misma destaca laabundancia de composiciones policorales en las que se contraponen distintoscoros o grupos de voces, apoyadas por instrumentos, que se alternan yresponden hasta reunirse en grandesbloques sonoros totales. Esta alternancia se reforzaba al combinar solos o ariascon estribillos del coro. La policoralidad se enfatizaba con distintos efectossonoros de retardo y eco; en ocasionesse separaban los coros ubicándolos endistintas alturas y lugares, con sus instrumentos, aumentando así el efecto espacial en el diálogo entrelos mismos y contribuyendo en suma a una especie de sonido estereofónico que resaltaba el dramatismo de lamúsica y su capacidad para despertar emociones. No debe olvidarse que engeneral son composiciones de música sacra y su interpretación en el marco de lacatedral evocaba en los fieles el podery la suntuosidad de la Iglesia al tiempoque les reforzaba en su fe y los motivaba a la contemplación religiosa. Todos estos aspectos mencionados, sin ser exclusivos denuestro autor, si contribuyen en conjunto a singularizar su obra y dotarla deuna cierta originalidad.

El programa monográfico sobre Juan Manuel de la Puente estaba integradopor un miserere y cuatro villancicos,entendiendo estos últimos no en su acepción actual de canción navideña, sinocomo composiciones musicales típicas españolas y portuguesas, con letrasbasadas en la tradición popular, que tuvieron su máximo auge en el renacimiento, se extendieron a Latinoamérica,y que a partir del siglo XVIII fueron gradualmente sustituidas por la cantatabarroca. Podían ser de tema profano o religioso y estaban compuestos por coplas y estribillos que se iban alternando, las primeras cantadas porsolistas y los segundos por el coro. Elcanto se apoyaba con instrumentos generalmente en tono grave. Como música sacrapodían estar dedicados a la natividad pero también a otros temas religiosos, enconcreto estos cuatro incluidos en el programa exaltan el dogma de laInmaculada Concepción, el Santísimo Sacramento, o la Asunción de la Virgen,advocación de la Catedral jiennense. Como dato curioso debemos destacar en estas piezas la profusautilización del bajón, un instrumento de viento-madera que data de la etaparenacentista, muy utilizado en la música eclesiástica, que con su tesituragrave reforzaba los bajos del canto polifónico, y que a partir del barroco fuesustituido progresivamente por el fagot.De los cuatro villancicos interpretados el mejor y más espectacular fue elprimero, titulado “Oid, infelices moradores”. El recital terminó con lainterpretación del “Miserere mei, Deus”, un salmo que se interpretaba enSemana Santa. Si los villancicos pueden considerarse como una transición entreformas musicales renacentistas y barrocas, este Miserere representa el triunfo del barroquismo musical. De laPuente lo compuso para siete corossituados en distintos puntos del presbiterio, crucero y coro. El salmo está integrado por veinte versos quealternan y contrastan, los impares cantados por los coros con granacompañamiento musical y los pares cantados por un solista en unestilo que recuerda al canto gregoriano. A su vez las partes corales soninterpretadas alternativamente por los solistas y por toda la masa coral. Todos estos recursosreforzados por efectos de ecos y temblados aportan a la obra un dramatismo yteatralidad muy típicos del barroco.

En resumen un recital que me hasorprendido por su carácter inédito ypor la originalidad de los recursos musicales y corales que también se pueden encontrar en músicos noconsagrados con los laureles de la fama.

DIEZ DÍAS QUE ESTREMECIERON AL MUNDO. John Reed

2011-11-23T20:59:00.003+01:00

“Diez días que estremecieron al mundo" no es estrictamente un ensayo histórico,entendiendo historia en su sentido de ciencia, como análisis e interpretaciónde los hechos históricos utilizando criterios de objetividad. No obstante, estaobra tiene, en mi opinión, valor y consideración de auténtica fuente históricareferida a la revolución rusa de octubre de 1917.

El norteamericano John Reed (1887-1920) no es desde luego un historiadorobjetivo. Era periodista, poeta, y desde joven simpatizó con las ideas marxistas militando en algunos grupos activistas de su país. Como corresponsal de guerrasiguió los principales eventos de la revolución mexicana iniciada en 1910 y despuésde 1914 los acontecimientos de la Gran Guerra europea. En 1917 llegó a Rusiajusto a tiempo para ser testigo de la revolución bolchevique en octubre de eseaño. Acreditado como periodista hizo un seguimiento diario y minucioso de aquellas jornadasrevolucionarias y las dejó plasmadas en la obra que nos ocupa. El propio autorreconoce en la introducción sus simpatías por el movimiento de los sovietspero eso no menoscaba la objetividad del relato de los sucesos de esos diezdías en Petrogrado; una narración detallada, que se pretende lo más objetivaposible y apoyada por abundante material de discursos, proclamas y artículos deprensa insertados en el texto o como notas en el apéndice final. Son escasaslas opiniones personales del autor, testigo directo de los acontecimientos. Conla perspectiva histórica actual podemos criticar un cierto grado de ingenuidadidealista respecto a los logros futuros de la revolución, pero hay que recordarque en aquellos momentos el movimiento comunista fue la gran esperanza de lassociedades oprimidas. El triunfo bolchevique fue el segundo acto de laRevolución Rusa que pasó de ser antimonárquica a anti-burguesa. No es este elsitio donde analizar las causas profundas y complejas de esta revolución, perolos hechos de octubre del 17 pusieron de manifiesto algo que me parece claro,la burguesía rusa estaba poco desarrollada como clase y su implicación con elzarismo hubiera hecho casi imposible la instauración de una democracia de tipooccidental.

Insistoen la idea inicial, esta crónica periodística, tiene el interés de laexperiencia histórica, de los hechos vividos personalmente, en este caso concierto grado de entusiasmo y emoción. Para mí es también historia. A fin decuentas, la objetividad e imparcialidad total es una pretensión casi utópica dela historia, una cualidad valorable en el escritor; pero es sin duda el lectorquien, en última instancia, debe utilizar su capacidad crítica para discernirsobre el grado de imparcialidad de cualquier historia. Y a fin de cuentas, sepueden obtener conclusiones válidas incluso de la parcialidad de una fuentehistórica.

CUENTOS BLANCOS. Manuel Vázquez Montalbán

2011-11-13T13:43:00.001+01:00

De lavida y obra de Manuel Vázquez Montalbán(1936-2003) se pueden resaltar muchosaspectos. En primer lugar su gran erudición y el carácter polifacético que le llevó a cultivarcomo escritor diversos génerosliterarios, poesía, novela, cuento, y ensayo; pero también a destacar en periodismo como articulista y críticoliterario. Una de sus pasiones fue la gastronomía y toda su obra está salpicadade referencias a recetas culinarias además de dedicar a este tema alguna monografía.

Pero en mi opinión, lo másdestacable de la obra de este autor essu dimensión política y sociológica. Son muy conocidos sus orígenes humildes yrepublicanos y su militancia juvenilcomunista y antifranquista que le llevó a pasar tres años en la cárcel. Despuésle llegó el desencanto, con el fracaso de los ideales del mayo francés del 68, yla progresiva renuncia ideológica de la izquierda española en aras del “posibilismo” y de la “modernidad”. Aunquefinalmente escéptico, nunca renunció a una cierta coherencia ideológica a lahora de denunciar y criticar las deficiencias de nuestro sistema democrático. En los ensayos y narraciones de los años60 y 70 utilizó lo que él llamaba “escritura subnormal”, una especie desubterfugio o recurso al surrealismo para poner de manifiesto lascontradicciones entre una sociedad ansiosa de libertad y un régimen franquista agotadoy sólo sustentado en la caduca supervivencia del dictador; una situación muysimilar a la de Cuba en la actualidad.

A finales de los 70 le llegó eléxito editorial y la fama cuando inició la serie de novela negra que tiene comoprotagonista principal al detective PepeCarvalho, un personaje con algo de autobiográfico, de origen izquierdista, buengastrónomo, que a pesar de estar “de vuelta de todo” en política, intenta mantener unos mínimoséticos que le aportan una ciertadignidad. El recuso al género policiaco,de lectura entretenida y amena, sirvió a Vázquez Montalbán como instrumento yexcusa para realizar un profundo análisis sociológico y una crónica de latransición española a la democracia, con todos sus claroscuros. A partir de los años 90 el escritor se plantea nuevos retos en la expresiónliteraria, con obras de tipo experimental mezcla de periodismo o ensayo connovela. En algunas de sus obras reflexiona sobre el sentido de la historia y elcompromiso en la sociedad actual que es esencialmente ahistoricista, y propugnael retorno a la memoria histórica.

Los“Cuentos blancos” son una antologíade relatos cortos editados en diversos medios entre los años 1982 y 2000. El interés de los mismos es variable y siempreen función de los gustos de cada lector.En general son bastante buenos y su temática variada. Algunos tienen un marcadotinte surrealista, como “Bestiario” donde se ridiculiza a las autoridades deportivas y políticas del año 82,presentándolos como una banda mafiosa entorno al pastel de los Mundiales de Futbol. De este mismo estilo es “El festínde Pierre Ebuka” donde el juicio a un caníbal da pie a reflexionar sobre ladecadencia europea. En “La piedadpeligrosa” se critica el posibilismo progresista del “felipismo” que supuso elabandono de los ideales de izquierda. En“El niño y el perro”, uno de los mejores, se pone de manifiesto lacontradicción entre el discurso político y económico progresista y la durarealidad de los marginados por el sistema. “… y en invierno viajar hacia elsur” refleja a la perfección la mentalidad de los hijos de emigrantes enCataluña, su dicotomía económica y cultural, su conflictiva añoranza del sur.En unos relatos se critica la televisión basura o la trasnochadadialéctica marxista; en otros se reflexiona sobre la memoria histórica, elsentido de la vida, los ideales perdidos y otros muchos temas.

Enresumen podemos decir que estos cuentos son un compendio de las ideas yobsesiones recurrentes a lo largo de toda la obra literaria de Manuel VázquezMontalbán. Pequeños relatos que aúnan la capacidad crítica y satírica delescritor con un estilo siempre emotivo que puede llegar a ser tierno y hastapoético. Por cierto, y para terminar, la portada elegida por la editorial "Círculo de lectores" me parece, como poco, desafortunada.

ÉTICA Y POLÍTICA. José Luis López Aranguren

2011-11-06T13:19:00.003+01:00

En estetiempo que nos ha tocado vivir, inmersos en la crisis económica, cuando lacorrupción social y política nos resulta tan habitual que no nos impide votar alos corruptos mientras se tambalea nuestra fe en la democracia, puede resultaratractiva la lectura de este ensayo que pretende estudiar las relaciones entreética y política y las posibilidades demoralizar ésta última. A priori sospechamos que este enfoque ético del mismo situará la cuestión en un plano utópico o ideal, alejado de soluciones pragmáticas, pero esto no esdel todo cierto como luego se verá. Sí podemos adelantar que no se trata de una obra de lectura fácil porque la especulación filosófica requiere unlenguaje técnico y un razonamiento lógico que exige toda nuestra atención.Además este ensayo sobrepasa en cierta medida la intención divulgativa puestoque es el resumen de un curso monográfico que el autor dio en 1960-61 dirigido a estudiantes de Filosofía.

JoséLuis López Aranguren (1909-1996), como muchos otros de los intelectuales que vivieron nuestro pasadoreciente, tiene una biografía con matices contradictorios. De educaciónconservadora, durante la guerra civil fue militante de Falange, pero después dela misma perteneció, junto con Dionisio Ridruejo y otros, al grupo deintelectuales falangistas que se distanciaron del nuevo régimen. En los años cincuenta obtuvo la cátedra de ética y sociología en la universidad madrileña y en los sesenta participó, junto aTierno Galván, en una protesta estudiantil por la falta de libertad deasociación. Fue sancionado y se autoexilió dando clases en varias universidadesextranjeras. En política evolucionó progresivamente hacia posiciones próximas a la socialdemocracia y su laborintelectual y humanista fuereconocida con la instauración del nuevorégimen parlamentario.

El título del presente ensayo expresaclaramente el objetivo del autor que no es otro que buscar una síntesis entreel ideal ético y la realidad política englobadas ambas en el concepto de eticidad. Previamente estudia lascomplejas relaciones históricas de lapolítica con la ética, entendida esta última no como individual sino en sudimensión social. Unas relaciones que oscilan entre dos extremos; desde elrealismo político (“el fin justifica los medios”) hasta la ética apolíticapropia de la burguesía liberal que propugna una moral privada y reducción de lapolítica al mínimo. Se analizan también los ejemplos prácticos que ilustran elintento de moralizar la política comoforma de control del poder político; la división de poderes de Montesquieuque intenta preservar la libertad individual, el contrato social de Rousseauque tiende a la democracia y la soberanía popular, o la ética social marxista centrada en la conciencia de clase.

Aranguren propone que las complejasrelaciones ético-políticas deben de estar presididas por la alteridad, una especie de religioso amor alprójimo pero en sentido laico, es decir, una justicia social inspirada en el hecho de superar el egoísmo y ponernos en el lugar del otro (alter ego). Para elautor el Estado debe tender hacia la aliedad,un concepto que implica institucionalizar la moral en lapolítica. Entiende el autor que sin unabuena base económica es imposible la democracia, que la importancia crecientede la economía predomina sobre la ideología política y que el estado social del bienestar tiene suslimitaciones porque en aras del utilitarismo tiende a manipular la informaciónpolítica y convertir al ciudadano en un productor y consumidor sinopinión, que tiende al materialismo. Como forma de superación propone el estadode justicia social que concreta en un Estado que, mediante mecanismosreguladores, controle los abusos del libre mercado (democratización económica ysocial); que fomente los servicios públicos frente al consumo privado ypromueva la salud, la instrucción y los servicios de protección social; queconvierta los medios de comunicación en un servicio público que sirva no paramanipular al ciudadano sino para informarle y formarle en su opinión.

Se puede objetar que estos argumentosson en parte los propios de la socialdemocracia que triunfaron en los paísesescandinavos y no tanto en otras naciones, pero debe destacarse el carácterinnovador que tuvieron si el ensayo “Éticay política” se sitúa en sus coordenadas precisas de tiempo y espacio, laEspaña franquista de los años 60. Aúnahora, en la proximidad de unas elecciones desalentadoras, nos resultanactuales y apropiadas algunas de las ideas que contiene la obra: Los partidosno son buena fuente de información política. La democracia representativa exigela responsabilidad del ciudadano. La educación política del mismo debe de serracional y nunca emotiva. La responsabilidad política exige no elegir entrelíderes sino entre programas políticos. En democracia debe de existir una cierta tensión diferencial entre losprogramas generados por los partidos políticos.

Ahí quedan esas ideas tan obvias, tanlógicas, que no obstante hemos terminadopor considerar utópicas en el actual estado de nuestra democracia. Por eso estan importante leer de vez en cuando a los filósofos, aunque nos exijan unesfuerzo intelectual adicional, para recordarnos lo que debería ser, para removernuestra conciencia y sacarnos de la pasividad, para convertirnos en ciudadanosy no en consumidores , antes satisfechos y ahora preocupados por nuestrobienestar.

EL HEREJE. Miguel Delibes

2011-10-30T20:41:00.003+01:00

Loreconozco, en mis últimas lecturas he abusado del llamado thriller histórico, esesubgénero novelesco tan de moda que aporta una ambientación histórica a unatrama de misterio, suspense, o policiaca, casi siempre relacionada con tópicoscomo el Santo Grial, templarios, cátaros, masones, y otros grupos mas o menosheréticos o esotéricos. Saturado de este tipo de novelas he agradecido lalectura de ésta que hoy comento, simplemente una buena novela histórica, esdecir, un relato bien construido, de lectura amena, con unos personajes cuyaandadura vital se inserta en un marcohistórico determinado, que en cierto sentido los trasciende y sirve para explicar y justificar muchas de sus experiencias. Este esquema, aparentemente fácil pero no tanto, lo encontramos en “Elhereje” (1998), la última novela desu autor y su primera y única incursión en la novela histórica.

MiguelDelibes (1920-2010) fue escritor de larga trayectoria como periodista ynovelista, reconocido con múltiples premios literarios y elegido miembro de laReal Academia Española. Se le haconsiderado como uno de los grandes escritores españoles de postguerra. Su obraliteraria se caracteriza por la profundidad psicológica con que retrata a sus personajes (Cinco horascon Mario), y por la crítica social de la España rural atrasada y pobre (LosSantos Inocentes). La naturaleza como inductora de la conducta y experiencia desus personajes es otra de sus señas de identidad. Fue un gran enamorado delpaisaje castellano y apasionado por la caza. Ambos temas son tratados con frecuencia en sus noveles yartículos de prensa. Casi toda su obra fue escrita durante el régimenfranquista. En su doble actividad como periodista y novelista tuvo frecuentesenfrentamientos con la censura, pero afortunadamente su talante conservador ysu adhesión juvenil a la rebelión nacionalista lo abrigaron contra una supuesta desafección. En cierta forma fue uno delos intelectuales que resistieron al régimen desde dentro, de una formasubliminal, con un status a medio camino entre elogiable y sospechoso.

El argumento de “El hereje” estábasado en un hecho real, el proceso de un grupo de reformistas luteranos deValladolid a mediados del siglo XVI que culminó con la ejecución de muchos deellos en el famoso Auto de fe de 1559, presidido en la plaza mayor de la ciudadpor el joven rey Felipe II. El personajeprincipal, Cipriano Salcedo, es uno de los miembros de este grupo, cuyonacimiento en 1517 se hace coincidir simbólicamente con el comienzo de lareforma protestante, cuando Martín Lutero cuelga sus 95 tesis en las puertas dela iglesia de Witemberg. En el prólogo se presenta al personaje a la vuelta deun viaje por Alemania y mediante sus conversaciones con el capitán del barco senos pone al tanto de los principaleshitos de la reforma protestante; sus antecedentes en las ideas teológicas deErasmo de Rotterdam; la condena del luteranismo en las dietas alemanas de Wormsy Spira; el apoyo político a las nuevas doctrinas de algunos príncipesalemanes, y el acuerdo final decompromiso aceptado por el emperador Carlos basado en el principio de que lareligión oficial de cada pueblo seria la aceptada por su príncipe (cuiusregio, eius religio). También se consideran los aspectos sociales delluteranismo (guerra de los campesinos), la radicalización de reformistas comoCalvino y Zuinglio y la contrarreforma iniciada en el Concilio de Trento. No se trata de una lección de historia sino de una puesta en escena dela narración posterior que comienza con una analepsis o retorno retrospectivo (flashback) a la infancia delprotagonista nacido en el seno de una familia de propietarios rurales rentistas, sin títulosde nobleza.

No indicaré más detalles sobre latrama argumental pero si quierodestacar la perfecta ambientaciónhistórica que refleja las costumbres y usos de la época, la economía castellana basada en el trigo y el comercio dela lana con Flandes, las marcadas diferencias sociales, la pobreza del mundorural y los abusos que soportan los pobres con el único recurso defensivo de lapicaresca. Destacan aspectos curiosos como la praxis médica de escasa basecientífica, anclada en los antiguos presupuestos galénicos y con remedios comola sangría, más letales que curativos en la mayoría de los casos. Es también una recreación histórica deValladolid en la época de Carlos V, su frustrado intento por convertirse en la cortedefinitiva de los Austrias, la hipocresía social, la obsesión por la pureza desangre y por los títulos nobiliarios, el aislamiento cultural impuesto por lacensura y la prohibición de importar libros extranjeros, los escrúpulosreligiosos, las controversias teológicas, y el opresivo ambiente de sospecha ydelación fomentados por el Santo Oficio. Dentrode este interesante marco histórico, los personajes están descritos conprofundidad en cuanto a su carácter, y sus vivencias son emotivas perorealistas, con pocas concesiones al heroísmo. La narración en su conjuntointeresa desde principio a fin a pesar de que el final se presupone desde elcomienzo.

Estaépoca de la historia de España fue crucial por cuanto creo que condicionó encierta medida nuestro carácter como pueblo, con virtudes y defectos algunos delos cuales aún mantenemos. La lectura de “ El hereje” inspira una pregunta amodo de distopía o futuriblehistórico ficticio: ¿Cómo hubiera sido España si la reforma protestante hubieratriunfado en nuestro país?. Mi opiniónsubjetiva es que tendríamos menos patrimonio histórico, menos catedrales, menosimaginería y tradiciones religiosas;pero quizás seríamos también mas emprendedores y comerciantes, menos rentistas,mas industriosos y menos agrarios; en fin, mas europeos y menos latinos. Lo quetodo esto nos hubiera aportado de bueno o malo no lo sabremos nunca.

FILARMÓNICA DE CÁMARA DE COLONIA

2011-10-21T18:47:00.000+02:00

Dentro de una larga gira por España, la Filarmónica de Cámara de Colonia haofrecido recientemente un concierto en nuestra ciudad. Se trata de una pequeña orquesta de cuerda de tan sólo ocho músicos, con un oboe como único instrumento de vientoy tres solistas de gran calidad, un primer violín, un violoncelo y algo menos el mencionado oboe.

Con una orquesta tan reducida elprograma suele estar diseñado para ellucimiento de los solistas y nada mejor para alcanzar este objetivo que escoger piezas musicales escritas parauno o dos instrumentos con acompañamiento de orquesta. El concierto, y enparticular el concierto barroco, esla pieza que mejor se adapta a esa finalidad. Otra condición que parecenecesaria para realizar con éxito una gira internacional es programar obras muy populares que puedan ser reconocidas por un público amplio condistintos grados de formación musical. Si se incluye además la obra de un músicode la nación que se visita, el triunfo puede asegurarse.

Eneste caso se dieron como es lógico todos los presupuestos anteriores. La base del programa estaba formada por losconciertos para violín y orquesta de Vivaldique componen la obra conocida como “Lascuatro estaciones” y otro concierto de Bachpara violín y oboe, composiciones todas ellas muy conocidas. Se completó con unDivertimento de Mozart y un Nocturno de Tschaikovsky, para violoncelo y orquesta, menos conocido.

No se interpretó una obra de Albénizque figuraba en el cartel anunciador, pero en el bis final se dio el toque españolincluyendo una pieza de Pablo deSarasate.

Lainterpretación en conjunto resultó excelente. Sólo destacaré algo que en miopinión resultó negativo, y es el tempo demasiado lento con que fueronejecutados los conciertos de Vivaldi. No me refiero a los movimientos centralesde los mismos, los “largo” y los “adagio” que requieren unavelocidad de interpretación lenta, sino a los movimientos más rápidos como los “allegro”.Esa lentitud afectaba en general alacompañamiento orquestal pero no a los solos del violín. Era como si se pretendiera resaltar el virtuosismo delinstrumento solista reduciendo la brillantez del conjunto. Pero no debemosolvidar que muchos de los movimientos de “Las cuatro estaciones“pretenden evocar escenas relacionadas con el devenir de las estaciones del año,tales como fiestas populares de carácter agrícola (vendimia, siega del trigo),o manifestar la alegría por unanaturaleza floreciente y llena de vida. Estas escenas requieren del “allegro” interpretado con lanecesaria velocidad rápida que les aporte esa brillantez y vivacidad que sepretende transmitir. Mientras sedesarrollaba la ejecución de estos conciertos no pude evitar compararla con lainterpretación de los mismos por otraorquesta de cámara de gran tradición, la italiana I Musici. En dos ocasiones, hace yamuchos años, pude disfrutar de su audición y puedo asegurar que la diferencia entre esta de ahora yaquellas va de lo bueno a lo excelente.

Quiero destacar por último lasmagníficas interpretaciones solistas delviolinista y el violoncelo que se lucieron especialmente en los bises finales.El primero con una composición de Sarasate, “Aires gitanos”, y el segundo conunas “Variaciones” de Paganini.

ANTOLOGÍA POÉTICA. Constantino Cavafis

2011-10-15T13:11:00.000+02:00

Constantino Cavafis(1863-1933) ha sido, hasta hace poco, unpoeta desconocido para mí. Leíocasionalmente algunos de sus poemas históricos y ahora encontré esta amplia antología querecoge la totalidad de sus “poemas canónicos”, es decir, aquellos depublicación autorizada por el escritor, junto con algunos otros inéditos. Trassu lectura debo de reconocer mi sorpresa ante la calidad de los mismos, y esoes decir mucho porque admito ser un mal lector de poesía, y es que, aunque aprecio bien la belleza formal de un poema, a menudo me cuesta mucho comprender o sintonizar con la sensibilidad del poeta,algo que suele ser tan individual e íntimo del mismo.

Cavafis tampoco fue muy conocido en su época. En vidaeditó una mínima parte de su obra y su fama no trascendió el ámbito local de Alejandría, su ciudad natal y en la quevivió casi toda su vida. A partir de lasegunda mitad del siglo XX comenzó a ser reconocida su aportación al griegomoderno y terminó por consagrarse como gran figura literaria. En su juventudrecibió la influencia de los movimientos literarios de las vanguardiasfrancesas de finales del siglo XIX, parnasianismo, decadentismo y simbolismo. Algunos de los rasgos heredados de éstos, reconocibles en su obra,son el anhelo de perfección formal, casiobsesivo en Cavafis, un esteticismo manifiesto en la temática relacionada conel arte y la belleza y en particular el gusto por los temas exóticos, orientalesy de la antigüedad clásica; propio del decadentismo es su pesimismo vital, laexaltación de la individualidad, y el refugio y evasión en el refinamiento, el erotismo, y otrosparaísos más o menos artificiales.

El propio poeta dividió su obra entres grupos; poemas eróticos, filosóficos e históricos. Pero esta división noestá del todo clara porque muchos de los filosóficos y eróticos tienen ademásuna clara ambientación histórica. Sus poemas homoeróticos lo hicieron famoso entre la comunidad gaya partir de los años 60. La homosexualidad del poeta es explicita y manifiesta en estos poemas queson mas estéticos y éticos que sensuales por cuanto se exalta en ellos labelleza física y el amor vivido como experiencia única, pero también losconflictos que genera, tales como el sentimiento de culpa asociado a lamentalidad cristiana, los celos, o laimpotencia ante el paso del tiempo.

Los poemas filosóficos tratan unaamplia variedad de temas, entre otros, la muerte como destino fatal del hombre,reflexiones sobre la soledad, sobre la identidad cultural, la añoranza de lajuventud, la relatividad de los valores humanos y el escepticismo vital , el goce estético por la belleza, elarte y la cultura como forma de superar nuestros miedos.

Se ha llegado a calificar a Cavafiscomo poeta histórico y aunque resulta indudable su dominio sobre las fuentesclásicas grecolatinas y su amplios saberes sobre periodos históricos pococonocidos por el público en general, no creo que su pretensión sea hacerhistoria sino escoger determinadas épocas de la antigüedad como marco parailustrar sus ideas acerca de la vida y delarte. A este fin elige deliberadamenteperiodos de decadencia política o de profunda crisis, tales como los reinos helenísticos después deAlejandro, en continuo proceso de descomposición política frente al nacientepoderío romano, pero famosos por sus riquezas y refinamiento cultural. Elconflicto entre el paganismo y el creciente poder político del cristianismo queterminó por debilitar al imperio romano. El intento de Juliano por restaurar elpaganismo en un imperio ya oficialmente cristiano, una causa perdida deantemano. El imperio bizantino como lento y esplendoroso declive de la culturagrecolatina en Oriente. Algunos de estos momentos históricos le sirven para elogiar la cultura helenística, de laque se siente orgulloso heredero, como fuente de mestizaje cultural entreoriente y occidente, o destacar latradición cosmopolita y multicultural de la ciudad de Alejandría que aúnperduraba en época del poeta.

Los poemas históricos son desde luegomis preferidos. La historia ofrece al poeta la oportunidad de mostrar claramente la ironía subyacente por lo demásen toda su obra. Un claro ejemplo de esto es el poema titulado “el plazo deNerón” en el cual el tirano descansa tranquilo al escuchar el ambiguo oráculo de Delfos que aparentementele augura un reinado prolongado, cuando, interpretado en otro sentido, le estáanunciando en realidad su próximo derrocamiento por Galba.

En fin, además de la temáticahistórica, me gusta su lenguaje, sencillo y conciso al tiempo que elegante ysimbólico. Para terminar quiero destacar la importante influencia de Cavafis enpoetas posteriores tales como Luis Cernuda y también en el ambiente literarioanglosajón. En particular su presencia es constante en la novela “El cuartetode Alejandría” del británico Lawrence Durrell. Como dato curiosoañadiré que uno de sus poemas más emblemáticos “Esperando a los bárbaros”ilustra bien una de las teorías de los historiadores actuales que piensan quelas invasiones bárbaras, aunque provocaron la deposición del último emperador, no fueron la causa directade la caída de imperio romano que por entonces estaba ya totalmente agotado, másbien vinieron a vivificar y animar ala sociedad romana ya que esencialmentemantuvieron sus instituciones y legislación además de su cultura mediante eluso de la lengua latina, al menos en los ambientes palatinos. Otro más, el novelista catalán Terenci Moix debió ser gran admirador de Cavafís porque tituló una de sus novelas másconocidas “No digas que fue un sueño”,con un fragmento del poema titulado “El dios abandona a Antonio”.

CONCIERTO LÍRICO

2011-10-09T19:18:00.001+02:00

Cuando meofrecieron la invitación para este nuevo concierto en la Sociedad Económica mesorprendió la extraña asociación de instrumentos musicales que acompañaban a la cantante.Más tarde, cuando revisé el programa, comprendí que no existía tal asociación sino que cada uno de ellos acompañaba ensolitario los distintos temas interpretados por la soprano.

Se elaboró unrecital con carácter antológico, y en cierto modo didáctico, que pretendíaofrecer una visión general de la evolución del canto a través de la historia y, con ese objetivo, se precedió la interpretación de los distintos temas conexplicaciones al público sobre sus características particulares. Entre estas sedestacó el predominio mayor o menor dela voz sobre la instrumentación, el grado de libertad o rigidez en el canon interpretativo, y otros aspectos relativos a lalírica en distintas épocas.

El programa estaba dividido en bloquesbien definidos, correspondientes a otros tantos estilos. En el primero secantaron tres canciones sefarditas según arreglos musicales acompañados por elsaxo y otros instrumentos de viento que aportaron el toque orientalista propio de estas composiciones populares, tan particulares dela España medieval. El bloque dedicado al renacimiento era tambiénhispánico, integrado igualmente por canciones populares acompañadas a laguitarra. En los apartados dedicados al barroco, clasicismo, y romanticismo elprograma se hizo europeo y se interpretaron fragmentos de obras de Haendel,Mozart, y Puccini, con el piano comoprincipal instrumento acompañante. Fue entonces cuando la soprano se ganó alpúblico gracias al volumen de voz que requieren algunas arias de la óperaromántica. Y sin embargo, al margen de los espectacular, fue este aspecto el menos destacado entre lasdotes de la cantante que mostró mejorescualidades, tales como una gran extensión de registros dentro de su tesitura yel dominio de técnicas como el vibratoy otras modulaciones de la voz. El apartado final, dedicado a la música atonaldel siglo XX, despertó menos entusiasmo quizás por la incomprensión que generalmente mostramos hacia este tipo demúsica que requiere una determinada sensibilidad y educación musical.

Tras las disonancias finales, la cantantesupo recuperar el favor del público, mayoritariamente vetusto y conservador,interpretando en el bis “Ojos verdes” de Valverde-León-Quiroga, unacopla especialmente sensual y emotiva que tradicionalmente ha formado parte del repertorio detodos los grandes de la canción española, en cuya letra se dice que tambiénparticiparon García Lorca y Miguel de Molina.

PODER Y AUTORIDAD

2011-10-06T18:59:00.000+02:00

En el idioma castellano“autoridad” y “poder” son términos prácticamente sinónimos, más aún si seaplican a la política. Si dudamos de lo que es obvio, podemos asegurarnosconsultando estos vocablos en el diccionario de la Real Academia Española. Perolas palabras, como los seres vivos, nacen, cambian, se enriquecen o corrompen,y en ocasiones mueren; y esta especie deandadura evolutiva se manifiesta claramente en las dos que encabezan el título.

Marco Tulio Cicerón

Ambas tuvieron su origen latino, en los remotos tiempos de la re publica romana. Se entendía entoncescomo potestas la facultad que tenían los magistrados paraejercer sus funciones de gobierno; la de los pretores para emitir edictoslegislativos, o las decisiones ejecutivas de los cónsules. La potestas tenía su máxima expresión cuando se ejercía cum imperio, es decir, con derecho a decidir sobre la vida o muertede los ciudadanos, poder extremo limitado por fortuna a los cónsules en campañade guerra o a los dictadores en momentos de grave riesgo para el estado. Elsignificado de auctoritas era entonces bien distinto. No era un poder sino elprestigio que la experiencia otorgaba a los ancianos (seniores) y les capacitaba para servir de modelo ético a lacomunidad y para dar consejos políticos. Era una capacidad que se reconocía alos senadores para aprobar dictámenes consultivos y la cualidad exigible a losmagistrados que desempeñaban funciones religiosas como los miembros de loscolegios sacerdotales encabezados por el pontifexmaximus. En resumen, la potestasera un derecho político reconocido almagistrado, mientras que la auctoritasera el poder moral que otorgaba el prestigio personal.

Julio Cesar, en los momentos depeligro durante las batallas, solía desmontar de su caballo y se colocaba entrelas filas de sus legionarios asumiendo junto a ellos el riesgo de la derrota, ycon este tipo de gestos se ganó la autoridad militar y la fidelidad de sustropas, pero no consiguió una autoridad política suficiente, y esto le costó lavida. En cambio su sobrino Octavio disfrutó de una auctoritas precoz la cual le permitió reformar el caduco régimenrepublicano dando paso así al imperio y eso de forma paulatina, mediante elrespeto aparente de las antiguas instituciones. Es significativo a esterespecto que rechazara el título de rex,odioso para los romanos, y adoptara el de princepssenatus, es decir, príncipe o primero entre los senadores, aquellos quegozaban de prestigio o autoridad política.

En el devenir histórico ambostérminos, “poder” y “autoridad” han llegado a equipararse desde el punto devista conceptual, incluso han ampliado su significado. Así, además de cualidado facultad política han pasado a designar de forma genérica a quienes ejercenla función de gobierno, y hablamos en este sentido de “autoridad municipal” ode “poderes públicos”. Pero la evolución semántica de estos vocablos ha sidobien distinta. En el caso del “poder”, se ha enriquecido progresivamente condistintos calificativos como “absoluto”, “dictatorial”, “popular”,“democrático”, “legislativo”, “judicial”, y otros muchos que han multiplicadosu significado. En cambio el término “autoridad” ha ido perdiendo su acepciónprimigenia, quizás porque el prestigio personal, basado en la moralidad y laexperiencia, es cosa rara en política. En este empobrecimiento paulatino tuvoque buscar el emparejamiento sinonímico con el poder para sobrevivir comopalabra, y aún así no pudo evitar corromperse en el camino. Un ejemplo; no hacemucho que un académico de la historia, de reconocida autoridad intelectual,calificó de forma eufemística como “régimen autoritario” lo que fue una de lasdictaduras más crueles de nuestro país. Claro está que se puede alegar en sudefensa que la corrupción conceptual de la autoridad ya lleva mucho tiempoinstalada en nuestro idioma. Así decimos “padre autoritario” para referirnos noal que educa a sus hijos con la experiencia y la rectitud moral de la antigua auctoritas, sino al que abusa del poderpaternal, no en balde llamado institucionalmente patria potestad.

Manuel Azaña

Tan rara virtud es la autoridaden política que en su original acepción ha quedado restringida solo al campo dela ciencia y de la cultura. Cuando revisamos nuestra historia reciente solorecuerdo un político con auténtica autoridad, el republicano Manuel Azaña quesin embargo, y por los sucesos dramáticos de todos conocidos, tuvo unpoder legítimo que se demostró insuficiente. En ocasiones la autoridad seejerce una sola vez. Tal fue el caso de nuestro rey que, limitado en poderespor la Constitución, impuso su autoridad la noche del 23 de febrero de 1981 ypor esto muchos españoles aún se declaran “juancarlistas” antes quemonárquicos.

Actualmente, “carisma” es el término más cercano en contenido semántico a la antigua autoridad. Peroel carisma es más bien atractivo personal del político, también hace referenciaa su capacidad de liderazgo.Carismáticos fueron en su momento Adolfo Suarez y Felipe González. Cuando ahoramiramos a nuestro alrededor vemos políticos “populistas”, “posibilistas”, “cortoplacistas”,pero no políticos con autoridad, ni siquiera con carisma. Y es precisamente,ahora, inmersos en una crisis económica que nos amenaza con la ruina de variasgeneraciones, actuales y futuras, cuando necesitamos políticos con autoridad,auténticos hombres de Estado, que nos exijan si es preciso “sangre, sudor ylagrimas” en forma de impuestos y austeridad pero que con su rectitud, ejemplo,y amplitud de miras, nos ofrezcan acambio la confianza de saber que el timón del gobierno está en buenas manos.Políticos que renuncien a retoricas baratas y sean capaces de explicarnos consencillez la actual coyuntura evitando disfrazar la verdad atendiendo acálculos electoralistas. Que apliquen medidas, por drásticas que sean, queatiendan a la salvación del Estado sin desmontar por ello el estado delbienestar que tanto nos ha costadoconseguir.

Dentro de muy poco, el pueblovolverá a delegar en la urnas la potestasa nuevos políticos pero lo que realmente necesitamos es la auctoritas, porque es la AUTORIDAD con mayúsculas la mejorlegitimación del poder.

RECITAL LÍRICO

2011-09-23T21:38:00.000+02:00

Este añovivimos inmersos en la desaceleración, o la crisis, como se quiera llamar a la actual depresióneconómica que nos amenaza con la quiebradel país. En esta situación la cultura suele ser la primera víctima ofrecida en el altar de los sacrificios que imponen las políticasde austeridad. Y aún así nos sentiremosaliviados si los recortes no deterioran demasiado la educación de nuestros hijos, ya de por sí deficiente, porque sabemos que ésta escondición previa de aquélla.

Esta introducción viene a cuentoporque los efectos de la crisis ya se comienzan a notar sobre la programaciónde espectáculos y actos culturales denuestra ciudad. Por lo pronto se hansuprimido dos festivales de música tradicionales en la temporada estival,uno de jazz y otro de música antigua. Me temo que el conocido como “Festival de otoño”, que incluye ensu programación conciertos musicales y teatro, será el siguiente en desaparecera falta de las habituales subvenciones de la administración municipal y las cajas de ahorro, que han renunciado asus obras sociales al reconvertirse en bancos.

En medio de este desierto cultural es grato disfrutar ocasionalmente del pequeño oasis que representa el recital lírico que hoy nos ocupa,ofrecido por una sociedad privada delarga evolución histórica, desde susorígenes ilustrados y de vanguardiahasta posiciones más tradicionales y conservadoras, en lo que tienen depositivo y noble estos términos, en cuanto a conservar, promover, y mantener lainquietud cultural de sus socios.

Los intérpretes fueron en esta ocasiónuna pareja de soprano y tenor, ambos dereconocida trayectoria profesional, que interpretaron un programa a base dearias de ópera y canción napolitana en la primera parte y fragmentos de zarzuela en la segunda. La interpretación fue brillante y amena por la popularidad de algunas delas piezas escogidas. Para mi gusto destacó más el tenor y tras la audición creo saber la razón.

En el folleto de presentación se le calificaba como tenor lírico-spinto y esto me ha dado ocasión de documentar mi escasa cultura musical. Resultaque este tipo de tenor llega a su tesitura de agudos con una exagerada presiónsubglótica de aire y esto le presta un canto más potente. En realidad desde elpunto de vista técnico parece que es más defecto que virtud ya que la potencia de la voz se tiene a costa de renunciar a otros virtuosismos basados en inflexiones omodulaciones de la misma. Este tipo de tenor se pudo de moda en el XIX cuandolas óperas románticas impusieron una mayor orquestación y el spinto(empuje) permitía al cantante sobreponerse a la orquesta e interpretar papelesde personajes más dramáticos y emotivos. Fue, en suma, esta fuerza y emotividad de la interpretación deltenor la que apagó un tanto a lasoprano.

LA AVENTURA EQUINOCCIAL DE LOPE DE AGUIRRE. Ramón J. Sender

2011-09-15T19:58:00.001+02:00

La figuradel conquistador vasco Lope de Aguirre parece haber ejercido una fuerteatracción en la literatura y el cine. Además de la presente novela, hay otrascuatro más, escritas por autores muy conocidos, entre otros el venezolanoArturo Uslar-Pietri. Hay además dos buenas películas sobre su aventuraamazónica, “Aguirre, la cólera de Dios” de Werner Herzog, y “El Dorado”de Carlos Saura.

Lopede Aguirre(1510-1561), de origen vasco, hijo de hidalgos pobres, pasó al Perú atraído porlas riquezas del recién descubierto imperio inca. Participóen las luchas civiles entre Pizarro y Almagro y despues se enroló en laexpedición de Pedro Ursúa que, a través del río Amazonas, partió a la búsqueda de “El Dorado”. Finalmente se rebeló contra la corona española declarándoseindependiente y fue derrotado enVenezuela. Lo que hace interesante la figura de este conquistador y aventureroes la multiplicidad de matices de supersonalidad, orgullo herido, resentimiento, rebeldía, ambición de riqueza pero más aún de poder, traiciónpero teñida de ansias de libertad e independencia, anticlericalismo en uncatólico confeso, asesino cruel pero padre amante. Muchos de esos aspectos se insinúan en la carta que dirigió a Felipe II.

Sus contemporáneos lo llamaron “elloco” y él a si mismo se llamó traidor y se apodó “el peregrino” y “príncipe dela libertad”. Esta compleja y contradictoria personalidad se manifestó en laaventura de “el Dorado”. La búsqueda delmítico país del oro que fue el sueño y el ambicioso motor de los conquistadores españoles en América. En su caso,el sueño se disolvió en las aguas del río Amazonas y en el inacabable infiernoverde de la selva tropical, en un dramático viaje que recuerda mucho al de Kurtz, el personaje de la novela “Elcorazón de las tinieblas” de JosephConrad. Es la inmensa selva la queconduce a la locura de este personaje literario y parece que tuvo el mismoefecto sobre el conquistador vasco.

La novela de RamónJ. Sender nos aproxima de forma bastante creíble a los hechos históricos ya la figura del personaje. Para ello se ha basado en su biografía y en la cartaremitida a Felipe II que, en mi opinión, es como un fiel autorretrato de Aguirre. Siguiendo esta misma senda está la película de Carlos Saura que, aunque fiel a los datos históricos,deja algo difuminada y sin personalidad la figura del protagonista. En cambiola del alemán W. Herzog, con lasoberbia interpretación de Klaus Kinski,se aparta bastante de lo verosímil histórico pero acrecienta al personaje e incideen la visión de Conrad, en la selvaque enloquece al hombre, en el viaje hacia la muerte. Un efecto letal que puederesumirse en la frase final de Kutzen “Apocalypse Now” (inspirada en la novelade aquel), puesta en boca de Marlon Brando “… ¡¡el horror ¡¡ ”.

EL RECURSO DEL MÉTODO. Alejo Carpentier

2011-09-08T12:15:00.000+02:00

Es la tercera novela que leo de esteautor cubano y, como las dos anteriores, “El Siglo de las Luces” y “¡Écue-Yamba-O¡”,esta tampoco me ha defraudado. Me gusta su estilo barroco exuberante ensinónimos, su gran erudición, las frecuentes alusiones marginales a personajes,acontecimientos políticos, movimientos literarios o artísticos, que te sitúan claramenteen un momento histórico determinado sin necesidad de recurrir a fechas o citas explícitas.

Alejo Carpentier (1904-1980) fue unescritor cubano que recibió desde la infancia una educación esmerada ycosmopolita; sus padres, un arquitecto francés y una profesora de origen ruso,le imprimieron un cierto mestizaje cultural, y su formación posterior se enriqueció con viajes frecuentes y estanciasprolongadas en Venezuela, Haití, y Francia. En este último país entró encontacto con el surrealismo y posteriormente se integró en las vanguardiaslatinoamericanas del “realismo mágico” siendo reconocido como uno de losmiembros de este movimiento. Aún así, los críticos reconocen discretasdiferencias conceptuales entre “realismo mágico” y lo que entiende Carpentiercomo lo “real maravilloso”, es decir, un sentimiento de sorpresa ante loinusual o inesperado, una sensación que el escritor hace extensiva a larealidad de toda América latina, como comunidad cultural, sin distinción depaíses. Es lo que podría considerarse como un “surrealismo suramericano”

En “Elrecurso del método” el escritor cubano trata la figura del “dictador bananero” que,como se indica en la introducción de la contraportada del libro, constituyetodo un subgénero de la literatura latinoamericana con novelas como “ElSeñor Presidente” de Miguel Ángel Asturias, “Yo el Supremo” de RoaBastos y “El Otoño del Patriarca” de García Márquez. Se olvida, no sé sideliberadamente, otro título de este subgénero que a mi entender es elprecursor de todos ellos, me refiero a “Tirano Banderas” de ValleInclán.

Aunque Carpentier introduce en su obraelementos surrealistas en relación a sueños o ideas del personaje, nada tienenque ver con el “realismo fantástico” llevado al extremo por García Márquez oel excesivo localismo saturado demitología de Miguel Ángel Asturias, quecon tanta frecuencia hacen tediosa y dificultan la lectura a los europeos. Esmi opinión personal, supongo que muy discutible. Lo cierto es que Carpentier,con ser cubano hasta la médula, es para mí el autor latinoamericano máseuropeo, de ahí la facilidad para asimilar su obra literaria. El barroquismo,tan propio del escritor, enriquece el lenguaje y el estilo de sus novelas sinperder por ello claridad.

Finalmente quiero destacar el juego que Carpentier mantiene desde principioa final de la obra en cuanto a mantener incógnita la localización y el nombre delpaís gobernado por el Primer Magistrado. Por supuesto todos los nombres deciudades (Nueva Córdoba, Puerto Araguato, Ciudad Moreno) son ficticios, pero sucesivamente seaportan datos que te hacen pensar en distintos países reales sin que podamosconcretar ninguno, reforzando así una total ambigüedad al respecto. Por elcontrario, las coordenadas temporales de la acción están claramenteestablecidas entre finales del XIX y primer tercio del siglo XX, ya que alude adictadores reales de ese período como Porfirio Díaz o Estrada Cabrera. Piensoque esta ambigüedad es deliberada y supone el reconocimiento de la figura del“dictador bananero” como fenómeno generalizado en aquella época, que pudoafectar a cualquier país hispanoamericano, el “patio trasero” de los yanquis. Después vendrían las sangrientasdictaduras militares del cono sur, pero estas tienen claros aspectosdiferenciales con respecto a lasanteriores.

LOS PUENTES DE LONDRES. James Patterson

2011-09-01T13:37:00.001+02:00

Otra novela de la serie negra,entretenida y liviana, ideal para refrescar las neuronas entumecidas por lasolanera estival. Es obra de JamesPatterson, un escritor norteamericano especializado en novelas deacción y suspense. En las reseñas biográficas consultadas destaca la abundanteproducción de best sellers con todoslos records en su haber, diecinueve números uno consecutivos, y en ventassuperior a autores tan renombrados como StephenKing o Dan Brown. En lo negativo, se le acusa de que su prolífica obra literaria se debe altrabajo asociado de muchos coautores lo que en el argot literario se conocecomo “negros”.

Los puentes de Londres es la décimanovela de un total de diecisiete que constituyen una grupo dedicado por elautor al personaje de Alex Cross, un psicólogo del FBI. Como no he leídoninguna de las otras, espero que esta no sea una de las mejores porque, en talcaso, el conjunto de la serie merecería el justo castigo del “dios de lasletras” al estilo de las bíblicas Sodoma y Gomorra.

El“malo” de la trama argumental, un terrorista internacional, frio, vengativo,sádico, todopoderoso, y altamente tecnificado, recuerda un poco a lospersonajes malvados de la serie de JamesBond (Ian Fleming) tales como elDoctor No, o Goldfinger, unos malosde perversión inútil y algo ingenua. En nuestro caso, el siniestro personajeconocido como “El Lobo” dispone además de medios de destrucción masivadesproporcionados y un sistema de autoprotección que roza lo ilusorio. Encuanto al personaje central, el detective psicólogo Alex Cross, se manifiesta como una persona familiar, con hijos devarias mujeres repartidos entre las dos costas, que vuela en avión de continuopara verlos y por requerimiento de su trabajo. Aparte de hacer turismo a costadel contribuyente, se limita a observar y sufrir impotente los sucesivosataques terroristas, sin molestarse en hacer el menor análisis deductivo oinductivo que permita descubrir la identidaddel Lobo al que descubre finalmente gracias al azar.

Laestructura narrativa está muy fragmentada, con frecuentes flashback, aunque la amenaza terrorista, que es la base delargumento, impone una cierta unidad de tiempo al relato.

Enfin, espero no desanimar a nadie con esta crítica negativa. Repito que estetipo de literatura intrascendente cumple bien su función de entretener y no hacer pensar demasiado. Eso si, en miopinión estas novelas no deben de buscarse en los mostradores de “los más vendidos” de las librerías. Es preferibleencontrarlas en ediciones de bolsillo o incluso como regalo de algún periódicoo revista; una fórmula mucho más barata que atenúa la sensibilidad crítica yhace más tolerable su lectura.

LA CONJURACIÓN DE VENECIA. Francisco Martínez de la Rosa

2011-08-25T13:17:00.000+02:00

Debo de reconocer que mi inclinación hacia los sucesos históricos dramáticos fue muy anterior al interés que, tiempo después, sentí por la Historia, escrita con mayúsculas. Aunque, bien pensado, era lógico que una cosa condujera a la otra. Ya desde niño me impresionaban episodios tales como la traición y muerte de Viriato, o el asesinato de Cesar en el Senado romano. El dramatismo de éstos se solía reforzar con frases de dudosa historicidad, aquello de: “¡Roma no paga a traidores¡” o “¡Tu también, Bruto, hijo mío¡”, conduciendo de esta forma lo histórico hacia lo melodramático. Años después reconocí todos los ingredientes de mis gustos juveniles en el “drama histórico” un subgénero teatral que alcanzó su máxima expresión de calidad con Shakespeare y su serie de dramas sobre los reyes ingleses. En el siglo XIX, el romanticismo europeo, y el español en particular, puso de nuevo de moda este tipo de dramas que se adecuaban bien a los postulados y gustos de aquel movimiento cultural y literario.

Sirva lo dicho como prólogo a los comentarios sobre “La conjuración de Venecia” de Francisco Martínez de la Rosa; un autor que evolucionó desde su educación neoclásica hasta asumir los principios del romanticismo francés que introdujo en nuestro país, siendo por ello considerado como precursor y primer representante de este movimiento en España.

Martínez de la Rosa (1787-1862), fue diputado liberal en las Cortes de Cádiz, por ello sufrió cárcel durante la restauración absolutista de Fernando VII. Ocupó cargos en el gobierno durante el llamado Trienio Liberal (1820-23) y evolucionó hacia un liberalismo moderado. Con el restablecimiento del absolutismo se exilió en Londres y París y en ésta última entró en contacto con los autores románticos franceses. Durante la regencia de María Cristina fue jefe de gobierno durante el periodo 1934-35 pero pronto se vio superado por posturas más progresistas al tiempo que el partido moderado, del que fue líder y fundador, evolucionaba a posiciones cada vez más conservadoras.

Esta breve e incompleta semblanza biográfica es importante por dos razones. La primera es la valoración negativa de la actividad política del personaje por parte de la crítica histórica contemporánea, lo que repercutió en un injusto menosprecio de su obra como dramaturgo. La segunda se refiere a la importancia que la ideología política del escritor tuvo en “La conjuración de Venecia”, un drama histórico cuya trama tiene un alto contenido simbólico; a saber, la lucha por la libertad y contra la tiranía. Pero no nos engañemos, se trata de una lucha al modo ilustrado del XVIII, “todo para el pueblo pero sin el pueblo”. En el argumento se deja claro que es una conjuración nobiliaria en la que se rechaza la participación del pueblo por miedo a una revolución. Esta lectura simbólica de la obra tuvo bastante que ver con el gran éxito obtenido en su estreno en 1834, un momento de triunfo de los liberales frente a los absolutistas.

Al margen de la lectura en su contexto histórico. El drama tiene aspectos que merecen ser destacados. Está basado en un hecho real, una conjuración de nobles venecianos contra el dux Gradénigo en 1310. El rigor histórico está respetado al máximo si bien se cometen algunos anacronismos intencionados para reforzar el dramatismo argumental. Lo más destacable en este sentido es la excelente ambientación histórica en cuanto al exotismo orientalista del lugar, el tiempo de carnaval, las costumbres, trajes de época, juegos de luces y sonidos etc. Otro aspecto importante es el conflicto dramático que gira en entre dos polos; el amor secreto y desgraciado de la pareja Laura- Rugiero, y el desconocido origen de éste que se aclara precisamente antes de su muerte, cuando descubre a su padre que resulta ser precisamente su juez y ejecutor.

El lenguaje de los diálogos es sencillo, con momentos más retóricos que no obstante se adaptan bien a las vicisitudes del drama sin excesivo histrionismo. En fin, la obra contiene casi todos los elementos esenciales del drama romántico; amor, conflictos íntimos, tensión, sufrimiento y el destino. Este último, tema favorito de los románticos, es entendido aquí no a modo del romanticismo escéptico que conduce inevitablemente al fatalismo, sino desde del humanismo cristiano como la interacción del libre albedrío del hombre con la Providencia Divina frente a la existencia del mal.

“La conjuración de Venecia” debe resultar espectacular en una representación teatral pero también es interesante para ser leída, porque la lectura pausada nos hace descubrir matices en los diálogos que pueden pasar desapercibidos en la escena. Esto es, si cabe, aún más importante en los dramas de Shakespeare, que por cierto tuvieron una clara influencia en Martínez de la Rosa y su obra dramática.

NOSTROMO. Joseph Conrad

2011-08-19T13:42:00.001+02:00

Estupenda novela de Joseph Conrad, con todos los ingredientes habituales en la obra de este autor; aventura, intriga y, en esta ocasión, un magnifico retrato de los caracteres y las pasiones de los distintos personajes.

Como en tantas otras de sus narraciones, el mundo marinero de la navegación a vela y vapor de finales del siglo XIX forma parte de la acción, pero esta vez la aventura no es marina sino que está ambientada en tierra, concretamente en un supuesto país suramericano en la transición entre los siglos XIX al XX. No se trata de una novela histórica pero Conrad se inspiró sin duda, cuando la escribió en 1904, en la secesión e independencia de Panamá de Colombia ocurrida en 1903. Cada uno de los personajes es representativo de los grupos sociales o políticos que participaron en la misma; la vieja aristocracia criolla indolente, retórica, supuestamente liberal ; los indígenas serviles, incultos y explotados; los europeos escindidos en dos grupos, los primeros emigrantes de origen anglosajón, enriquecidos y ya naturales del país, ligados a la aristocracia por nacimiento y a los norteamericanos por intereses económicos (ferrocarril, navieras), y una segunda emigración reciente de italianos y otros europeos que formaron la incipiente clase obrera industrial.

El autor dibuja un estupendo cuadro de la sociedad latinoamericana decimonónica, con sus ingredientes de corrupción política, patrioterismo retórico y vacío, frecuentes y crueles asonadas lideradas por generales mestizos, una aristocracia criolla insostenible en sus privilegios, indigenismo explotado e intereses económicos extranjeros que se imponen bajo banderas ideológicas tales como modernidad, desarrollo y democracia pero que suponen, al fin y a la postre, un nuevo y moderno tipo de colonialismo económico.

Todo lo antes dicho no debe llevarnos a engaño. La narración es ante todo de acción y el personaje principal, Nostromo, con su fuerza y tenacidad, recuerda todas las virtudes viriles de los héroes épicos y románticos. La novela es pues esencialmente una novela de aventuras que, a pesar de su extensión, mantiene vivo en todo momento el interés y la expectación del lector, pero Conrad la enriquece de tal forma que resulta además ilustrativa de los caracteres, las pasiones y los valores éticos que forman parte de los grandes dramas humanos, así como un completo retrato de época.

PEDRO PÁRAMO. Juan Rulfo

2011-08-14T13:32:00.000+02:00

Muchos críticos y especialistas en la obra de Juan Rulfo recomiendan varias lecturas de esta novela corta, en razón de su complejidad estructural y del elevado nivel simbólico de su trama argumental. Hace años la leí por primera vez, en una edición no comentada, y me gustó por los matices fantásticos de la narración, mas intuidos que explicados, y por la visión estética de la dura realidad que describe. Mis primeras impresiones favorables sobre la novela y su autor, que por aquel entonces me era casi desconocido, se vieron confirmadas cuando me informé sobre su obra literaria. En efecto, Rulfo fue el precursor e introductor de las modernas técnicas narrativas en la literatura latinoamericana. Autor perteneciente al “realismo mágico”, el movimiento literario de mediados del siglo XX que inspiró, en mayor o menor medida, a muchos escritores hispanoamericanos y contó con seguidores tan afamados como Gabriel García Márquez. Juan Rulfo (1917-1986) fue un escritor poco prolífico, solo publicó un libro de cuentos, “El llano en llamas” y la novela “Pedro Páramo” que está reconocida por escritores y críticos como una de las cumbres de la literatura en castellano del siglo XX.

He tenido ocasión de volver a leer esta novela, esta vez en una edición de Cátedra (colección Letras Hispánicas) estupendamente introducida por un estudio analítico de la obra completado con notas, apéndices, y bibliografía, que por su precisión técnica más parece una tesis doctoral resumida que unos comentarios divulgativos. Mi interés por comprender algo mejor la compleja estructura de la novela se ha visto así plenamente satisfecho.

El relato rompe con la narración lineal, tan típica del realismo del XX, y se desarrolla en una serie de fragmentos cortos que distorsionan el tiempo con alternancia de pasado y presente, con frecuentes interpolaciones y cambios de narrador. Esta estructura narrativa fragmentaria a modo de mosaico, aparentemente caótico, aporta por el contrario una visión poliédrica de la historia que se ofrece así desde distintos puntos de vista. El lenguaje está enriquecido con abundante léxico mexicano y con términos derivados del antiguo idioma indígena, el náhuatl. Está además cargado de simbolismo, alusiones a mitos y leyendas locales, con frecuentes recursos propios de la prosa poética, al tiempo que suele ofrece pistas que relacionan sutilmente unos fragmento con otros. Para ilustrar estos aspectos citaré dos ejemplos: la imagen del fantasmal caballo sin jinete que recorre enloquecido la pradera como anunciador y símbolo de la muerte; o la frase “entonces el cielo se adueñó de la noche” (y no al revés) como imagen poética para significar que se apagaron las luces del pueblo.

La novela, aunque fragmentaria, tiene dos partes claramente definidas. En la primera Juan Preciado, supuesto hijo bastardo de Pedro Páramo, cuenta en primera persona su viaje al pueblo de Comala, una especie de viaje iniciático hacia sus orígenes. Allí encuentra un pueblo desolado y a personajes que el autor dibuja deliberadamente de forma ambigua, en el límite entre la vida y la muerte. Este mundo, a medio camino entre la realidad y la ensoñación, conduce al personaje hacia la enajenación mental y la muerte. El relato está veteado con frecuentes interpolaciones sobre la infancia de Pedro Páramo. Sobre este personaje principal trata la segunda parte narrada en tercera persona. Un terrateniente y cacique local, con derecho de pernada y poder de vida o muerte sobre los habitantes del pueblo.

La narración, al margen de los aspectos simbólicos y míticos, tiene un fondo de realismo como retrato sociológico y político de la sociedad mejicana de principios de siglo XX, con problemas como la desigualdad social y económica entre una minoría de propietarios criollos y la mayoría de mestizos e indígenas que forman el peonaje agrícola; el sistema caciquil; la sumisión del clero ante los poderosos y su rapacidad con un pueblo pobre y religioso; por fin la revolución que, con altibajos, termina por oficializarse y cumplir con aquella frase de “El Gatopardo” : “es preciso que todo cambie para que todo siga igual”.

Lo que mejor refleja “Pedro Páramo” es el carácter del pueblo mejicano. Un carácter forjado en el mestizaje, más cultural que racial, basado en el sincretismo entre la religión cristiana y los antiguos ritos y creencias indígenas. También en el abuso de poder institucionalizado que comenzó con las encomiendas y condujo al desigual reparto de la tierra. Todos estos aspectos y otros muchos templaron ese carácter mezcla de estoica laboriosidad en la pobreza, sentido fatalista ante la vida y la muerte, y profunda religiosidad, muy ritual y no exenta de superstición.

LOS GODOS EN ESPAÑA. E.A. Thompson

2011-08-12T18:43:00.001+02:00

El historiador inglés E.A. Thompson es reconocido como una autoridad en la historia de los bárbaros, y en particular de los visigodos en Hispania. Esta es además una de las obras más destacada en su bibliografía.

La dificultad de estudiar este periodo de casi dos siglos de dominación goda en la península radica en la escasez de fuentes fidedignas, ya que casi ningún historiador de la época escribió sobre el mismo. Se les suele dar valor de fuente a los escritos de San Isidoro de Sevilla que sólo son, como es conocido, de carácter teológico y doctrinal. También pueden considerase como tales, algunas cartas entre obispos, las actas de los Concilios de Toledo y los códigos de leyes de Alarico, Leovigildo y Recesvinto. Estas últimas suponen una abundante información jurídica pero aportan poca información sobre las costumbres y forma de vida de los visigodos o el grado de integración con la población hispano-romana. De algunos reyes se conoce apenas el nombre, de ahí que la lista de los mismos fue lo único que pudimos estudiar en el bachiller.

Con este escaso material Thompson desarrolla una amplia panorámica de la historia de los visigodos en España, aunque reconoce y especifica claramente las limitaciones del estudio. Las conclusiones pueden resumirse en las siguientes: Los visigodos entran en Hispania a finales del siglo V como aliados o federados de algunos generales, usurpadores del poder imperial ante el derrumbe del mismo en Roma; también debe considerarse la presión que sobre ellos ejercieron los francos en las Galias. Aprovechan las estructuras administrativas romanas, sobre todo en lo tocante a la recaudación de impuestos. A nivel jurídico siempre existió una separación entre godos e hispano-romanos aunque parece que nunca hubo rechazo entre ambas poblaciones o al menos entre las oligarquías nobiliarias respectivas. Los godos conservaron el poder político y militar mientras que los cargos eclesiásticos se reservaron para los romanos. Inicialmente arrianos, se convirtieron al catolicismo sin grandes traumas quizás para aprovechar la influencia de la Iglesia sobre la población. Las actas de los Concilios demuestran que dicha Iglesia siempre estuvo subordinada al poder real lo que en algunas ocasiones la llevó a enfrentarse al Papa de Roma. La monarquía visigoda tenía en su carácter electivo un punto flaco que propició frecuentes rebeliones e intentos de usurpación. A finales del siglo VII el poder militar visigodo se fue debilitando, entre otros factores porque el grueso de sus tropas estaban integradas, en ese tiempo, por esclavos. No se conocen con claridad las causas del derrumbe del poder visigodo pero, en cualquier caso, la leyenda en torno a Don Rodrigo, la Cava y el conde Julián carece de cualquier realidad histórica.

BROOKLYN FOLLIES. Paul Auster

2011-08-06T02:37:00.001+02:00

Cuando disfrutamos de una película de WoodyAllen, o lo muestran en losnoticieros interpretando jazz, lo solemos asociar de inmediato con la ciudad deNueva York. Algo parecido me ocurre con elmucho menos mediático escritor Paul Auster. Ambos personajes son deorigen judío y los dos nacieron y vivieron en Nueva York o sus cercanías (Brooklyn, Nueva Jersey). Noes casual por tanto que sus respectivas obras estén saturadas de ambienteneoyorquino.

Enel caso de Auster, muchas de sus novelas se desarrollan en esta ciudad. Porcitar algunas mencionaremos esta que hoy nos ocupa, y otras como “ El palaciode la luna” o “Trilogía de Nueva York”, ambas publicadas a principios de losaños 90 en España, que lo dieron a conocer en nuestro país y lo consagraroncomo autor de éxito.

Paul Auster estáconsiderado como uno de los máximosrepresentantes de la narrativa norteamericana actual. Además de su clarasensibilidad neoyorquina, su obra tiene otras señas de identidad. Sus relatossuelen contener facetas autobiográficas y están impregnados de maticesexistencialistas. Describen la desposesión, los conflictos en las relacionesinterpersonales, o la incomunicación. Con frecuencia sus personajes son seres fracasados, que quedaron marginados enel camino de esa “moral del triunfador” que tan bien define a la sociedadnorteamericana. El triunfo, según Auster, es el premio de los ambiciosos y amorales, a los cuales uno desus personajes llama “granujas con temple”. Estos rasgos distintivos dan a susnovelas un cierto tinte de pesimismo vital, aunque el autor suele redimir a sus personajes y les concede una segunda oportunidad rematando la historia, por lo general, en un final "feliz".

Otras de las obsesiones del escritor norteamericano es elazar y su influencia en la existenciadel ser humano. En sus narraciones se destacan los errores o losacontecimientos aparentemente anodinos que conducen a bifurcaciones vitales y terminan por dar un giro total a la vida desus personajes. En “Brooklyn Follies”se relata una anécdota que ilustra lo ilustra bien, la del judío alemán quesobrevive al exterminio nazi y muere, poco antes de reunirse con su hijo, en unestúpido accidente de tráfico.

El estilo literario de Auster es sencillo y directo, con toques de sarcasmo e ironía y, cuando la ocasión lo requiere, no renunciaincluso al lenguaje procaz para reforzar una apelación directa a la complicidaddel lector. No obstante, esta aparentesencillez esconde una estructura narrativa compleja, con frecuentes cambios denarrador, digresiones, e historias dentro de la historia.

Todos los aspectos mencionados hasta el momento los podemosencontrar, en mayor o menor grado, en “BrooklyFollies” (2005), una de sus últimas novelas. El título hace referenciaa los relatos que para distraerse escribe ( en folios sueltos) un recién jubilado con problemas, queretorna a sus orígenes y se instala de nuevo en dicho barrio neoyorquino. Estees el personaje principal que a su vez contacta con otros de su entornofamiliar y vecinal estableciendo así relaciones y vínculos de amistad que danun nuevo sentido a su vida e influye decisivamente en la de los demás.

No tiene objeto ampliar más la sinopsis de la novela, perosi cabe destacar las situaciones inesperadas y lascoincidencias (azar) que dan a la narración un tono optimista en medio de los problemas existenciales de lospersonajes. En resumen, una historia con sabor agridulce muy típico delescritor. Destacaré también, como curiosidad, las alusiones críticas a lapolítica y la sociedad norteamericana que entreveran el relato.

Aún en el terreno de lo anecdótico quiero resaltar, por último, dos párrafos que, amodo de disquisición, aparecen al final de la novela. En el primero se hace una breve alusión a la fisiopatologíadel infarto de miocardio bastante curiosa porque el autor, con sencillez,renuncia a una descripción documentada, por otra parte nada difícil deconseguir, para explicarlo como lo haría un paciente, profano en la materia,que acaba de ser informado superficialmente por su médico. En el segundo se reflexiona sobre la muerte y sobre lainmortalidad, no trascendente sino basada en la fama perdurable en el tiempo.Unas reflexiones que comparto y a las que el autor termina dando una salida en clave de humor.

Se trata pues de una novela interesante, de obligada lecturapara los seguidores de Auster.

EL OBSERVATORIO. Michael Connelly

2011-06-27T19:43:00.004+02:00

La novela negra es un subgénero literario ideal para el verano. Y es que el calor produce con frecuencia cierto grado de embotamiento mental y tendencia al sopor, situación nada apropiada para iniciar la lectura de literatura más profunda. En esas tardes estivales de persianas bajadas, habitaciones en penumbra y zumbido del ventilador o del aire acondicionado, nada mejor que una buena hamaca, un refresco con poco alcohol, y una novelita policiaca de fácil digestión pero con el suficiente nivel de intriga para mantenerte interesado y despierto, evitando así una “siesta” prolongada.

Con este ánimo de refrescante entretener y pasar las agobiantes horas de la canícula, inicié la lectura de “El Observatorio” de Michael Connelly, un autor norteamericano especialista en este tipo de novela, que se dice admirador de Raymond Chandler y que, al igual que éste, ha creado su propio personaje, el detective Harry Bosch de la policía de Los Ángeles, nombrado así en recuerdo del pintor holandés Hieronymus Bosch que nosotros conocemos como “el Bosco”. A partir de aquí hay que decir que ese es todo el parecido de Connelly con el genial maestro antes mencionado. Superficial donde Chandler es profundo, nada de la denuncia social de éste, nada de su estilo cuidado ni de su característico ingenio. El detective Philip Marlowe duro, cínico, e irónico mereció grandes versiones cinematográficas y fue interpretado a la perfección por Humphrey Bogart. A su lado el detective Bosch solo es tozudo y obstinado, apenas merecedor de protagonizar una serie de televisión.

El argumento, en trazos generales, es la investigación de un crimen relacionado con el robo de sustancias radiactivas de un hospital, por lo cual se termina convirtiendo en un asunto de terrorismo. En el trascurso de la historia se pone de manifiesto la tradicional enemistad entre las policías locales y la federal (FBI) en Estados Unidos, traducida en celos profesionales, lucha por las competencias y jurisdicción, retención de pruebas y testigos etc.

La trama, en resumen, es entretenida, superficial, y consigue mantener la atención, con el añadido del correspondiente final sorprendente, algo básico en este tipo de literatura. Insisto, una novela ideal para leer casi de un tirón en una calurosa y aburrida tarde de verano.

LOS GIRASOLES CIEGOS.Alberto Méndez

2011-06-24T21:17:00.002+02:00

Hay escritores de un solo libro y en ocasiones uno sólo justifica a un gran escritor. En el caso de Alberto Méndez toda su vida giró de forma indirecta en torno a la literatura; hijo de poeta, licenciado en Filosofía y Letras, guionista, redactor y fundador de editoriales. Por fin, escritor tardío de este libro de relatos que lo llevó a la fama póstuma cuando fue galardonado con el Premio Nacional de Narrativa en el 2005, un año después de su muerte. A partir de ahí el éxito de ventas pero sobre todo su consagración y reconocimiento como uno de los grandes autores de la narrativa actual en castellano.

Y es que, en mi opinión, “Los girasoles ciegos” no es una novela más sobre la posguerra española. Las historias incluidas en la narración son de un realismo crudo pero además son verdad, es decir, pueden no ser reales pero son absolutamente veraces. No en balde, fue en un Madrid derrotado y acosado por el miedo durante los primeros años de nuestra posguerra donde vivió su primera infancia nuestro autor. Los que vivimos la nuestra años más tarde aún pudimos sentir las últimas secuelas de aquel ambiente opresivo y escuchamos historias muy parecidas, contadas “en voz baja”, estas sí reales. En aquella época eran pocas las familias que no contaban entre su parentela con algún muerto, encarcelado, o represaliado. Somos muchos los españoles que, sin haber vivido directamente la guerra civil, podemos atestiguar la veracidad de estos relatos que nos recuerdan otros de nuestra propia infancia, cuando aún no teníamos capacidad crítica ni elementos de juicio, historias que escuchábamos asombrados y que nos asomaban a un pasado de barbarie y crueldad, cuyos protagonistas tenían nombre y en ocasiones vivían “de milagro” como entonces se decía.

Son cuatro los relatos de esta novela, incluido el que da título al libro; historias que discurren de forma casi paralela en el tiempo y que están sutilmente interrelacionadas porque los personajes de unas aparecen de forma tangencial y secundaria en otras. Todas tienen un nexo común reconocible y reconocido por el autor en los títulos, son historias de derrotados, incluido alguno del bando vencedor, porque nuestra guerra civil terminó, como todas, con vencedores y vencidos, pero al fin y a la postre todos fueron derrotados por el miedo, la miseria, el resentimiento y la venganza. En este sentido los relatos no pecan de maniqueísmo, no son historias de buenos y malos, son de una crudeza dramática que no excluye la emotividad. Los hechos parecen discurrir como determinados por una especie de fatalismo que recuerda a los dioses y el destino de las tragedias griegas. Víctimas y verdugos saben que han de serlo necesariamente y se resignan a su papel, unas veces con dignidad, y otras acosados por la debilidad y el miedo. La crueldad y los rasgos humanitarios se reparten por igual entre los personajes, sean vencedores o vencidos.

En cuanto a la técnica narrativa es variada en cada uno de los relatos, desde el narrador en tercera persona, alternando con la técnica epistolar, hasta el narrador en primera persona, o el enfoque narrativo múltiple con varios narradores. El estilo es de lenguaje sencillo y directo pero muy cuidado.

La historia de “los girasoles ciegos” ha sido llevada al cine por el director José Luis Cuerda y estrenada en 2008. En general el guión es bastante respetuoso con el texto original pero algo más maniqueo. En cuanto al personaje de Elena protagonizado por Maribel Verdú es poco creíble porque no es el físico ni el erotismo que inspira la aparente viuda lo que atrae al diácono sino su propia lascivia reprimida y su apostolado fascista lo que reclama la rapiña del vencido.

En resumen, se trata de una gran novela, hermosa y emotiva, que puede agradar a una mayoría de lectores aunque recomiendo que se abstengan de leerla los nuevos revisionistas de nuestra historia reciente y los partidarios de la “memoria histórica” con ánimos revanchistas, es decir, los descendientes o seguidores de aquellos que Unamuno llamó “los hunos y los hotros”.

ESTAMBUL. Orhan Pamuk

2011-05-15T14:08:00.005+02:00

Comentario escrito en 2009 y publicado ahora de forma anacrónica. Dedicado a Antal, que publicó el suyo sobre este mismo libro en el blog Dementes Literarias y parece compartir mi admiración por esta ciudad.

Estambul es una obra de difícil encuadre en un género concreto, pero en ella se puede considerar en cualquier caso una doble vertiente íntimamente relacionada; es una autobiografía de la infancia y juventud del autor al tiempo que un retrato de Estambul en la segunda mitad del siglo XX, o más bien las sensaciones que la ciudad provoca en el escritor de clara mentalidad occidental, y en último extremo, la ambivalencia y el conflicto cultural entre Oriente y Occidente.

Orahn Pamuk vivió su infancia en los barrios próximos al Palacio de Dolmabahçe en las orillas del Bósforo, la zona noroeste de Estambul, al otro lado del Cuerno de Oro, que tradicionalmente había sido el barrio occidental de la ciudad y que, a partir de finales del siglo XVIII con el traslado del sultán desde Topkapi al nuevo palacio, se convirtió en residencia de la corte otomana y posteriormente de la alta burguesía turca. Desde su barrio siente las consecuencias tardías del derrumbe otomano, los incendios y desaparición de los hermosos palacios de madera a orillas del Bósforo. Ya en su juventud extiende su observación a los barrios pobres de la otra orilla del Cuerno de Oro, los que se extienden desde el Puente de Gálata hasta más allá de las antiguas murallas bizantinas hasta el místico barrio de Eyup. La sensación más intensa que el Estambul de los años 50 y 60 despierta en Pamuk es la de amargura y melancolía por la caída, a principios de siglo, del Imperio y las consecuencias de pobreza y pesimismo que afectó a la ciudad y sus habitantes, que aún persisten en cierta medida en la actualidad.

En los distintos capítulos se repasan los contrastes y ambivalencias de la sociedad estambulí. El difícil equilibrio entre la alta burguesía laica occidentalizada y las masas populares de inmigrantes anatólicos, de cultura islámica. El contraste entre el nacionalismo laico y militarista, fundado por Ataturk, que reclama su incorporación a Europa y otro nacionalismo asiático que simpatiza con el integrismo islámico.

Pamuk fue aficionado a la pintura así que describe los barrios de la ciudad con un detalle que podríamos llamar pictórico. En algunos capítulos se refiere a pintores occidentales como Melling que realizaron los únicos grabados y pinturas de la ciudad, ya que los pintores otomanos estaban limitados por el rechazo coránico a la representación de figuras humanas. Frente a su propia visión e impresiones sobre Estambul, el autor nos remite a otras visiones, las de los viajeros franceses e ingleses del siglo XIX, como Gerard de Nerval, Teophile Gautier o Gustave Flaubert.

El pesimismo de Pamuk se hace literario, se traduce en la melancolía que impregna su visión de la relación con su familia y se extiende a otros aspectos de la sociedad estambulí hasta constituir el auténtico espíritu de la ciudad. Existe un cierto paralelismo entre el progresivo hundimiento económico familiar, el deterioro de las relaciones entre sus miembros de una parte y una cierta sensación de fracaso de los valores de la burguesía laica y occidentalizante que su misma familia representa.

En fin, es un libro rico en matices y muy interesante. Se trata de un retrato profundo de Estambul que puede ayudar al visitante occidental a penetrar en la mentalidad y forma de ser de sus habitantes, más allá de los aspectos turísticos. Aunque no es una obra histórica resulta fundamental para comprender algunos hechos de la historia reciente de Turquía y de contradicciones tales como la cuestión Oriente-Occidente. Entre los europeos occidentales, el “miedo al turco” es ancestral, desde Lepanto, pasando por los piratas berberiscos, hasta las actuales reticencias a la admisión de Turquía en Europa. Pamuk nos ofrece la opinión y el sentimiento de los turcos y contribuye a derribar tópicos sobre su pueblo.

EL ASEDIO. Arturo Pérez-Reverte

2011-05-14T21:59:00.003+02:00

Comentamos hoy el último éxito editorial de Arturo Pérez-Reverte. La crítica literaria y el propio autor coinciden en no incluir la obra en el subgénero de novela histórica. Se trata más bien de una trama novelesca ambientada en una época muy concreta, los años 1811-12 en Cádiz, durante el cerco de las tropas francesas a la ciudad. El esquema es parecido al de la gran obra de León Tolstói, “Guerra y Paz”, en la que se narran las vicisitudes de varios personajes durante la invasión de Rusia por los ejércitos de Napoleón. En este caso son también varios los personajes y las tramas argumentales que se entrecruzan dentro de aquel marco histórico. La principal es la sucesión de misteriosos asesinatos que parecen tener relación con el bombardeo de la ciudad, pero la acompañan otras de corte romántico, aventurero, científico etc. En términos actuales se la podría definir como un thriller histórico, es decir, una historia de detectivesca, de suspense e intriga, ambientada en una determinada época. Este tipo de literatura suele ser muy fácil de adaptar a versiones cinematográficas. Está además muy de moda y su abundante producción, de calidad muy dispar, nos abruma en las librerías.

En cualquier caso, Arturo Pérez-Reverte es un auténtico maestro de este subgénero que cultivó en sus comienzos con títulos como “El maestro de esgrima”, “La tabla de Flandes”, y en cierta medida, la serie de Alatriste. En “El Asedio” creo que ha conseguido su novela más lograda. La perfecta caracterización de los personajes, las sospechas sutiles e inconcretas que se vierten sobre algunos de ellos, las relaciones que se establecen entre los crímenes, todo contribuye a urdir la trama novelesca y mantener el suspense y nuestra atención. Ya se sabe que en este tipo de novelas el culpable será el “mayordomo” o personaje secundario, y por ello oculto e inesperado, pero lo importante es no descubrirlo hasta el final. Si lo intuimos a mitad de la narración se produce el fracaso. Para evitar esto, los autores fuerzan la historia hasta el punto de que la solución viene como un “deus ex machina” teatral. El culpable aparece en las páginas finales, tan bruscamente como caído del cielo, y por ello es difícil argumentar de forma lógica sus razones. Algo de esto ocurre en esta novela y para remediarlo, en parte, el escritor recurre a un personaje, el erudito profesor amigo del detective, que va trazando de antemano el perfil psicológico del desconocido criminal, así al final sólo se necesita darle un nombre.

Pérez-Reverte suele manejar la documentación y el asesoramiento histórico de forma rigurosa y abundante y lo viene demostrando desde el inicio de su producción literaria. Quizás sus antecedentes como reportero y periodista le ayuden en esta tarea. Lo cierto es que la ambientación histórica de sus novelas suele ser impecable y esta no es una excepción. Las descripciones geográficas de Cádiz a principios del XIX, los usos sociales y vestimenta, todo lo relacionados con el cerco y bombardeo de la ciudad, los pormenores de la navegación a vela y las continuas alusiones a hechos de armas e ideas políticas. Todo en conjunto nos introduce en ese momento histórico decisivo de una ciudad a punto de perder el monopolio comercial de América y por tanto su hegemonía económica, al tiempo que surgen las nuevas ideas liberales, concretadas en la Constitución de 1812, herederas de la revolución francesa que de forma paradójica introducen los invasores napoleónicos. Un mundo nuevo que fue abortado por la reacción absolutista posterior que nos atrasó casi un siglo con respecto al resto de Europa.

Resumiendo lo dicho, “El asedio” me parece una estupenda novela, interesante y entretenida en su argumento bien construido, y sólida en el aspecto de la divulgación histórica. Los personajes de Pérez-Reverte han alcanzado ya una madurez y tipología muy propias del autor, con rasgos muy definidos como la firmeza y cierta dureza de carácter, un tanto de escepticismo, bastante de pesimismo histórico y desconfianza ante el poder político. Todo se podría resumir en la frase del Mio Cid: “¡Dios que buen vasallo si tuviese buen señor¡".

Para terminar tengo que admitir mis simpatías por Arturo Pérez-Reverte. Sus comienzos como periodista y corresponsal de guerra, de los que se jugaban el tipo, lo revistió de un aura de aventura y crédito. Desde que se inició su etapa literaria he leído casi toda su producción, su ascenso y reconocimiento en el mundo literario me parece merecido y su entrada en la Real Academia también. No obstante, hizo no hace mucho unas declaraciones en Twitter sobre un político que me parecieron crudas, poco compasivas y más bien detestables. Las aclaraciones posteriores tampoco mejoraron mi impresión inicial. La falta de humanidad no puede justificarse por razones de marketing, ni deber ser tolerada, menos a un buen escritor.

CONCIERTO DE PIANO. Volker Banfield

2011-04-30T23:56:00.000+02:00

Se celebra en nuestraciudad una nueva edición del Concurso dePiano, un certamen ya tradicional que ha alcanzado cierto prestigiointernacional si se considera la calidad creciente de los participantes queacuden desde lugares tan remotos como Japón, Rusia, o América. Un año más hemosasistido al concierto inaugural que suele ser interpretado por un pianistaconsagrado que formará parte del jurado del concurso. En esta ocasión elelegido ha sido el pianista alemán VolkerBanfield, educado en su madurez en Estados Unidos y de larga trayectoriaprofesional.

En estas actuaciones preliminares al concurso los intérpretes suelen elegir obras quedestacan por la complejidad y dificultad de ejecución, con frecuencia pococonocidas por el público en general peromuy apreciadas por los entendidos. Yo desde luego no me incluyo entre estosúltimos pero, aún así, como simple aficionado pude apreciar la calidad delpianista en un programa adecuado para el lucimiento en la interpretación.

En la primera parte tocócuatro sonatas compuestas para teclado por Domenico Scarlatti(1685-1757), músico italiano que vivió y compuso casi toda su obra en España,al servicio de los Borbones. Músicabarroca con importante influencia del folclore hispano, y acordes que enocasiones recuerdan sonidos de guitarra. Por su dificultad técnica estassonatas fueron consideradas en su tiempo como estudios de virtuosismo. Acontinuación abordó el romanticismo musical con una obra de Robert Schumann (1810-1856). En concreto lafantasía titulada Kreisleriana Op. 16, un conjunto de ocho piezas parapiano compuestas por el autor alemán en honor de Frédéric Chopin, defuertes contrastes que impresionan de forma dramática, consideradas como lasmejores piezas del músico para este instrumento. En estas dos obras lainterpretación me pareció bastante académica pero algo fría, con pocosentimiento, o esa fue al menos mi impresión.

En cambio, durante lasegunda parte, la actuación fue de menos a mas, quizás porque las obraselegidas se prestaban al virtuosismo pero inspiraban también una tensión capazde provocar la pasión del intérprete ydespertar la emotividad del público. Me refiero a esa sensación vaga, difícilde precisar o asociar con sentimientos concretos, que provoca un escalofrío oincluso puede hacer brotar una lágrima en el oyente.

En primer lugar tocó unasonata de Alexander Scriabin (1872-1915), un compositor ruso con fuerteinfluencia del impresionismo modernista francés de finales del XIX y principiosdel XX. Una música impregnada de misticismo y algo de misterio que recordabaalgunas de las obras del francés Debussy. Para terminar interpretó una sonatade Charles Griffes (1884-1920) un autor influenciado igualmente por elimpresionismo musical de Scriabin pero con el inconfundible sello de la músicanorteamericana. No sabría precisar si eran toques de jazz, pero en ciertos momentos merecordaba a Gershwin.

Después de alcanzar sucenit de apasionamiento con esta última interpretación, el pianista recuperó la típica frialdad germánica y respondió concortesía a los aplausos del público que premió su maestría pero nosolicitó un bis que tampoco el músicoparecía dispuesto a conceder.

EL LABERINTO ESPAÑOL. Gerald Brenan

2011-04-29T20:52:00.006+02:00

Gerard Brenan (1894-1987) fue un intelectual e hispanista británico especialmente reconocido y querido en Andalucía. Incansable viajero, a los 25 años recaló en Granada y se refugió en las Alpujarras que le ofrecieron el marco adecuado para sus aficiones, tranquilidad para la lectura y hermosos paisajes donde caminar. En distintos periodos de su dilatada vida residió en Yegen, donde era muy popular y conocido como Don Geraldo. En su madurez residió también en Churriana y Alhaurín el Grande. En este último pueblo malagueño falleció en 1987, a los 92 años de edad, siendo acreedor del cariño del pueblo andaluz y recibiendo el reconocimiento oficial por su labor divulgativa sobre nuestra tierra.

Su obra es muy variada, escribió poesía, autobiografía, estudios sociológicos y principalmente libros de viajes. Su libro más conocido entre nosotros, “Al sur de Granada” pertenece a este último género, pero su faceta como historiador se me ha revelado tras la lectura del libro que comento hoy.

Brenan fue testigo de nuestra Guerra Civil y quedó impresionado por su barbarie, pero como buen intelectual se impuso a sí mismo una actitud reflexiva y distanciada que le permitiera estudiar con objetividad las causas del conflicto. Como resultado de su investigación publicó “El laberinto español”, una indagación sobre los antecedentes sociales y políticos de esta dramática guerra que condicionó toda nuestra historia durante el pasado siglo XX y aún hoy condiciona la memoria de los españoles que la vivieron y las sucesivas generaciones afectadas por sus secuelas.

En este ensayo histórico, Brenan se remonta a nuestro agitado siglo XIX y al conflicto entre la nueva mentalidad liberal burguesa y la Iglesia; pone el punto de mira sobre la Desamortización de Mendizábal que condujo a una nueva redistribución de la tierra y contribuyó al latifundismo del centro y sur de España generando así la llamada “cuestión agraria”, un problema no resuelto que en su opinión fue uno de las grandes causas del conflicto. Destaca el trauma nacional del 98, el régimen de la Restauración, el papel de la Iglesia y el ejército entre finales del XIX y principios del XX, la irresoluta “cuestión catalana” como oposición entre el centralismo liberal y un nacionalismo catalán tradicionalmente revestido de “victimismo”, y finalmente la corrupción del sistema caciquil y el desastre militar de Marruecos que llevó a la instauración de la dictadura de Primo de Rivera en 1923. Analiza el auge del sindicalismo anarquista y socialista y estudia también otras ideologías como el federalismo o el carlismo. Finalmente el trabajo aborda el triunfo del régimen republicano en 1931, con sus periodos históricos, el inicial constituyente con las primeras reformas importantes, el bienio negro con la llegada al poder de los radicales de Lerroux y la CEDA, la revolución de Asturias y el triunfo del Frente Popular. Hace relación de los partidos de izquierda y derecha enfrentados en la lucha política, los grupos partidarios del golpe militar, entre otros los falangistas, o de la revolución como los comunistas y anarquistas.

Solo menciono aquí de pasada algunos de los múltiples temas que aborda la obra, tratados todos con el rigor y la objetividad de un historiador que no se limita a la descripción de los hechos históricos sino que se compromete a la hora de destacar los principales factores políticos y sociales que causaron el conflicto sin mostrar por ello el menor indicio de parcialidad.

Pero lo que sin duda hace diferente este estudio histórico de otros es el sello subjetivo que el autor muestra al analizar el carácter de los españoles. Parece que la obra se hubiera escrito para dar a conocer al público británico y europeo lo que España tiene de singular como pueblo y como nación, y en este aspecto Brenan no oculta su admiración por nuestras virtudes y comprensión con nuestros defectos. Es verdad que con sus opiniones personales refuerza el tópico de “Spanish is different” pero en su afán de objetividad no duda en remontar la historia hasta la Reconquista y el descubrimiento de América para explicar y buscar el origen de algunos de los componentes de nuestra idiosincrasia particular tales como el individualismo, el excesivo localismo, nuestro carácter mezcla del orgullo y la ociosidad propios de los hidalgos pobres opuesto a la laboriosidad burguesa más propia del resto de los europeos. También nuestro amor por la libertad, el idealismo a la hora de defender grandes causas, y en el lado negativo nuestro escaso sentido de Estado, lo caótico de nuestra militancia política o la tradicional corrupción de nuestros gobernantes.

Para terminar; en el momento de su edición en 1943 esta obra fue prohibida en España. Pero la historia, cuando es rigurosa y veraz, siempre acaba por imponerse.

REQUIEM. W. A. Mozart

2011-04-09T21:25:00.008+02:00

La Misa de Requiem forma parte de la liturgia católica y estáintegrada por un conjunto de ruegos por las almas de los difuntos, que secelebra en entierros y funerales. Su nombre proviene de las primeras frasesdel Introito: “Requiem aeternam donaeis, Domine/ et lux perpetua luceat eis”. Difiere de las misas normales enque las partes gozosas como el Gloria,el Credo, o el Aleluya son suprimidas y se sustituyenpor el “Dies irae” un himno del siglo XIII que describe el Juicio Final.Este tipo de servicio religioso era con frecuencia cantado en gregoriano y muy pronto comenzaron a aparecercomposiciones musicales polifónicas para acompañar los cantos. El primer Requiemconocido fue compuesto por Ockeghem en 1460 y desde entonces hasta laactualidad se han compuesto unos dos mil, en todos los estilos musicaleshistóricos. Para adaptar a la música el texto de las oraciones fue necesario enmuchas ocasiones añadir o suprimir algunas y fragmentar otras de tal forma quecasi todas las composiciones presentan variaciones sobre las partestradicionales de la liturgia. Es por esto que están considerados como músicasacra pero no canónica.

Conozco varios Requiem,desde los más antiguos como los de Cristóbal de Morales y Tomás Luis deVictoria, hasta los de Berlioz, Brahms, Verdi, Fauré o Dvorak. Pero mipreferido, el que más me impresiona oír, es el de Mozart. Es también, desdeluego, el más popular sin que esto suponga un demérito sino más bien un reconocimientoa esta obra póstuma del genial compositor austriaco. Es de sobra conocida laleyenda que lo rodea, encargado y pagado por un desconocido de aspectomisterioso que se presentó al músico en un momento en que estaba mermado desalud y debilitado por la fatiga, lo cual le hizo pensar que se trataba de unenviado del Destino que le anunciaba su propia muerte. Aunque la realidad deeste hecho se demostró posteriormente más prosaica, lo cierto es que Mozartfalleció ese mismo año de 1791 quedando la obra inacabada y dejando anotacionespara que fuera terminada por su discípulo Süssmayr. Para aumentar el misterio, los críticos actuales noterminan de estar de acuerdo sobre la autoría de algunas de las partes, aunquetodas en conjunto llevan el sello y la originalidad del músico de Salzburgo.

El Requiem de Mozartfue compuesto para orquesta, coros, y voces solistas (soprano, tenor, contraltoy bajo) y en la forma de combinar magistralmente dichos elementos recuerda encierto modo a una ópera. En la estructura tradicional de este tipo de obras, ellargo himno del “Dies irae” fue fragmentado en varios pasajes omovimientos. En el Introitus tiene un comienzo orquestal “in crescendo” y se suceden los coros que entonan un canto ala apoteosis celestial de los fieles (lux perpetua) con el solo de lasoprano que parece evocar el descanso eterno del difunto (requiem aeternam).En las siguientes partes de la obra se alternan pasajes de especial dramatismoe importante participación coral con otros de refinado lirismo protagonizadospor los solistas mientras la orquesta acompaña y equilibra a unos y otros.Entre los primeros destacan El Dies irae, Rex tremendae magestatis,o el Confuntatis maledictis en los que el texto recuerda la justa cóleradivina y el castigo de los pecadores en el ultimo día del juicio. Entre lossegundos los solistas apelan a la clemencia divina en el Recordare Iesu Pieo se destaca el goce de los elegidos en el Benedictus. Las partesfinales del Sanctus y el Agnus Dei refuerzan de nuevo laparticipación coral en un crescendo que termina repitiendo la apoteosisdel Lux aeterna.

La representación del Requiem de Mozart que hoy nos ocupa fueinterpretada por la banda sinfónica y los coros de nuestra ciudad, ambasformaciones tuvieron una interpretación digna. La banda, por su economía demedios en la cuerda, restó algo de brillantez al conjunto de la obra pero fuecompensada con el lugar de la representación, el Coro de la Catedral, un marco sinduda muy apropiado que reforzó y ambientó el sentido religioso de la misma.Entre los solitas destacó la soprano y el tenor, los otros dos mas mediocres.En mi modesta opinión, el bajo fracasó al entonar el Tuba Mirum, unfragmento en el que su actuación debe sobresalir.

Siempre insisto en mispreferencias por la música clásica interpretada en directo, aún con intérpretesmodestos, frente a las mejores interpretaciones en disco. En esta ocasión debodestacar un aspecto negativo. El concierto fue gratuito y esto aportó un numeroso grupo de espectadores cuyamotivación no era la audición de la obra, al menos no la única. Esto añadió unfactor de ruido ambiental bastante desagradable que por momentos rompió lamagia de la interpretación.

Introitus- Lux aeternam Dies Irae

Benedictus

BRILLAN MONEDAS OXIDADAS. Juan Eduardo Zúñiga

2011-03-27T19:34:00.002+02:00

El cuento es un género literario que, en cierto sentido, se ha considerado como menor. Esta opinión, subjetiva y cuestionable si se quiere, está basada en una impresión; que los grandes literatos son casi siempre recordados por sus novelas y bastante menos por sus relatos cortos. Contra lo dicho hay que citar notables excepciones, que ahora recuerde, las de Edgar A. Poe, Jorge Luis Borges, y sin duda alguna más. Lo que resulta incuestionable es que se trata de un género cultivado desde la más remota antigüedad, con antecedentes medievales en nuestra literatura hispánica, y firmemente basado en la tradición oral del cuento popular. Se define como una narración breve, de ficción, casi siempre en prosa, de línea argumental única aunque con todos sus elementos constitutivos (exposición, nudo, y desenlace), que ha de ser leída de principio a fin porque en caso contrario se pierde el efecto narrativo. En función del argumento se subdivide en múltiples subgéneros; de terror, fantástico, ciencia ficción, suspense, y un largo etcétera.

En el cuento lo que más llama mi atención es su aparente dificultad técnica; el desarrollo de una historia coherente en pocas páginas que obliga a una gran economía de medios narrativos al tiempo que una notable precisión en el leguaje. Cada palabra debe de ser un elemento, relacionado con los demás, que funciona como un indicio del argumento. Por ejemplo; una cita al río Mondego, y los términos “morisco” y “alguacil” nos puede situar la acción en Coimbra, durante los siglos XVI-XVII.

Los textos que recogen colecciones de relatos cortos son, aparentemente, de fácil lectura ya que cada historia puede leerse por separado. No obstante, cada relato suele ser casi un esbozo de historia y exige del lector la máxima atención para encontrar y gozar de la multiplicidad de matices que enriquecen y completan el sentido de la narración. También una novela puede leerse por partes pero su argumento, el que después integramos y recordamos, es único. Por el contrario una colección de cuentos supone una multiplicidad argumental y sólo se aproxima al concepto de obra unitaria si el autor ha asociado las historias con una cierta finalidad o idea directriz que les sea común. En cualquier caso, la autonomía de cada relato permite una recopilación versátil, en distintas antologías y con criterios diferentes.

Juan Eduardo Zúñiga tiene una larga experiencia como escritor de cuentos. “Brillan monedas oxidadas” es su ultima obra en este género literario, precedida por otros libros de relatos, el más conocido y reeditado fue “Largo noviembre de Madrid” (1980) ambientado en la guerra civil y posguerra. En esta ocasión el escritor no inscribe sus relatos en un marco histórico tan determinante, aunque algunos tienen ambientación de época. Lo que da sentido unitario al conjunto es que todos giran en torno a los conflictos de ser humano con el medio, profundizan en sus grandes pasiones pero también en la intimidad de sus estados de ánimo frente a la agresión de lo cotidiano. Los personajes son seres frustrados en sus expectativas vitales, fracasados, acosados por la miseria que buscan la evasión y en ocasiones alcanzan una liberación simbólica, como en el caso de la repartidora de pizzas que atraviesa Madrid en su moto y se desnuda como nueva Lady Godiva en un sueño de libertad. Se describen ambientes cerrados opresivos y claustrofóbicos en los que anidan la avaricia, el miedo y el poder, limitando el ansia de libertad. En general todos los relatos están envueltos en una atmosfera de misterio, de peligro indefinido e inquietante. En un segundo bloque de cuentos, ambientado en España de los siglos XVI al XVII, desfilan nobles, moriscos, sicarios y desheredados, acosados por amores apasionados y celos, abocados a desenlaces fatales, en una sociedad dominada por la superstición, la miseria y los miedos inquisitoriales. En uno de ellos se relata un asesinato por encargo que recuerda uno real, el de Escobedo, secretario de D. Juan de Austria. En el tercer bloque aparecen personajes reales de trágico destino, literatos como Frank Kafka o el poeta portugués Mario de Sá Carneiro, en relatos a medio camino entre la veracidad histórica y la ficción, mezcla de amor, poesía y muerte.

Se trata pues de una colección de cuentos interesante, que tratan sobre aspectos inquietantes de nuestra realidad cotidiana e invitan a la reflexión. Muy buenos en mi opinión.

ELOGIO DE LA OCIOSIDAD. Bertrand Russell

2011-03-12T21:59:00.004+01:00

Se ha considerado a Bertrand Russell como el último gran filósofo del siglo XX, pero si atendemos a su extensa producción literaria, a la multiplicidad de saberes a los que dedicó su atención, y al influjo en los acontecimientos políticos de la primera mitad de aquel siglo, yo lo definiría como el último humanista, en el sentido que damos a este término cuando lo aplicamos a los grandes intelectuales del Renacimiento.

Como filósofo fue el fundador de la llamada “filosofía analítica”, una visión positivista que rechaza la validez absoluta y esencial de las verdades metafísicas para centrarse en la claridad del pensamiento y la argumentación, mediante la utilización de los principios de la lógica formal y el análisis del lenguaje. Aplicando la lógica y la filosofía a las matemáticas, propuso numerosas teorías en esta ciencia, y en su monumental obra “Principios de las Matemáticas” formuló un sistema axiomático, una especie de gramática formal, en el cual se pueden fundar todas las matemáticas. Escribió además sobre ética, teoría del conocimiento, filosofía del lenguaje y de la ciencia, religión, teología y política. Fue además activista militante, defensor de causas como el pacifismo, el sufragio femenino, y se opuso a la política de armamento nuclear. Por causa de esta militancia fue encarcelado en dos ocasiones, pero su prestigio le llevó también a ser intermediario en el “conflicto de los misiles” de Cuba en 1962. Bertrand Russell fue en suma un intelectual de enorme erudición, con una experiencia personal enriquecida tras numerosos viajes y en contacto con personajes de la talla de Einstein o Lenin. Progresista en sus opiniones políticas y sociales que impregnan su extensa obra literaria de ensayo, desarrollada principalmente en la primera mitad del siglo XX. Su influencia en la intelectualidad europea y occidental ha sido decisiva.

Su estilo literario se caracteriza por la claridad de la argumentación, el lenguaje sencillo y el análisis, también por una fina ironía y por el recurso a la metáfora didáctica. Pero de todas las cualidades del filósofo británico la que más llama mi atención es su capacidad para anticiparse al futuro. En la antigüedad se decía que los profetas eran hombres inspirados por Dios, pero Russel demuestra que el conocimiento del pasado y un análisis exhaustivo y racional del presente son las premisas que nos facilitan el pronóstico de lo que está por venir. La presente colección de ensayos titulada “Elogio de la ociosidad” es una buena muestra de lo que digo. Fueron escritos en el periodo de entreguerras (años 20 y principios de los 30), y en ellos predice el conflicto bélico de la Segunda Guerra Mundial, pero también cosas tan actuales como la globalización de la economía, los problemas socioeconómicos derivados de la emancipación de la mujer y su incorporación al trabajo, o la crisis de la familia tradicional.

La temática de los ensayos es variada pero se pueden destacar varios bloques. En política critica las ideologías totalitarias emergentes en aquella época, comunismo y fascismo. Realiza un profundo análisis de las causas del ascenso al poder de éste último en Alemania. Se declara partidario de un socialismo democrático no marxista, y cuando expone las tendencias que debería seguir un gobierno de esta ideología se comprende fácilmente el fracaso de la socialdemocracia actual en Europa.

En un segundo bloque que podemos llamar social y económico se analiza la función del trabajo y la necesidad de tiempo libre para el enriquecimiento individual y la civilización. Se critica como absurda la economía basada en el patrón oro, el nacionalismo y el proteccionismo económico. Se proponen modificaciones en la arquitectura para adaptarse a los cambios propiciados por el trabajo femenino en la familia.

En otro bloque dedicado a temas de educación se critica la basada únicamente en el utilitarismo, que conduce a la homogeneidad cultural y a la falta de capacidad crítica de los ciudadanos. Se defiende la necesidad de una parte de conocimientos llamados “inútiles” que son la base del placer intelectual y de la civilización. Se rechaza la educación autoritaria tradicional y se defiende la basada en la autoridad moral e intelectual. Otros temas que se tratan son los elementos constitutivos de la civilización occidental, el cinismo y escepticismo de la juventud o la actitud estoica frente a los males de la vida.

Es la segunda colección de ensayos que leo de este autor y tengo que reconocer que en ninguna de las dos me he sentido defraudado. Son interesantes por su temática, profundos en el análisis, progresistas en las ideas, y amenos de lectura por la sencillez y claridad del lenguaje.

EL ÁRBOL DE LOS JENÍZAROS. Jason Goodwind

2011-02-26T19:25:00.006+01:00

La crítica literaria recibió con entusiasmo este best seller. Se dice que fue traducida a treinta idiomas y se comparó con “El nombre de la Rosa” de Umberto Eco. Desde luego se trata de una mezcla de novela histórica y trama detectivesca, pero aquí acaba toda coincidencia con aquella obra que fue paradigma y modelo de una modalidad del género de ficción histórica que ha conseguido abundantes imitadores y gran éxito de público. En este caso, el autor me parece uno más de los que intentan aprovechar esta afición del público lector por acercase a la divulgación histórica de forma amena aunque necesariamente superficial. La distancia que media entre Umberto Eco y Jason Goodwind es la que separa al filósofo y literato erudito del estudiante de historia en su primera novela.

“El árbol de los jenízaros” está ambientada en el primer tercio del siglo XIX, justo cuando se inicia el declive y lenta descomposición del imperio otomano a pesar del intento de los últimos sultanes por reformar y modernizar un régimen corrupto imitando modelos occidentales. Para ilustrar este interesante periodo histórico se recurre a los tópicos más conocidos; sultán aburrido y ahíto de sexo, odaliscas envidiosas e intrigantes, eunucos corruptos. También a los lugares habituales de Estambul, el harem de Topkapi, Agia Sofía, Gran Bazar etc. La acción tiene como antecedente fundamental el exterminio cruel de los jenízaros en 1826 por orden del sultán Mahmut II. La trágica desaparición de este cuerpo de élite del ejercito turco tiene cierto paralelismo con la historia de los templarios y el novelista lo aprovecha para relacionar a los jenízaros con prácticas de tipo esotérico, en este caso inspiradas en el sufismo islámico, a fin de reforzar el ambiente de misterio que debe acompañar a la supuesta conspiración y los crímenes rituales que adornan la trama argumental. En cuanto a la investigación de éstos, también media una gran distancia entre fray Guillermo de Baskerville (El nombre de la rosa) y el eunuco Yashim, de escasa habilidad deductiva, cuya única preocupación parece ser donde aparecerá el siguiente cadáver para justificar así sus paseos por la ciudad que se nos quiere mostrar.

Jason Godwind reconoce en el epílogo haber vivido durante seis meses en Estambul, pero parece tener un sentido de la orientación deficiente ya que en el texto se cometen varios errores importantes a este respecto. Algunos ejemplos; desde la ciudad histórica es imposible contemplar el ocaso con el sol ocultándose por la Isla de los Príncipes (en el mar de Mármara) por la sencilla razón de que la misma se encuentra al sureste de Estambul. Tampoco es posible ver ,desde Santa Sofía, el serrallo hacia el sur ya que está situado en la dirección opuesta. Para detectar estos errores no es necesario haber visitado la ciudad del Bósforo, solo se precisa disponer de un plano de la misma.

A pesar de todo lo dicho, se trata de una novela amena que se lee con agrado si dejamos de lado la comparación crítica con otras de su género. Inspira además un interesante motivo de reflexión: los turcos llevan dos siglos intentando entrar en Occidente sin perder su cultura ancestral. Japón lo consiguió en pocas décadas, ¿porqué ellos no?.

LAS CIEGAS HORMIGAS. Ramiro Pinilla

2011-02-19T18:54:00.003+01:00

El expolio de pecios por parte de las poblaciones ribereñas ha sido práctica habitual desde los comienzos de la navegación. En las orillas atlánticas de Europa siempre hubo zonas de frecuentes tormentas, arrecifes, y escarpadas costas, muy propicias para los naufragios. Entre éstas podemos citar la Costa da Morte en Galicia, el golfo de Vizcaya y la costa occidental de Irlanda. En esta última cuenta una leyenda negra que la miseria de los aldeanos irlandeses les llevaba a colocar fuegos en lo alto de los acantilados, durante las noches de tormenta, para atraer a los barcos de vela que los confundían con faros desde la distancia; provocaban así los naufragios y aprovechaban las mercancías arrojadas por el mar a la costa. Sin llegar a estos extremos hay que señalar que el expolio de los productos de un pecio siempre fue considerado un acto ilegal que ya en el derecho romano era duramente castigado como robo. Pero aunque práctica ilegal tengo mis dudas en cuanto a su ilegitimidad ética porque, ¿cómo se puede negar a alguien la propiedad de un bien o cosa encontrada flotando, arrojada a la costa, o en la bodega de un barco a punto de hundirse?, mercancías que, de no ser recogidas, se perderían definitivamente en la profundidad del mar, sin beneficio para nadie.

En la novela “Las ciegas hormigas” toda la trama argumental gira en torno a un pecio. En el marco histórico de los años 50 del pasado siglo, un carguero inglés, que transporta carbón para los altos hornos de Bilbao, naufraga frente a los acantilados de costa Galea, a la entrada de la ría del Nervión. La acción se desarrolla en el corto espacio temporal de apenas tres días y se centra en una familia de campesinos pobres que pretende recoger el carbón arrojado a la costa, que les ayudará a pasar el crudo invierno, y esto en dura competencia con los aldeanos de los caseríos próximos. Están dirigidos por el padre, una figura de dimensiones épicas, que encara las dificultades con una tenacidad fría y obstinada enfrentándose a condiciones de extrema adversidad. Esta lucha nos recuerda a los héroes de las epopeyas homéricas, enfrentados a hombres, y a dioses, en una pelea colosal, muchas veces destinada al fracaso pero siempre a la gloria. En el caso de nuestro héroe, el premio de su lucha es la supervivencia, la fidelidad a unos ideales simples y a una forma de vida ancestral basada en la necesidad del trabajo como razón esencial de la vida humana.

La acción de la novela, a pesar de la aparente simplicidad argumental, es intensa, de una fuerza apasionante. El enfoque narrativo es relativamente original, de narradores múltiples que cuentan su experiencia en primera persona en tanto que son personajes de la historia y participan en la misma. Uno de ellos, Ismael, el hijo menor, hace las funciones de narrador testigo que siendo personaje secundario nos cuenta la historia del protagonista principal, el padre, único que no es al tiempo personaje y narrador. La figura de Sabas Jauregui, vista desde la ingenua admiración del joven Ismael, refleja la fuerza y la grandeza que aporta al personaje y a la narración su dimensión épica. Los demás personajes, el resto de la familia, narran en primera persona y, mediante la técnica del monólogo interior, piensan en las repercusiones que la acción tiene en sus vidas y sus deseos, aman, admiran, respetan y odian al padre, son en suma los que aportan a la historia la dimensión dramática.

En cuanto al autor, Ramiro Pinilla, un escritor vasco ya octogenario, destacar que con esta novela ganó el Premio Nadal de 1960 y tiempo después se apartó de los circuitos comerciales fundando una pequeña editorial que solo distribuyó en la zona de Bilbao y a precio de coste. No entraré a discutir las posibles razones o principios que le llevaron a tomar esa decisión pero si sus consecuencias, las de permanecer casi desconocido para el gran público durante todos estos años en los que ha desarrollado una obra considerable. Afortunadamente, no hace mucho, ha vuelto a entrar en la distribución comercial, espero que sin excesiva renuncia a esos posibles principios antes mencionados. En cualquier caso saludo su decisión que me ha permitido descubrir a un gran escritor vasco y esta novela suya que me parece excepcional desde muchos puntos de vista.

LA INSOPORTABLE BREVEDAD DEL SER

2011-02-12T21:39:00.004+01:00

En el cascoantiguo de mi ciudad hay una iglesia que es la más grande y e importante despuésde la Catedral. Estábajo la advocación de San Ildefonso y así consta en una larga inscripción enlatín que decora un friso bajo el frontón de su fachada principal: “DIVO ILDEPHONSO DICATVM”. Se comenzó aconstruir entre los siglos XIV y XV sobre los restos de una antigua capilla delXIII situada en el arrabal del mismo nombre localizado a extramuros de laciudad medieval, pero sufrió sucesivas reformas y ampliaciones que llegaronhasta el siglo XVIII. El resultado de tan largo periodo constructivo fue unaamalgama de estilos entre los que predomina el gótico, renacentista yneoclásico. La importancia del templo quedó consagrada cuando en el año 1430 la Virgen María, presunta ymilagrosamente, descendió sobre la ciudad y se dirigió en procesión hacia elmismo. Dice la leyenda que la aparición favoreció el cese repentino de unaepidemia de peste que diezmaba a la población. Sea como fuere, el milagromariano convirtió a la Virgenen patrona de la ciudad y a su iglesia preferida en santuario. Finalmente, el pasado año 2010 ha sido declarada basílica menor por el Papa BenedictoXVI, no porque arquitectónicamente tenga planta basilical, cosa muy común entrelas iglesias; se trata más bien de un privilegio litúrgico que le otorga elderecho a realizar determinados ritos y a lucir en su altar mayor las insigniaspapales.

Pero no voy a comentar aquí el ascenso meteórico de SanIldefonso en el escalafón jerárquico de los templos católicos. Tampocodescribiré su arquitectura y aspectos artísticos, aunque la iglesia tienebastantes peculiaridades reseñables, entre otras los contrafuertessemicirculares que aportan a su fachada norte un cierto aspecto de fortalezamedieval, o las dos torres de la fachada principal, ambas renacentistas perodistintas en forma tamaño y estructura.

Mi comentario secentrará sobre un detalle menor de su decoración, y es que son este tipo depormenores de escasa importancia los que a menudo atraen mi curiosidad y memotivan a reflexionar sobre los mismos. En este caso concreto me sorprendió laabundancia de escudos episcopales, tallados en piedra, que decoran la fachada.Son fácilmente reconocibles como tales porque sobre las armas aparece el capelo, típico sombrero de los prelados,y en los laterales las cuerdas con borlas, en tres o cuatro niveles según setrate de obispos o cardenales. La heráldica eclesiástica es muy frecuente enlas catedrales, que a fin de cuentas son la sede (seo) y cátedra delobispo, pero no tanto en las iglesias.La de San Ildefonso es una excepción y en una rápida inspección de la misma sedetectan hasta seis escudos, dos en la fachada norte flanqueando una portadarenacentista, y cuatro más en los cuatro niveles de la torre en su fachada dela misma orientación.

Los escudos sontodos de estilo renacentista y se grabaron entre los siglos XVI y XVII, justocuando se construyó la torre y la portada, por lo que, con cierta lógica, sepuede entender que pertenecen a los obispos que costearon dichas obras. Ladiócesis de la ciudad era en esta época una de las más ricas de España y elimpulso constructor de la catedral alcanzó también a la iglesia. Como el temploen su conjunto tiene unas dimensiones reducidas, el acumulo de escudos en sulado norte parece tener una clara finalidad, la de ser fácilmente vistos desdela plaza que domina esa fachada del mismo. El posible objetivo ahora nos parececlaro, mostrar al pueblo el mecenazgo episcopal.

En la antigüedadromana, los patricios ricos que ocupaban magistraturas en los municipios solíancostear la construcción de edificios públicos como teatros, templos, termas o ninfeos. A esta gran generosidad lallamaban munificencia (de municipiumy facio = hacer municipio) ygeneralmente era recompensada en las urnas con el ascenso en el cursus honorum. Además, los orgullososmecenas aspiraban a conseguir fama postrera y por ello colocaban sus nombresbien visibles en los frisos de los edificios que costeaban. Pero en la época deestos obispos constructores, lo común era el analfabetismo y la lectura eracasi exclusiva de las clases altas, los clérigos y los letrados (expertos enletras). El pueblo llano no hubiera podido leer sus nombres inscritos en lafachada de la iglesia, pero cualquier campesino era capaz de reconocervisualmente las formas y símbolos de los escudos de armas de condes, duques yprelados. Quizás los escudos episcopales estuvieron en su tiempo pintados envivos colores heráldicos para ser más reconocibles. Uno de ellos aún conservael rojo del capelo y las borlasesculpido en mármol de este color.

En resumen, nuestros obispos no sólo pretendían la eternidadcelestial que les prometía la religión, también aspiraban a la gloria terrena,a perpetuarse y proyectarse hacia elfuturo en la memoria colectiva, es decir, pasar a la historia. Con estaintención colocaron sus escudos en la fachada y torre de San Ildefonso. Pero alfin y a la postre creo que fracasaron en su intento. Hoy en día la heráldica esun lenguaje visual reservado a expertos y olvidado por la mayoría. En tanto quelectores, entendemos la dedicatoria latina de la iglesia de San Ildefonso perosomos incapaces de reconocer por sus escudos a nuestros prelados mecenas. Los estudiosose historiadores seguro que pueden conseguir sus nombres revisando los archivosdiocesanos, pero seguirán siendo unos auténticos desconocidos para el común delos mortales. En cuanto a los escudos, decolorados por el tiempo, se hanfundido con la fachada pasando a ser parte de la decoración de la misma, apenasreconocibles como tales.

Los seres humanos somos,entre todos los animales, los únicos conscientes de la muerte como final de laexistencia. La brevedad de la vida nos asusta y para superar esta insoportablesensación nos acogemos a la caritativa promesa religiosa de trascender ellímite natural de la muerte en una eternidad de ultratumba. A la mayoría nosconsuela saber que nuestros hijos son también como una forma de trascendencia ya quetransmitimos nuestros genes y de alguna manera sobrevivimos a través de nuestradescendencia. Para algunos, la fama es el medio de sublimar una vida breve yaspirar a la eternidad terrena. Pero la fama y la gloria postreras, más que unobjetivo, suele ser una consecuencia de la genialidad humana, algo reservado a unospocos y entre estos no suelen estar los mecenas. El genio convirtió a MiguelÁngel en artista universalmente reconocido pero muy pocos recuerdan a los papasque costearon sus grandes obras de arte. El único mecenas que ha pasado a lahistoria es el propio Cayo Cilnio Mecenas, el consejero y amigo de OctavioAugusto, protector de artistas, Virgilio y Horacio entre otros, que por sugenerosidad consiguió que su nombre fuera recordado y convertido en sinónimo depatrocinio artístico.

En fin, elmecenazgo de los obispos de San Ildefonso no consiguió el reconocimiento y lafama postreros, se quedó en intento vano, es decir, en pura vanidad. A ellos seles podría aplicar la frase latina de aquél cuadro tenebrista de Valdés Leal.Me refiero a ese que muestra un esqueleto mitrado en su ataúd: “FINIS GLORIAEMUNDI”.

Lope de Sosa

LA PERLA. John Steinbeck

2011-02-05T18:03:00.003+01:00

El escritor californiano John Steinbeck (1902-1968) pertenece una generación literaria que, durante la primera mitad del siglo XX, llevó a cabo una profunda renovación de la narrativa norteamericana imponiendo un nuevo estilo y unas técnicas novedosas que aportaron una contribución decisiva en el desarrollo de la novela contemporánea. El referente magistral de esta generación fue William Faulkner y otros miembros de la misma fueron Ernest Hemingway, John Dos Passos, y Scott Fitzgerald, por citar algunos de los más destacados. Entre las aportaciones técnicas de este grupo conocido como “la generación perdida”, está la ruptura del orden cronológico de la acción (“salto atrás”), o el llamado “monólogo interior” que pretende reproducir el flujo de los pensamientos íntimos del personaje.

En este contexto literario, la obra de John Steinbeck, considerada globalmente, destaca por su fuerte contenido social y creo que este aspecto fue decisivo cuando se le concedió el Nobel de literatura en 1962. Sus dos obras más famosas fueron “Las uvas de la ira” (1939) y “Al este del Edén” (1952), ambas llevadas al cine, pero también son muy conocidos títulos como “A un dios desconocido”, “Viva Zapata” o “La perla”.

Casi todas las novelas de Steinbeck están ambientadas en su California natal y tienen como protagonistas las minorías sociales oprimidas; los emigrantes campesinos pobres (Las uvas de la ira), los peones itinerantes (La fuerza bruta), la emigración mejicana (Tortilla Flat), o la minoría india californiana (La perla). Sus personajes muestran la dignidad de los pobres atrapados en un mundo injusto, que luchan por sobreponerse a la miseria, humanos y casi heroicos a pesar de su derrota.

Volviendo a la novela que es objeto de este comentario, tengo que decir que “La Perla” es un claro ejemplo de como se puede contar una buena historia en menos de cien páginas. Y es que, a menudo, relacionamos calidad con extensión de la narración y esto no siempre es así. En este caso se trata de un argumento sencillo, escrito en una prosa igualmente sencilla y directa, narrada en tercera persona, escasa en diálogos, con economía y al mismo tiempo gran precisión en los aspectos descriptivos. Como dato curioso cabe destacar el uso repetitivo e intencionado de la conjunción “y” que en mi opinión sirve para dar mayor énfasis a la narración. Se podría decir que se utiliza el lenguaje cinematográfico propio de un guión, y en efecto la novela, como otras del autor, fue llevada finalmente al cine. El argumento y la acción mantienen sobradamente la atención del lector, con momentos especialmente intensos como la persecución por el desierto.

La historia está basada en una leyenda escuchada por Steinbeck durante sus viajes por la baja California, en la zona del golfo del mismo nombre. Los personajes son una pareja de indios y su hijo de pocos meses, una familia humilde, de un pueblo indígena apegado a una cultura ancestral ligada a la naturaleza; seres felices en su pobreza, de una religiosidad sincrética entre el cristianismo y sus antiguos dioses y genios telúricos, orgullosos y al mismo tiempo recelosos del hombre blanco que durante siglos los ha dominado y humillado. El hallazgo de una perla les cambia totalmente la vida por cuanto desencadena la ambición, la envidia y el acoso de su entorno social que les procurará la desgracia sin conseguir la prometida riqueza. El relato encierra una moraleja: “no hay salvación posible para los pobres”, pero esto no implica un claro planteamiento ideológico por parte del autor sino una descripción de la situación de los humildes en la sociedad californiana, un mundo hostil donde la muerte, la miseria y la codicia forman parte de lo cotidiano, pero donde también hay lugar para el amor y la solidaridad.

En fin, se trata de una gran novela a la cual se puede aplicar la máxima de Gracián: “lo bueno, si breve, dos veces bueno”.

NIKE: MITO Y SIMBOLISMO

2011-01-29T18:46:00.015+01:00

En una céntrica plaza demi ciudad se levanta el monumento conocido como “de las Batallas”, dedicado a dos de ellas, famosasvictorias de cristianos contra moros yde patriotas españoles contra Napoleón. Fue mandado erigir a principios delsiglo XX patrocinado por un político conservador e “ilustre prócer” local, esosí, sufragado mediante suscripciónpopular. Se trata de un plinto trapezoidal en piedra con sendos gruposescultóricos en bronce alusivos a lasbatallas, rematado todo por una gran columna coronada a su vez por una Nikévictoriosa. Durante años lo he mirado al pasar por el lugar pero hasta hacepoco no lo he visto realmente, es decir, no lo he observado o analizado. Frutode este examen visual son lasreflexiones que siguen.

Niké nació como diosa menor de la mitología griega, tan aficionada adeificar las ideas y virtudes humanas ya humanizar a sus dioses. Es la personificación de la victoria en la guerra ytambién la deportiva que, al fin y al cabo, es una forma simbólica de competición guerrera. Las fuentes míticas no coinciden sobre susancestros, unas la hacen hija de Zeus y otras del titán Palas, pero todascoinciden en representarla como doncella alada en actitud de correr. Siendo laguerra y el deporte actividades propias de hombres en el mundo antiguo (Ares yZeus olímpico eran sus dioses protectores) puede resultar paradójico que Nikése represente como mujer. No lo es tanto si se piensa que la mentalidadpatriarcal consideraba a las mujeres seres volubles, caprichosos e inconstantes(“la donna è mobile qual piuma al vento” – Rigoletto). La actitud decorrer y las alas implican rapidez, pero el vuelo además de movimiento rápidosupone, al menos en las aves, frecuente cambio de dirección y sentido. Así lavictoria, mujer alada, mejor si es rápida pero también es inconstante y cambiacon frecuencia de bando. No en balde “voluble” y “volar” parecentener la misma raíz fonética.

Los atenienses del sigloV a.C. después de derrotar a los persas en las guerras médicas y tras ladecisiva victoria naval de Salamina (480 a.C.), dueños de un imperio marítimo en elEgeo, asimilaron a Niké con su diosa Atenea y orgullosos de sus triunfosle consagraron un pequeño y elegante templo jónico en el lado oeste de la Acrópolis, junto a laentrada de los Propileos. La imagen de la diosa que albergaba la cellaera también conocida como Niké Aptera (victoria sin alas) queriendo conello simbolizar que nunca se movería de Atenas. Menos de un siglo después (414 a.C.) la flota ateniense fue destruida en el puerto siciliano de Siracusa mientras que sus hoplitaseran masacrados por la caballería siracusana en las marismas que rodeaban laciudad. La Niké Apterano voló pero sin duda salió corriendo del templo porque fue el fin de la hegemoníade Atenas.

Niké se hacía acompañar a veces por Feme(la Fama),otra doncella alada que pregonaba la victoria tocando una trompeta. Esta diosaera aún más voluble y caprichosa que su compañera porque en ocasiones tambiéncantaba las derrotas famosas de los griegos como fue el caso de “lasTermópilas”.

En la cultura latina llamaronVictoria a Niké y la dotaron dedos nuevos atributos que reforzaban el simbolismo guerrero de la misma, lacorona de laurel y la palma. El laurel era el árbol resultante de lametamorfosis de la ninfa Dafne perseguida por Apolo. El dios enamorado trenzódos de sus ramas en una corona que en principio era otorgada como premiodeportivo a los vencedores de los juegos Píticos y Olímpicos. Los romanos, ya en tiempos de la República,convirtieron la corona de laurel en símbolo de victoria militar. En losdesfiles triunfales que terminaban en el Capitolio de Roma un esclavo sujetabala corona de laurel sobre la cabeza del general vencedor.

En la parte oriental delimperio la Victoriafue representada con una palma como símbolo triunfal. Nada extraño si seconsidera que las palmeras abundaban en los oasis de Oriente Medio y la escasezde laureles en aquellas latitudes.

El cristianismo acabócon el mito de Niké pero conservó sus símbolos triunfales, en especialla palma. Jesús hizo su entrada triunfal en Jerusalén rodeado de palmas y a losprimeros cristianos perseguidos se les concedía “la palma del martirio”. Amuchos santos se les representa con una palma. Está el caso concreto de SantaCatalina de Alejandría la patrona de mi ciudad. Algunos la consideran como unacreación mítico-literaria del cristianismo como contrapunto de la filosofaalejandrina Hipatia, la primera mártir pagana. En cualquier caso, mito o real,a Santa Catalina se la representa con la rueda con pinchos, rota milagrosamentemientras la torturaban, y la palma del martirio final símbolo del triunfofrente al paganismo.

A partir delRenacimiento se consolidó definitivamente la evolución de la antigua diosa Nikédesde el mito al símbolo. Su imagen o sus atributos fueron profusamenterepresentados como alegoría de la victoria en pintura y escultura.

En el siglo XX las ideologías totalitarias,fascismo, nazismo y comunismo abusaron de estos símbolos de triunfo y victoria.Quizás por eso preferimos actualmente destacar el triunfo deportivo sobre elmilitar. Una Niké con corona de laurel aparece en el anverso de lasmedallas olímpicas, su nombre es lamarca comercial de una conocida empresa de artículos deportivos y susalas esquematizadas figuran en el logotipo de dicha marca. Todo un símbolo dela niké del capitalismo.

Lope de Sosa

AL ROJO VIVO. Antonio Forcellino

2011-01-25T19:30:00.009+01:00

El Renacimiento (siglos XV y XVI) es una de las épocas mas apasionantes de la historia italiana. Un periodo de fuertes contrastes. Por un lado el esplendor del humanismo, el retorno de la cultura clásica grecolatina y su triunfo en la literatura y las artes, con figuras de la talla de Leonardo da Vinci, Miguel Ángel o Tiziano, entre una enorme pléyade de artistas. De otro, la corrupción del poder eclesiástico, los Borgia, la venta de bulas e indulgencias pontificias para sufragar las grandes obras vaticanas, la lujuria de los cardenales de Roma, el nepotismo, las ambiciones políticas de los Papas, y la intransigencia religiosa, más propia del Medievo, representada por la Inquisición. El fracaso de los intentos reformistas en el seno de la Iglesia, personificados en Erasmo de Rotterdam, abocaron a la reforma luterana y a las guerras de religión de finales del XVI y principios del XVII.

En este contexto histórico Italia se convirtió en un auténtico tablero de ajedrez en el juego de las ambiciones políticas europeas. Los grandes poderes de la época eran el Reino de Nápoles al sur, controlado por Aragón y luego España, los Estados Pontificios en el centro, y al norte el ducado de Milán y las repúblicas de Florencia y Venecia. Entre estos últimos y los estados papales había toda una serie de pequeños ducados como Ferrara, Modena, Parma, Urbino, o Mantua, todos ellos controlados por familias como los Este, Gonzaga, Sforza, Farnesio, Colonna u Orsini, que colocaban a sus hijos en la curia cardenalicia con intención de aspirar al papado o establecían alianzas políticas, vía matrimonial, continuamente hechas y desechas según soplaran los vientos políticos que venían desde Francia, España o el Imperio, las grandes potencias extranjeras que aspiraban a dominar Italia.

La novela histórica que comento hoy, “Al rojo vivo”, atrajo mi atención por la breve sinopsis de su contraportada que centraba la acción en esta convulsa Italia de la primera mitad del XVI, cuyas protagonistas, históricas casi todas, son un grupo de princesas de aquellas casas nobiliarias que, inspiradas por las ideas humanistas de Erasmo y su discípulo Juan de Valdés, intentaron iniciar un movimiento reformista de la Iglesia durante el pontificado de Paulo III de Farnesio y promocionar al papado al cardenal inglés Reginaldo Polo. Este intento fracasó con la Contrarreforma iniciada en el Concilio de Trento y la llegada al pontificado del antiguo inquisidor, el cardenal Caraffa (Paulo IV).

Tras la lectura de esta novela tengo que admitir que ha defraudado mi interés inicial. La narración tiene un comienzo prometedor que poco a poco conduce al aburrimiento cuando se comprueba la ausencia de acción, de auténtica tensión narrativa, y el relato se reduce a una mera crónica social que sólo pretende reflejar las costumbres, vestidos, y etiqueta cortesana de la época.

La protagonista central, la única ficticia, una cortesana, es un ser pasivo que contacta con toda una serie de personajes históricos apenas insinuados y no adquiere verdadero protagonismo hasta el final un poco forzado. Parece más bien un personaje secundario que deambula de un sitio a otro con el único objeto de justificar la presencia de los otros personajes históricos. En cuanto a éstos últimos son descritos de forma superficial, en sus rasgos físicos y vestimentas que en realidad reproducen sus imágenes representadas en otros tantos cuadros de pintores famosos de aquella época, pero casi nada de sus ideales o su personalidad.

Cuando he buscado información sobre el autor, Antonio Forcellino, resulta que es un importante restaurador italiano, especialista en Miguel Ángel, con importantes trabajos publicados sobre arte pero casi nula experiencia literaria. Eso explica el fracaso de esta obra como pretendida novela histórica que quizás hubiera tenido más éxito como ensayo artístico o histórico prescindiendo de sus aspectos de ficción.

Para terminar de arreglarlo, la traducción es abominable hasta el punto que parecería hecha por un estudiante italiano de Erasmus, de vacaciones en España, después de una fiesta de “botellón”. Son muy frecuentes los errores de género en los artículos o la confusión de términos, tales como “convenio” por “convento”, “exterminado” por “extenso” o “celante” por “celoso” y hasta se permite crear neologismos inexistentes en nuestra lengua como "escandido".

En resumen, la lectura de esta novela me parece totalmente desaconsejable. Si yo fuera aquél personaje de Vázquez Montalbán, el detective Pepe Carvalho, que encendía la chimenea con libros de su biblioteca, éste sería sin duda el primero que arrojaría al fuego purificador.

LA PESTE. Albert Camus

2011-01-16T13:48:00.002+01:00

Albert Camus, junto a Jean-Paul Sartre y Simone de Beauvoir, es uno de los representantes más destacados del existencialismo francés de postguerra. En su corta vida desarrolló una importante producción literaria, como novelista, dramaturgo, y ensayista, fuertemente impregnada de su pensamiento político y filosófico. En política abandonó su militancia comunista tras el pacto germano-soviético de 1939 derivando hacia el anarquismo, y en filosofía, partiendo de un existencialismo ateo, evolucionó hacia posturas nihilistas. Su principal originalidad dentro de este movimiento fue la formulación de la llamada “filosofía del absurdo” mediante la cual rechaza la necesidad de encontrar un sentido o significado a la existencia del hombre dentro del universo. Es el racionalismo humano el que tiende a buscar relaciones de causa-efecto y cuando fracasa en este intento se llega al “absurdo” que, de forma paradójica, puede ser positivo ya que cuando ponemos en duda la necesidad racionalista de dar un principio o una causa a todo, hacemos al mismo tiempo que “lo absurdo” se desvanezca.

La Peste (1947) es quizás la novela más representativa de Camus. Escrita en un estilo sobrio al modo de una crónica, narra lo sucedido en la ciudad argelina de Oran durante una supuesta epidemia de peste que obliga al aislamiento de sus habitantes. El relato, las vivencias, y los diálogos de los personajes, dan pie al autor para manifestar sus ideas filosóficas, bien mediante el discurso o la alegoría. La epidemia simboliza el sin sentido, el “absurdo”, no sujeta a reglas claras en cuanto a su transmisión y desarrollo, algo contra lo que apenas se puede luchar, un desafío al racionalismo que hunde al hombre en la angustia al tiempo que lo aísla, lo exilia de sus semejantes, y le hace perder la libertad, una cualidad esencial según el existencialismo ya que sin ella el hombre no puede desarrollar su existencia, hacerse a sí mismo, y en consecuencia pierde su esencia y no es.

La peste da motivo además para confrontar la actitud religiosa y atea frente al desastre. La crítica del autor es aquí implacable. El cura Paneloux que se enfrenta a la epidemia con sermones y rogativas y la justifica mediante el recurso a la expiación del pecado y los designios divinos, termina dudando cuando presencia la muerte de un niño inocente y se incorpora a la lucha activa y pragmática contra la enfermedad.

La narración es también una alegoría crítica de las ideologías totalitarias, en concreto al régimen nazi y sus efectos devastadores en la Europa ocupada durante la pasada guerra. Entre los personajes podemos distinguir sin confusión al resistente, al colaboracionista y a muchos otros, en tanto que las situaciones descritas en el relato aluden claramente a los campos de exterminio nazi, los hornos crematorios, a la victoria final sobre el nazismo y la represión de los colaboradores.

La obra destaca la miseria del hombre pero también es un canto sus virtudes, en especial a la solidaridad que, para Camus, debe de estar desprovista de sentido religioso (caridad) o moral (bien, deber), para ser una opción libre mediante la cual nos hacemos y formamos como hombres en el devenir de nuestra existencia.

El existencialismo es una filosofía con algo de mala prensa, que se nos presentó usualmente como “políticamente poco correcta” y eso por su ateismo beligerante, su tendencia nihilista, y su exaltación del individuo frente a la sociedad. En los libros de historia de la filosofía de nuestra educación media era apenas un nombre y el de sus representantes, al tiempo que se destacaban sólo sus connotaciones supuestamente negativas, ateismo, comunismo etc. En fin, podemos discrepar con algunos de sus postulados pero debe reconocerse su aportación como el último de los grandes movimientos de la filosofía occidental.

La Peste es en resumen una obra rica en matices, para mí una especie de “asignatura pendiente” de lectura, que enriquece si consigues desprenderte de la etiqueta de “maldita” que en su tiempo, y lugar, le endosaron injustamente.

BALADA TRISTE DE TROMPETA. Álex de la Iglesia

2011-01-07T21:42:00.002+01:00

Españolito que vienes

al mundo, te guarde Dios….

Campos de Castilla. Antonio Machado

Hace menos de un mes del estreno de “Balada triste de trompeta” y ya se ha convertido en motivo de polémica. Una parte de la crítica la alaba como obra magistral de belleza atractiva y destaca su ritmo vertiginoso o las imágenes impactantes e imprevisibles, mientras que otro sector de la misma la califica de histriónica sucesión de cuadros enloquecidos sin un auténtico desarrollo narrativo. Parece que el público también está dividido y parte de los espectadores quedan impresionados por los aspectos estéticos antes mencionados pero dicen no entenderla.

En cuanto a esto último tengo que decir que la película es muy clara en su desarrollo argumental, sólo hay que manejar unas pocas claves para desvelarla, para poder y querer entender.

El argumento es simple, un triángulo amoroso en el que dos payasos luchan por el amor de una trapecista. La historia se desarrolla entre 1937 y 1973, dos fechas que encierran un simbolismo numérico, principio y final de un ciclo histórico, el franquismo. Y es este marco histórico el que nos sirve de puerta que tenemos que atravesar para pasar desde el plano argumental a otro plano, el alegórico. En esta segunda lectura, los personajes adquieren su definición simbólica, y nada de sus rasgos nos resulta ya casual. El payaso triste y el tonto, la trapecista, los niños, son alegorías y al comprenderlas adquiere sentido la sucesión de escenas y junto a lo que es manifiesto (barbarie de la guerra, Valle de los Caídos) se nos desvelan otros aspectos más sutiles; el miedo, la humillación, la resistencia, la venganza etc. El director y guionista entona así su particular balada triste…”por un pasado que murió” sin aparentes heridas, cauterizadas, suturadas y cicatrizadas durante la Transición. Un pasado que algunos no entienden porque no lo vivieron ni se lo contaron, y otros no quieren entender.

Por cierto, los créditos iniciales son en sí mismos una auténtica declaración de intenciones de lo que será la película. Con fondo de tambores militares de Semana Santa se presenta una sucesión de fotogramas del franquismo que alternan escenas dramáticas con otras castizas y folclóricas, personajes políticos y de la farándula. Se trata pues de una comedia dramática. Se intercala, de forma casi subliminal, una foto del film de los 80 “Holocausto caníbal” y esto, junto a las risas infantiles de fondo a los patrocinios oficiales, parece sugerir que tiene además tintes de horror y cómicos. La película es todo eso y mucho más. Un producto típico, quizás la mejor de Álex de la Iglesia, un director con gustos estéticos que tienden a lo surrealista, a los fuertes contrastes, y al esperpento.

Conviene leer el blog del propio director sobre el film, en él se esboza el proceso que le llevó a escribir el guión, la elección de los personajes, y nos muestra sutilmente algunas de sus motivaciones.

En resumen “Balada triste de trompeta” es una película de acción trepidante, original en su planteamiento, y también una metáfora visual. Podrá gustar o no pero es muy clara porque no oculta nada, quiera o no quiera verse.

ORQUESTA DE UDMURTIA

2010-12-29T21:04:00.002+01:00

Ayer fui invitado a un concierto de música clásica patrocinado y sufragado por una conocida institución bancaria, cosa muy de agradecer en vista a “lo que está cayendo” con la crisis económica. Aunque sea ocasionalmente, alegra ver que no se ha olvidado del todo aquello de la “obra social” uno de cuyos objetivos era la promoción de la cultura.

Los interpretes eran la Orquesta de Udmurtia y tengo que reconocer que ante este nombre, entre peliculero y cómico, tuve mis dudas ya que era día 28 de diciembre. Fiel al principio de “lo que no está en Internet no existe”, consulté con el oráculo de Wikipedia que me confirmó la existencia de la república del mismo nombre, perteneciente a la Federación Rusa y situada en los confines orientales de la estepa, próxima al Asia Central. Sus habitantes son rusos eslavos en su mayoría, pero también nativos, los udmurtios, al parecer de raza turcomana, primos de sus vecinos asiáticos, los cazakos, uzbekos, tayikos etc. A pesar de tener su propia historia, quien sabe si grandiosa, su única proyección mediática a nivel internacional es el haber sido el lugar donde nació Tchaikovsky. En fin, la consulta confirmó la validez del principio antes mencionado (Udmurtia también existe) y mi propia incultura geográfica.

El programa era el típico de los conciertos navideños, piezas cortas de música clásica junto a temas modernos del cine, en todo caso obras muy conocidas del público. Estaba dividido en dos partes que fueron interpretadas sin solución de continuidad, e integrado por piezas casi coincidentes con lo indicado en el folleto; se omitió el vals “Danubio Azul”, y se añadió “Candilejas” de una conocida película de Chaplin. Se comenzó con obras clásicas entre ellas fragmentos de Tchaikovsky, de la ópera “Carmen”, el “Capricho Español” de Rimsky-Korsakov y alguna más. Se pasó luego a un bloque de música de películas, para mi gusto el más deficiente, con algunas versiones bastante discutibles. Terminaron en plan “Concierto de Año Nuevo” vienés, con obras de Strauss, entre ellas el “Vals del Emperador”, la “Marcha Napoleón”, un grupo de animadas polkas, para terminar con la tradicional “Marcha Radezky” y un final navideño a base de “Jingle bells”.

El director era un auténtico histrión que no sólo animó a la participación del público incitándolo al acompañamiento con palmas sino que subió al escenario a varios espectadores para dirigir la orquesta e incluso montó algunas escenas cómicas en las que se desentendía de los músicos que iban por libre tocando sin su ayuda.

En conclusión, un concierto muy ameno y adecuado a estas fiestas navideñas. Confirma que la música clásica no sólo es un goce para los sentidos, produce sensaciones, o exalta la emotividad; también puede ser un espectáculo divertido.

CANTA LA HIERBA. Doris Lessing

2010-12-26T21:08:00.004+01:00

Cuando Doris Lessing recibió en 2007 el Nobel de Literatura era para mí una perfecta desconocida, a pesar de que por entonces había recibido ya el reconocimiento internacional a su dilatada carrera literaria y un abundante palmarés de premios europeos mucho menos mediáticos, entre ellos el Príncipe de Asturias de 2001. Me sorprendió entonces verla por TV cuando los periodistas fueron a darle noticia del prestigioso premio. Era una anciana de aspecto frágil, humilde y sencillo, que reflejaba mucha serenidad en sus respuestas. Y sin embargo el comienzo de su andadura vital no fue en absoluto apacible. Pasó su infancia y juventud en la colonia africana de Rodesia agobiada por una madre, autoritaria en exceso, que la llevó a independizarse con trece años y a educarse de forma autodidacta. Desempeñó varios trabajos y entre los 19 años y los 30 años tuvo dos matrimonios y tres hijos, fue militante marxista y tomó conciencia de los conflictos raciales de la colonia. Finalmente a los 36 años se fue a vivir a Londres donde inició su carrera literaria, en una primera fase de marcada tendencia social, anticolonialista y antisegregacionista lo que le valió la prohibición de entrada en Sudáfrica y Rodesia. En la década de los 60, abandonó desilusionada el marxismo y en su obra más conocida, “El cuaderno dorado” adopta posturas feministas.

En resumen, Doris Lessing es una escritora de fuerte personalidad muy marcada por su propia experiencia vital que transmite en toda su obra. Como aspecto negativo algunos le han criticado su dedicación en los últimos años a la literatura de ciencia ficción de escasa calidad.

“Canta la hierba” (1950) fue su primera novela y en ella muestra ya una calidad literaria propia de una escritora madura. Comienza con el relato de un crimen que parece anunciar una trama de investigación policial y entonces nos sorprende con lo que en literatura se llama analepsis, (flashback en cine), una técnica retrospectiva que altera la secuencia cronológica de la historia volviendo la acción al pasado. De esta forma la escritora se centra en narrar la experiencia de los personajes y como se ven arrastrados al dramático final. Destaca el profundo análisis psicológico de la protagonista central, Mary Turner, en el que manifiesta una clara inspiración autobiográfica.

La acción se desarrolla en Rodesia durante los años 40. Los Turner son un matrimonio de colonos agrícolas que fracasan en su empeño de rápido enriquecimiento y son considerados por sus vecinos como “blancos pobres”, es decir, el máximo exponente del fracaso social. La narración avanza mostrando el lento proceso de autodestrucción de los protagonistas provocado por la rutina, el aislamiento, los prejuicios sociales y el fracaso en la relación con los nativos. En este ultimo aspecto destaca el ambiente de tensión racial impuesto por el racismo de los colonos y el régimen de segregación racial (apartheid). En cuanto al marco geográfico también desempeña un papel destacado en el hundimiento de los personajes. La autora describe las tierras de Rodesia de forma ambivalente; admira la belleza natural de la sabana africana (veld), del paisaje desolado y agreste, la maravilla de color de los amaneceres, pero detesta la dureza del clima, el calor y la sequía. En este ambiente de aislamiento rural y de precariedad de vida, la sucesión de las estaciones y los duros condicionantes climáticos contribuyen también a la desintegración y hundimiento psicológico de los personajes.

Se trata pues de una obra con importante matiz autobiográfico, cuyo eje central es un profundo retrato de la psicología femenina y también una evidente crítica del racismo. Una buena novela, realista y dura, no demasiado apropiada para lectoras con tendencia depresiva.

NOVENA SINFONÍA "CORAL" // CARMINA BURANA

2010-12-17T22:07:00.004+01:00

El último concierto al que he asistido ofrecía una programación interesante, dos obras de gran popularidad con destacada participación de coros y solistas; nada menos que la Sinfonía nº 9 de Beethoven y los Carmina Burana de Carl Orff interpretadas por una orquesta ucraniana y coros de Bielorrusia.

La Novena es quizás la sinfonía de Beethoven más famosa y reconocible por el público. Fue estrenada en 1824 y en su época sorprendió por su ultimo movimiento, un inusual final coral basado en la “Oda a la Alegría” de Schiller que desde entonces se ha convertido en símbolo de hermandad y libertad, alcanzando el honor de ser actualmente el himno oficial de la Unión Europea.

Cuando oyes interpretar esta obra, en mi caso es la tercera vez, te vienen a la mente palabras como grandiosa, sublime o apoteosis pero sobre todo comprendes lo que significa genialidad, la de un hombre al final de su vida, aquejado por las enfermedades y completamente sordo que es capaz de componer música de una belleza inigualable. El recitativo y los coros de la “Oda a la Alegría” es una de las pocas composiciones musicales que me produce al oírla un escalofrío de emoción.

Y aún así, tengo que reconocer que esta última interpretación de la “Coral” me ha gustado menos que las anteriores. Para empezar, el desarrollo o la ejecución de la melodía era más lento de lo habitual lo que le restaba energía y brillantez al conjunto de la obra. En cuanto al bajo, el solista mas destacado, era deficitario en volumen de voz y tenía una tesitura más parecida a la de barítono, es decir más aguda, y por eso fracasó en el recitativo inicial de la “Oda a la Alegría”, un solo que sorprende por su tono grave sin apenas acompañamiento musical. A este bajo se le podía aplicar sin duda la primera estrofa de su recitativo “O Freunde, nicht diese Töne!“ (¡Oh amigos, no en esos tonos¡).

La interpretación correcta es la que sigue:

Oda a la alegria. "O Freunde"

Me gustó bastante más la segunda parte del programa, los Carmina Burana. El coro tuvo una estupenda actuación, como en la obra anterior, y entre los solistas, la soprano era muy buena. En un momento de su interpretación sostuvo una nota durante tanto tiempo que pensé que estaba al borde de la apnea. El supuesto tenor tenía una clara tesitura de contratenor, es decir la voz masculina mas aguda y parecida a la femenina, típica de los antiguos “castrati“, pero en este caso su actuación fue corta y además no desmejoraba el conjunto.

La obra de Carl Orff fue compuesta en 1936 y se define como cantata escénica porque además de la participación de orquesta, coros, y solistas, puede ser representada en escenas, aunque esto último no suele ser habitual. Está compuesta por 25 canciones, la mayoría en latín (carmina), seleccionadas de una colección de cantos goliardos, de los siglos XII y XIII, encontrados en la abadía benedictina de Beuern (Bura en latín). Son poemas en los que se exalta el goce de vivir, los placeres carnales y el disfrute de la naturaleza, junto a sátiras contra los poderosos y los eclesiásticos. Los cantos están agrupados en tres bloques dedicados a la primavera, los placeres de la bebida, y los amorosos. El prólogo, repetido al final es el famoso canto “Fortuna imperatrix mundi” que destaca el papel de la suerte y el destino en la vida humana.

En la obra la participación de la orquesta se reduce al mínimo aunque es destacable la importancia y riqueza de la percusión. La melodía suele ser repetitiva a lo largo de las estrofas de las canciones y destaca el ritmo que da variedad y riqueza al conjunto que adquiere así un aspecto de música elemental y primitiva muy acorde con la ambientación medieval de los cantos.

Es la primera vez que asisto a la interpretación de los “Carmina Burana” y no me ha decepcionado. Es tan espectacular como esperaba.

Fortuna Imperatix mundi

EL ÚLTIMO CATÓN. Matílde Asensi

2010-12-15T20:18:00.006+01:00

Desde siempre he sentido cierto recelo hacia los best seller porque entiendo que calidad literaria y éxito de ventas no van siempre de la mano. Antes de decidirme a leerlos acostumbro a esperar varios años y durante ese tiempo valoro las críticas y las opiniones de otros lectores sin que ello suponga objetividad por mi parte ya que mi decisión final suele ser fruto de un impulso más que del análisis.

Así ha ocurrido con “El último Catón” un absoluto éxito editorial desde que fue publicada en 2001. Matilde Asensi es una buena escritora de novela histórica y de aventura. Ésta pertenece a un género que podíamos llamar de “suspense esotérico” que llegó a su máxima popularidad en 2003 con otro gran best seller, “El código da Vinci” de Dan Brown, y que desde entonces ha propiciado la aparición de muchas novelas de este tipo, no todas buenas y muchas incluso lamentables, amparadas en la adhesión del público hacia esta literatura mezcla de misterio, fantasía, y divulgación.

Ciertamente el esoterismo es un auténtico filón para este tipo de literatura. Todo un conjunto de cultos iniciáticos, filosofías mistéricas, antiguas sectas heréticas, órdenes militares con rituales sincréticos, organizaciones esotéricas elitistas, textos sagrados apócrifos rechazados por la religión oficial y un largo etcétera. Toda esta tradición mistérica se manifestó a lo largo de la historia mediante una exuberante simbología, fruto de la ilegalidad, la persecución, o el elitismo de los iniciados, y en todo caso confusa por cuanto se presta a múltiples interpretaciones. En fin, las ciencias esotéricas son de difícil estudio histórico pero muy aptas para estimular la fantasía del lector.

El esquema de estas novelas suele ser muy parecido. Pueden comenzar con un suceso de tipo policíaco rodeado de misterio pero también de símbolos. Los protagonistas, muy cultos y con trabajos relacionados con el arte, emprenden una investigación deductiva basada en estos símbolos que a veces los lleva a soportar pruebas peligrosas y a profundizar en sucesivos misterios encadenados. Algo parecido a un camino iniciático en el que aparece velada y semioculta la presencia de una supuesta secta esóterica que pretende ser la guarda y defensora de un importante secreto que debe ser desvelado.

Aunque el lector espera impaciente el desenlace, la trama se hace a veces tan complicada que se necesita un final rápido que corte y explique de lleno la maraña argumental; algo parecido al “deus ex machina” de las antiguas tragedias latinas. Con frecuencia este final desilusiona un poco a veces por ingenuo, otras por excesivamente fantástico, y suele dejar algunos puntos oscuros si se pretenden explicar todos los misterios argumentales. Cuando se produce el desenlace el lector comprende que en realidad es lo que menos importa. Lo interesante es en suma el proceso de búsqueda, rico en simbología y fantasía, es el camino y no la meta.

Para terminar, debo de aclarar que después de “El código da Vinci” he leído unas cuantas novelas de este género, casi todas bastante malas, a veces rozando lo ofensivo para la inteligencia de un lector medio. Por comparación esta de Matilde Asensi me parece buena, bien construida y en muchos aspectos superior a la más popular de Dan Brown. Se lee con facilidad e interés.

ESPAÑA, SUEÑO Y VERDAD. María Zambrano

2010-12-05T17:58:00.004+01:00

María Zambrano (1904-1991) fue una figura destacada de la intelectualidad española del pasado siglo y no obstante la gran desconocida para una amplia mayoría de lectores, debido en parte a un prolongado exilio de nuestro país (1937-1984) y a su filiación política republicana, algo decisivo en su biografía pero poco importante en el contenido de su obra literaria esencialmente dedicada a la filosofía.

Fue discípula de Ortega y Gasset y durante su formación mantuvo contacto y amistad con intelectuales de las generaciones del 98 y del 27, entre otros con los poetas Antonio Machado, Luis Cernuda y Miguel Hernández. En su juventud vivió en Segovia, Madrid, Valencia y Barcelona y en su exilio viajó y residió en Chile, México, La Habana, París, Roma y otros lugares de Francia e Italia. Era pues una mujer cosmopolita lo cual sin duda enriqueció su pensamiento que partiendo de la filosofía de Ortega, ecléctica entre racionalismo e idealismo (“razón vital”, “perspectivismo”), evolucionó hacia otro eclecticismo que podría definirse como “racionalismo poético” una filosofía con fuerte tendencia mística.

Para Zambrano la razón, que es duda y pregunta a un tiempo, es el método para explicar parte de la realidad, la de las cosas (verdad científica). Pero el racionalismo es insuficiente cuando buscamos la esencia de lo humano porque en el hombre subyace un fondo oculto y misterioso, caótico, primigenio y no revelado, algo que ella llama “sagrado” o “poético”. La “razón poética” es el método a seguir en la búsqueda de dicha esencia. Un método pasivo, basado en el ensimismamiento que conduce a una especie de revelación.

La presente obra está integrada por una serie de ensayos en los que la autora analiza algunos de los temas y personajes más sobresalientes de la cultura española. Mitos muy nuestros como Don Juan o el Quijote, personajes legendarios como el Cid; otros sobre la “mujer literaria” de Galdós, las ideas contrapuestas sobre la vida en Ortega (filosofía vital) y Unamuno (sentimiento trágico), y algunos dedicados a pintores como Picasso o a la ciudad de Segovia. En todos estos ensayos aparecen algunas de las ideas directrices de su filosofía que antes he intentado resumir, expresadas en un lenguaje muy parecido a la prosa poética.

Tengo que reconocer que es una obra interesante por su contenido e incluso por su estética, pero de difícil lectura, al menos para mí. Y es que me resulta complicado profundizar en la densa complejidad conceptual del lenguaje metafísico y más aún en el poético, tan dado a la introspección, tan intimista y, por tanto, tan personal del autor. Tengo pues que suponer que no estoy especialmente bien dotado para penetrar en el fondo de la especulación filosófica ni en la poesía, por más que pueda disfrutar de los aspectos formales y estéticos de esta última.

Repito, un libro interesante que obliga a una lectura detenida y profunda. Muy adecuado para aquellos aficionados a “la funesta manía de pensar”.

EL TERCER REICH. Roberto Bolaño

2010-11-24T20:47:00.003+01:00

Se trata de la novela póstuma de un escritor de fama póstuma. Roberto Bolaño (1953-2003) fue un poeta y novelista chileno educado literariamente en el exilio, primero en México y después en España, concretamente en Cataluña. Muerto prematuramente, fue uno de los representantes del “infrarrealismo”, un movimiento de vanguardia literaria muy crítica con la anterior generación de autores latinoamericanos consagrados oficialmente, los representantes del llamado “realismo fantástico”. Escritor controvertido, rebelde e hipercrítico, alcanzó el éxito tras su muerte, de forma paradójica en el mercado norteamericano cuando su obra fue traducida al inglés, y actualmente es uno de los autores de moda.

“El Tercer Reich” es una de esas obras difíciles de comentar porque la tentación de ser demasiado descriptivo puede arruinar la novela a futuros posibles lectores, algo que sería imperdonable porque se trata de una narración que mantiene un interés “in crescendo” hasta su desenlace.

El relato resalta lo inquietante que puede ser la realidad, lo aparentemente cotidiano y rutinario cuando se impregna de un halo de misterio. Nada más rutinario y apacible que unas vacaciones de verano en la Costa Brava que el protagonista, un joven experto en “wargames”, nos cuenta escribiendo un diario. Pronto se verá rodeado de personajes, misteriosos unos, inquietantes e incluso siniestros otros. Todo contribuye a enrarecer el ambiente que se torna obsesivo y mantiene en el lector una sensación de peligro indefinido que puede avocar a un desenlace fatal en cualquier momento.

En su conjunto creo que el relato explora lo imprecisa y borrosa que puede llegar a ser la frontera entre realidad y fantasía. En mi opinión es una obra interesante con bastantes aspectos originales en su desarrollo argumental.

Por cierto, el diseño de la cubierta del libro simboliza a la perfección mucho de lo que se ha comentado. La imagen de serenidad y normalidad representada por la bañista tomando el sol atravesada por la sombra que provoca la inquietud por lo desconocido, por una realidad revelada a medias.

LA VIDA BREVE / CAVALLERIA RUSTICANA

2010-11-20T21:51:00.004+01:00

De nuevo ópera en nuestra ciudad, con una programación doble; “La vida breve” de Manuel de Falla y “Cavalleria rusticana” de Pietro Mascagni, interpretadas por una compañía española, los Coros y Ballet Ópera 2001, junto a la orquesta búlgara de Pleven.

Me parecer acertado el haber reunido las dos obras en una sesión única porque coinciden en algunos aspectos y ofrecen así un conjunto armónico. Ambas son de corta duración, en uno o dos actos, lo cual facilita el asociarlas y cierta economía de medios en la representación escenográfica. Escritas entre finales del XIX y principios del XX, la acción se desarrolla en esa misma época, ambas son de un genuino ambiente castizo, localizadas en el Albaicín granadino la primera y en la Sicilia rural la segunda. Las dos son dramas de amor y en las dos tienen un papel destacado los coros y la danza como elementos asociados al canto.

“La vida breve” nos muestra el amor entre una gitana y un señorito “granaino” traicionado por este último cuando la abandona y se casa con una mujer de su clase. Durante toda la obra se repite el estribillo de un canto de los herreros del barrio gitano: “¡¡Malhaya quien nace yunque, en vez de nacer martillo¡¡”, una frase de clara resonancia social aplicada aquí al amor imposible entre amantes de distinta posición social, cultural y económica. Pero a pesar de su influencia romántica, la obra me parece algo fría y académica porque la acción resulta una perfecta excusa para mostrarnos el tipismo del lugar. Por eso lo más destacable de esta ópera son sus coros y sobre todo sus números de danza entre las que sobresale alguna, como la nº 1, muy reconocible por todos. Lo menos bueno, los personajes que en mi opinión tienen poca fuerza pasional. La gitana Salud (soprano) es más sufridora que apasionada en su amor y su novio Paco (tenor), marcado por el engaño, parece más un rufián que un buen amante.

La vida breve. Danza nº1



         En cambio la segunda obra, “Cavalleria rusticana” es de todo menos fría. La típica ópera italiana, drama con tintes de tragedia griega, de personajes afectados por fuertes sentimientos. En ella hay de todo, amor apasionado y amor despechado, celos, traición, honor ultrajado, venganza y hasta sacrificio generoso. Abundan aquí más las arias y los dúos entre la pareja principal Santuzza (soprano) y Turiddu (tenor) aunque también destacan los coros, en particular el “Regina coeli laetare” y un delicioso intermezzo musical próximo al desenlace del drama.

En fin, una estupenda noche de ópera.

Cavalleria rusticana. Intermezzo

Cavalleria rusticana. Regina coeli laetere

Cavalleria rusticana. Addio alla Madre

LA RED SOCIAL. David Fincher

2010-11-14T20:39:00.002+01:00

“La Red social” ha sido considerada por la crítica una de las mejores películas de este año 2010. En mi opinión lo más destacable es su excelente guión, adaptado de una novela de Ben Mezrich sobre Mark Zuckerberg, el creador de la red “Facebook”.

No pretendo aquí hacer una sinopsis de la trama argumental sino comentar algunos aspectos destacables de la misma. Mark Zuckerberg, es la representación iconográfica, la imagen del triunfador, entendido al modo norteamericano como “self made man”, hombre hecho a sí mismo que por su inteligencia, esfuerzo, y voluntad, crea un imperio económico y alcanza el máximo reconocimiento social. Es en fin el escalón más alto que se puede alcanzar en la llamada “american way of life”, exponente de la igualdad de oportunidades que en teoría ofrece la democracia americana.

Pero esta imagen del triunfo se ha actualizado y ahora vivimos en un mundo más acelerado, por eso el triunfador lo es cada vez más joven y el éxito no llega como resultado del esfuerzo de toda una vida sino gracias a ideas geniales o aptitudes físicas excepcionales, caso de los deportistas de élite. Un éxito prematuro que a veces es mal asimilado por adolescentes inteligentes hasta la genialidad pero inmaduros en el plano emocional. Así, en el camino hacia el triunfo van quedando al margen afectos y amistades traicionadas por la idea obsesiva de poder que, una vez alcanzado deja un resabio amargo porque no todo se puede conseguir.

El segundo aspecto a destacar en este guión es la importancia creciente de las nuevas modalidades de comunicación propiciadas por Internet. El papel de la prensa como creadora de opinión se ha visto superada por estas redes que además pueden provocar la movilización social. Hasta ahora hemos visto como mediante las mismas se puede convocar a los jóvenes para una “macrofiesta” o una concentración de protesta. Sólo el tiempo nos dirá si la movilización puede llegar a extremos revolucionarios y sin fronteras.

AKHENATÓN. Naguib Mahfuz

2010-11-05T21:37:00.007+01:00

No me parece una de las mejores obras de este escritor egipcio, Premio Nobel de 1988. Se trata de una novela histórica centrada en la figura de Amenhotep IV (1353-1336 a.C.), faraón de la XVIII dinastía que cambió su nombre por el de Akhenatón y protagonizó la primera revolución o reforma religiosa de la historia.

Hasta no hace mucho, los historiadores occidentales, quizás influidos por el cristianismo, vieron con simpatía la religión egipcia de Atón (el disco solar) al considerarla como la primera visión monoteísta de Dios en un mundo antiguo dominado por el politeísmo.

En la actualidad está aceptado que se trató más bien de una reforma de carácter político destinada a limitar el poder de la casta sacerdotal del dios tebano Amón. El padre de Akenatón, Amenhotep III, fue el primero en dictar leyes y medidas para limitar dicho poder pero fue su hijo, al que se atribuye un carácter de iluminado, el que materializó la revolución amarniana impregnada de pacifismo y tan conceptual que eliminaba las tradicionales representaciones antropomorfas del nuevo dios, algo que no casaba bien con la mentalidad egipcia y que a la larga la llevó al fracaso. En este ambiente de misticismo y deseos de paz universal, Ahenatón y su esposa, la famosa Nefertiti, se proclamaron únicos intermediarios entre el dios Atón y sus seguidores, al tiempo que fundaron una nueva capital llamada Aketatón (Tell-Amarna). Con estas dos medidas eliminaban de golpe el poder de los sacerdotes y acabaron con la hegemonía tebana convirtiendo así a la nueva religión en instrumento de revolución política, aunque de hecho el politeísmo no fue proscrito, sólo convirtieron el culto solar en la religión estatal.

La novela de Naguib Mahfuz aborda este conocido episodio del Antiguo Egipto dándole un enfoque relativamente original en el que los personajes históricos que rodearon al faraón, la reina madre Tiy, su maestro Ay, el general Horenheb o su esposa Nefertiti, entre otros, opinan sobre Akhenatón según su visión de los hechos y bajo la óptica de sus propios intereses particulares. Pero a pesar de todo la resultante es una narración algo monótona en la que el escritor egipcio sacrifica los que son algunos de sus principales valores literarios, su gusto por la leyenda y los cuentos populares, todo en aras de un afán de objetividad a la que no está obligada la novela histórica. En resumen, como historia no aporta nada y como relato pierde el misterio, el romanticismo y la chispa a la que nos tenía acostumbrado este escritor en sus otras novelas ambientadas en el antiguo Egipto.

ROMEO Y JULIETA. Sergéi Prokófiev

2010-10-24T12:58:00.014+02:00

El ballet y la ópera son géneros musicales en los que el canto y la danza clásica se asocian al teatro en un todo armonioso y magnífico. Por desgracia este tipo de espectáculos requieren un montaje costoso y hasta hace poco no era frecuente verlos fuera de las grandes ciudades como Madrid o Barcelona.
Este panorama ha cambiado en los últimos años gracias a las giras por España de algunas compañías rusas. Son grupos formados en la última década, que quizás operan como escuela y cantera de los grandes teatros de Moscú o San Petesburgo y están integrados por cantantes o bailarines jóvenes bajo la dirección de alguno de ellos ya consagrado. Se acompañan de pequeñas orquestas también rusas o de países centroeuropeos como Eslovaquia, Croacia o Chequia. Sus primeras figuras son jóvenes que han conseguido ya algunos premios de interpretación y se consagran o hacen curriculum en estas giras internacionales.

Gracias a este tipo de compañías de bajo presupuesto, hemos podido disfrutar en capitales de provincia de algunas buenas óperas y ballets, algo increíble hasta hace muy poco. No obstante, la crisis económica parece que también afecta a estos espectáculos y para ahorrar gastos ahora prescinden de la orquesta y nos ofrecen “música enlatada” con lo que claramente se empobrecen porque la peor de las orquestas es siempre superior al mejor de los equipos de sonido. De ahí mi decepción al comprobar que era el caso de esta representación del “Romeo y Julieta” de Prokofiev, con una música de enorme riqueza y expresividad artística que hubiera merecido la interpretación en directo.

Tras su publicación en 1935, la partitura de este autor ruso fue considerada “imbailable” por los directores del Bolshoi de Moscú debido a su complejidad y cierto carácter de música experimental. El tiempo no les dio la razón y tengo que decir que la coreografía de nuestra representación era excelente y se adaptaba perfectamente a la música. Para seguir en positivo debe destacarse la excelente actuación de la “primera bailarina” (Julieta) que nos deleitó con una excelente ejecución además de manifestar grandes dotes interpretativas en un papel de intensa emotividad. También destacable el bailarín que interpretó a Mercucio y bastante más modesto en su actuación el Romeo.

La representación de este “Romeo y Julieta” en nuestra ciudad pagó su deficiencia musical al precio de una baja asistencia de espectadores que apenas llenaron un tercio del aforo.

Montescos y Capuletos:

Danza de los Caballeros

ENSAYO SOBRE LA TOLERANCIA. Voltaire

2010-10-22T20:12:00.007+02:00

Hace más de doscientos años, los escritores de la Ilustración francesa definieron los conceptos políticos, éticos, y filosóficos que son la base de nuestra actual civilización occidental; división de poderes, laicismo estatal, contrato social, predominio de la razón, progreso científico, y tolerancia. En concreto esta última me sugiere una reflexión.

Desde que se formularon estos principios hemos sufrido en Europa toda clase de conflictos; revoluciones, dictaduras, guerras civiles, totalitarismos genocidas. Y cuando creíamos superados todos los fanatismos y estábamos cómodamente instalados en la democracia, el estado de derecho y del bienestar, basta una crisis económica para ver de nuevo el rebrote de la sinrazón en forma de xenofobia e intolerancia religiosa.

Por eso me resultó atractiva la lectura de este pequeño “Tratado sobre la tolerancia” que casualmente vino a mis manos. Y es que la tolerancia religiosa fue una de las ideas directrices del pensamiento de Voltaire (1694–1778), uno de aquellos ilustrados; escritor además de filósofo, historiador, abogado y precursor del periodismo, entre otras facetas. Sus escritos le llevaron a enfrentarse con la Iglesia católica, pero también con los calvinistas y hugonotes franceses. Fue encarcelado por este motivo y sufrió por ello exilio en Inglaterra hasta que finalmente fijó su residencia en Ginebra, fuera del alcance de los católicos franceses. Se le consideró ateo cuando en realidad era sólo deísta y creía en un Ser Superior no mediatizado por las religiones.

El autor introduce su ensayo mediante un caso judicial, el de Jean Calas un hugonote de Tolouse que en 1761 fue acusado y ajusticiado por el asesinato de su hijo que supuestamente quería convertirse al catolicismo. Voltaire escribió y publicó sobre este caso toda una serie de artículos denunciando un flagrante error judicial propiciado por los prejuicios fanáticos del vecindario católico de la víctima. Lo que hoy llamamos un “juicio paralelo” popular. Mediante una hábil campaña periodística en Paris consiguió la revisión del caso por la Corte real y la rehabilitación de Calas y su familia injustamente acusados. A continuación el filósofo ilustrado desarrolla su ensayo explicando las ventajas prácticas de la tolerancia religiosa, las consecuencias del fanatismo religioso en Francia durante el siglo anterior (guerras de religión, matanza de San Bartolomé). Hace historia y explica la tolerancia que en la antigüedad tuvieron griegos y romanos en materia de religión (excepto el caso de Sócrates). Mantiene que Cristo nunca fue intolerante y que tanto los Evangelios como los escritos apologéticos predican la indulgencia. Denuncia el fanatismo religioso medieval, fruto de la ignorancia, de la superstición y de las disputas teológicas estériles de los primeros siglos de cristianismo. Expone las ventajas sociales y políticas de la tolerancia religiosa, de su utilidad para el Estado y que la misma es acorde con el derecho natural y necesaria para el desarrollo de la razón y de la ciencia. Termina finalmente el ensayo haciendo una apología de la tolerancia universal y con una plegaria a Dios pidiendo el triunfo de la misma.

El estilo del texto es claro y sencillo, alejado de toda grandilocuencia. En ningún momento ataca la fe y las creencias católicas aunque manifiesta una fina ironía al exponer las consecuencias del fanatismo católico. Parece que escribió el libro bajo seudónimo y nunca admitió claramente su autoría quizás para evitar las represalias de la Iglesia que finalmente cayeron sobre toda su obra literaria.

Si hemos de juzgar por este ensayo, considero injusto el estigma de “ateo” que se le adjudicó a Voltaire. Mas bien pienso que algunas de sus frases e ideas deberían ser incluidas en los contenidos educativos, por ejemplo en esa asignatura de “Educación para la ciudadanía” tan controvertida y denostada en nuestra enseñanza actual.

EN TIERRAS BAJAS. Herta Müller

2010-10-10T11:38:00.008+02:00

Si revisamos la biografía de Herta Müller estaremos de acuerdo en que su infancia no debió ser demasiado afortunada. Nació en el Banato, una región al oeste de Rumania rodeada de ríos, entre ellos el Danubio, pero de tierras pobres en las que a penas se podía cultivar algo más que patatas, remolacha y maíz. Tan pobres que en el siglo XVIII estaban despobladas y sus penúltimos dueños, los austrohúngaros, las repoblaron con campesinos desposeídos del sur de Alemania. En el seno de esta minoría étnica germanoparlante, conocida como “los suabos del Banato” nació nuestra autora ocho años después de acabada la Segunda Guerra Mundial, cuando la región fue adjudicada en su mayor parte a Rumania. Igual que los sudetes de Checoslovaquia, estos alemanes pagaron las culpas del régimen nazi en la nueva Rumania comunista surgida de la guerra. Como ilustración de este pasado conflictivo destacaremos que el padre de la escritora fue miembro de las Waffen-SS y su madre fue deportada en 1945 a Rusia donde pasó cinco años en un campo de trabajo. Con estos antecedentes, y educada en la cultura alemana, es lógico que en su juventud se enfrentara al dictatorial régimen de Ceaucescu, siendo interrogada y acosada muchas veces por la policía. Esta oposición de la autora a la dictadura comunista se refleja en toda su obra y al parecer fue decisiva para que se le premiara en 2009 con el Nobel de literatura.

“En tierras bajas” fue su primera obra publicada (1982). Se trata de una colección de cuentos en los que se muestra las duras condiciones de vida de los campesinos alemanes y las difíciles relaciones familiares que la pobreza condiciona, todo esto visto por una niña y mezclado con sus ensoñaciones personales. La resultante es una muestra de fantasía y realidad que recuerda algo el llamado “realismo fantástico” de algunos escritores latinoamericanos. Con estos mimbres se podrían haber elaborado unos relatos conmovedores, pero la impresión que causan es bien distinta. Estos cuentos, mas que narraciones son mera descripción fría y minuciosa, carente de emotividad, que en ocasiones se recrea en los aspectos más sórdidos y escatológicos. Quizás la autora pretende destacar así la dureza de su tierra natal, pero la consecuencia, al menos en mi caso, es que acaba provocando el desinterés del lector.

Cierto que es injusto juzgar toda la obra de Herta Muller por estos relatos, pero tengo la impresión de que el Nobel ha premiado en ella el compromiso político antes que la buena literatura.