Una vez más hemos asistido al ya tradicional Concierto de Santa Cecilia, ofrecido por la Orquesta Sinfónica del Conservatorio Superior de Música “Andrés de Vandelvira” de Jaén. Sobre esta agrupación ya hemos comentado en anteriores entradas de este blog: Integrada por profesores y jóvenes estudiantes, dirigidos por Antonio Ariza Momblant, que cada año consigue sorprendernos con apuestas arriesgadas, y cuya vocación didáctica es reconocida por el público.
El ballet tuvo su remoto origen en el Renacimiento italiano, como divertimento, en los bailes cortesanos. Fue en Francia, durante el siglo XVII, y en la corte de Luis XIV, cuando quedó establecido como arte escénico y se crearon las posiciones canónicas de manos y pies en los bailarines. Desde entonces se extendió por toda Europa, y en el siglo XIX tuvo especial auge en Rusia. El ballet romántico del XIX introdujo el papel preponderante de la bailarina entre los danzantes. Se consideraban a las mujeres como figuras etéreas y delicadas y la trama argumental reforzó el papel de la prima ballerina. Fue entonces, principalmente en Rusia, cuando se profesionalizaron las primeras compañías. Curiosamente la primera datada en ese país fue la Ópera Nacional de Ucrania.
Incluida en el programa de conciertos y recitales de Festival de Otoño, hemos recibido en Jaén a la Orquesta Filarmónica de Málaga, una agrupación musical con más de treinta años de trayectoria y un elenco de músicos de reconocida experiencia. Además del repertorio de temporada, que desarrolla en el malagueño teatro Cervantes, la orquesta se aparta ocasionalmente de la música conocida y plenamente aceptada para presentar al público novedades más arriesgadas. El programa que nos han ofrecido, en esta ocasión, parece responder a esa intención divulgativa no exenta de retos técnicos. Una obra de Aleksandr Glazunov (1865-1936) y quizás la sinfonía más conocida de Johannes Brahms (1833-1897).
La novela, como género literario, se desarrolla en torno a un eje central, el relato de ficción y las ideas que trascienden al mismo, en suma, el contenido argumental. Pero en ocasiones la forma, la estructura narrativa, puede ser igual de importante y destacar por su originalidad. Creo que este es el caso del libro que hoy comento, un encargo de mi club de lectura. Esa importancia estructural la veo confirmada en la edición de Austral que tengo en mis manos, en la cual el introductor y comentarista, Antonio A. González Yebra, abunda en anotaciones y un extenso análisis de la obra, con tan clara intención didáctica que al final incluye un comentario de texto con preguntas claramente dirigidas a los estudiantes de bachiller.
Otro año más, incluida en el programa del Festival de Otoño, hemos recibido la visita de la Compañía Lírica Ópera 2001 que ha puesto en escena Tosca de Giacomo Puccini (1858-1924), quizás la obra más dramática dentro de la abundante producción del compositor italiano. Esta ópera ya fue comentada en una anterior entrada (miércoles, 8 de junio de 2016) y por eso intentaré no redundar en información y resaltar otros aspectos no tratados entonces, además de las particularidades de esta representación.
Luis Landero (1948) es sin duda una de las figuras señeras de nuestra literatura. Aunque no me atrevo a decir que sus novelas se cuenten como éxitos editoriales, sí pienso que se trata de un autor de culto, es decir, alguien cuya obra es muy apreciada por los escritores contemporáneos, aunque no sea de lectura masiva. Un reconocimiento avalado por una extensa nómina de premios.
Me gusta la novela gráfica cuando aborda el tema de la memoria histórica, un concepto algo impreciso e intermedio entre la memoria viva y la historia ya sedimentada. En su cercanía a la primera es capaz de modular los sesgos ideológicos de la segunda. Dicho de otra forma, la historia, casi siempre escrita por los vencedores, necesita ser contrastada con el testimonio de los perdedores, por muy subjetivos que parezcan. Me parece un asunto de pura justicia que, sin embargo, ha sido calificada de revanchismo por los defensores del pensamiento único.
La escritora Christina Rossetti (1830-1894) está considerada por la crítica actual como una de las más grandes entre los poetas británicos del siglo XIX. Sin embargo, su aceptación fue irregular en el tiempo, y me parece una gran desconocida de los lectores españoles. Era hermana del pintor y poeta Dante Gabriel Rossetti uno de los fundadores de la Hermandad Prerrafaelita, un movimiento que en lo pictórico tiene rasgos bien definidos y no tanto en su versión literaria.
No sabría decir a ciencia cierta si el calor estival aturde las neuronas. Lo cierto es que, desde hace años, dedico estos meses de canícula a lecturas más leves e intrascendentes, menos reflexivas, del estilo de las novelas policíacas o similares. Pero el tiempo no pasa en balde y este verano, por primera vez, he atravesado una evidente depresión lectora. Ningún libro leído, salvo uno muy extenso al que me he obligado por responsable compromiso con mi club de lectura. Una vez terminado, me apetecía leer algo muy breve, un cuento, ni siquiera una colección de los mismos. Buscando he encontrado éste que hoy comento y, mira por dónde, resulta que está considerado como una obra maestra que ha inspirado a muchos otros escritores.
El periodo comprendido entre el último tercio del siglo XIX y primera mitad del XX fue de grandes cambios sociales y políticos en el viejo continente y particularmente en el centro de Europa. La unificación de Alemania, el nacionalismo exacerbado, los movimientos totalitarios y la traumática experiencia de dos guerras mundiales fueron hitos decisivos de la historia contemporánea. En ese contexto de crisis surgen escritores como Joseph Roth o Stefan Zweig, que evolucionaron desde un conservadurismo nostálgico hacia posturas de un europeísmo integrador en lo cultural. Todos ellos fueron represaliados durante el nazismo.
No hace mucho que los editores adoptaron como propio el anglicismo crossover, tomado de la música. Con ese término tratan de calificar un tipo de obras literarias transversales que, escritas para jóvenes interesan también a los adultos o viceversa. La novela que hoy comento puede encuadrarse en el primer supuesto, literatura juvenil, pero me temo que su atractivo queda algo mermado, al menos para un viejo lector como yo.
A Gustav Mahler (1860-1911) se le considera el último de los grandes compositores del XIX y es calificado por la crítica como posromántico, quizás de forma algo simplista porque su música parece recibir muy variadas influencias. En mi caso diré que sus sinfonías fueron las últimas que atrajeron poderosamente mi atención. Como aficionado a la clásica comencé con la audición de piezas barrocas, Bach en particular, después vino el clasicismo de Mozart y por último Beethoven, Wagner y los románticos rusos. Una inclinación personal casi paralela a la historia y evolución de los estilos musicales.
Antes consideraba a Paul Auster (1947-2024) un escritor fácil de leer, pero más complicado de entender. Al menos, así me lo parecía al final de la década de los 80 cuando, atraído por el éxito de su Trilogía de Nueva York (1985-86), leí otra de sus novelas antológicas, El palacio de la Luna (1989). Ya en avanzada madurez, pude comprender conceptualmente su literatura impregnada de existencialismo, una filosofía con algunas ideas que comparto. Ahora, tras su reciente desaparición, me ha llegado esta novela corta, la última de sus obras, editada un año antes de su muerte.
Ayer, en las postrimerías de este mes de mayo que amenaza con una precoz canícula, asistimos a una audición organizada por el Conservatorio Profesional de Música “Ramón Garay”, con el genérico título de “Concierto de Guitarras” y la colaboración de nuestro Museo Provincial. Disfrutamos del mismo en el marco incomparable - perdón por el tópico retórico – de una de las salas del museo, con aforo limitado pero con muy buena acústica propiciada por la abundancia de paneles y suelo de madera, rodeados además de retratos decimonónicos y pinturas costumbristas.
Es una serie de Neflix en ocho capítulos, adaptación al cine de la novela El talento de Mr. Ripley de Patricia Highsmith. La crítica especializada la ha considerado una de las dos mejores series de 2024. La versión y dirección de la misma ha estado a cargo de Steven Zaillian, un norteamericano de origen armenio, reconocido director y guionista, autor entre otros de otros de Gangs of New York y oscarizado por La lista de Schidler.
Entre los distintos subgéneros de la narrativa, el policiaco me parece el más liviano pues su intención va poco más allá del puro entretenimiento o evasión. Quizás la novela negra sea una excepción porque añade un marcado aspecto de crítica social.
Entre el nutrido grupo de escritores jiennenses tengo ocasión de destacar hoy a Luis Miguel Sánchez Tostado (1962), historiador y criminólogo, autor tan prolífico como polifacético, con una abundante producción de ensayo histórico, pero también en novela y cuento. Ha versionado como guionista muchos de sus relatos y acumula ya una buena cantidad de premios literarios. Suele promocionar sus novelas de forma amena y divulgativa, y es experto en la producción de audiovisuales propios de la mercadotecnia editorial.
En alguna ocasión he comentado mi recelo hacia los premios literarios que no siempre son garantía de calidad. Una excelencia que a menudo es sobrevalorada por la agresividad de la mercadotecnia editorial. Mi desconfianza no es global, pero en todo caso me impongo como norma dejar pasar un tiempo antes de iniciar la lectura de una de esas novedades literarias. Así tengo ocasión de valorar los comentarios de la crítica sobre la obra galardonada y decidir en consecuencia.
Mar de los Ríos me parece una escritora interesante y algo contradictoria. Resulta muy llamativo su empeño en reducir la exposición mediática al mínimo. En efecto, su perfil biográfico está casi ausente en la red. Lo poco que conocemos de su vida lo dosifica ella misma en una entrevista, y su presencia se reduce a la reseña de sus libros en las redes comerciales habituales. Sin embargo, dispone de un perfil en Facebook, y una web personal a la que siempre remite.
En vísperas de Semana Santa hemos asistido a una interesante representación teatral en el Darymelia. La ha ofrecido la compañía sevillana Teatro de la Resiliencia, integrada desde 2018 por jóvenes actores, algunos de los cuales tienen también experiencia en dramaturgia, dirección escénica, canto y baile.
Ayer, sábado 9 de marzo, en una inclemente, aunque anhelada, tarde de lluvia y viento, tuvimos ocasión de asistir a una nueva representación de La Traviata. Si la memoria no me falla, la última vez que se escenificó en Jaén fue hace diez años, así que bienvenida esta nueva ocasión de disfrutar de una de las óperas más representadas en el mundo.
El argentino Jorge Luis Borges (1899-1986), creó una estética propia y a tal efecto formuló las claves de su composición literaria. Entendió la importante ligazón entre lectura y escritura. Estableció además las dimensiones y límites entre ficción y no ficción, la relación entre crítica y creación, o el importante papel de la traducción. Pienso que todos esos aspectos aportaron a su obra narrativa una calidad muy próxima a lo poético. Esto parece aún más evidente en sus cuentos.
Hace años tuve ocasión de comentar la dilatada biografía de Doris Lessing (1919-2013). Fue en una entrada de este blog referida a su primera novela, Canta la hierba (1950). Por eso ahora me limitaré a resumir las principales ideas que la autora quiso reflejar evolutivamente en su no menos extensa producción narrativa: Marxista juvenil y finalmente liberal tras su desilusión por los crímenes del estalinismo. Militó como anticolonialista, anti-apartheid y feminista. Todo ese ideario infiltró su vida y su obra de un potente contenido social y político.
El imperio español, fue el primero y más grande de la Edad Moderna y, quizás por eso, el más envidiado y atacado por el resto de naciones emergentes en Europa al amparo de las monarquías absolutas.
Elisa Ferrer (1983) puede ser una escritora emergente en el heterogéneo y complicado panorama editorial español. Y eso gracias a esta su primera novela, ganadora del XV Premio Tusquet Editores de 2019, concedido por unanimidad de un jurado presidido por Almudena Grandes, una referencia que es para mí suficiente garantía de calidad.
Hace décadas que los historiadores aprovechan su formación académica para divulgar historia, adornada de ficción, mediante la novela histórica. Un buen ejemplo de estos pueden ser Juan Eslava Galán o Santiago Posteguillo. De otra parte, los novelistas procuran hacer verosímiles las suyas mediante una buena documentación de los hechos. En los últimos años aprecio un nuevo fenómeno que me agrada: Se trata de aquellos historiadores, con amplia formación y experiencia académica, que deciden resumir y divulgar mediante el ensayo lo que de inicio fueron tesis doctorales o complejos trabajos de investigación. He leído muchos de esos estudios destinados a un público de aficionados y reconozco que no siempre he estado a la altura, pero en general han enriquecido mis conocimientos.
La novela gráfica, como subgénero literario más vanguardista, apareció en U.S.A en la década de los 60 del pasado siglo. Autores como Will Eisner o Art Spiegelman son ya antológicos como historietistas. En España su desarrollo ha sido posterior, pero autores como Paco Roca o Luis Durán son muy destacables en esta narrativa.
Como introducción al libro que hoy comento, me gustaría hacer una reflexión sobre los prejuicios del lector hacia el escritor y su obra. El prejuicio, como opinión subjetiva, casi siempre de carácter moral, sobre alguien o algo que se conoce poco, es muy humano y desde luego criticable. Pero parecería justificado sí la biografía del autor y la lectura de sus escritos, confirman ese prejuicio como realidad verificable. En ese momento debemos tomar una decisión personal: ¿Qué es más importante, la vida del escritor o la belleza y calidad de su literatura? Esa cuestión se extiende también al arte en general. Caravaggio fue un asesino confeso, jugador y alcohólico. La biografía de Picasso es muy cuestionable, por decirlo de forma amable. En casos como estos, el paso del tiempo tiende a difuminar lo negativo mientras se mantenga la elevada estimación de la obra.
Los pseudónimos son una alternativa frecuente en literatura. En el siglo XIX, los masculinos sirvieron para encubrir a escritoras que serían marginadas en caso de utilizar el propio nombre. En nuestros días la tendencia se ha invertido y el alias de Carmen Mola ocultó durante un tiempo a tres escritores que aprovecharon el éxito de las escritoras y el predominio femenino entre el público lector. En el caso de Elena Ferrante (1943) me parece adivinar la intención de reforzar el éxito editorial tras el misterio de la identidad oculta mantenida con insistencia. Sea como fuere, conocemos su origen napolitano bastante explícito en todas sus novelas, que parecen tener un manifiesto componente autobiográfico.